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En la mañana del 18 de marzo de 1990, dos ladrones vestidos como policías entraron al Museo Isabella Stewart Gardner en Boston y salieron con 13 obras de arte valoradas en 500 millones de dólares. Veintiocho años después, sigue siendo el mayor atraco de arte sin resolver.

En septiembre, WBUR y el Boston Globe lanzarán un podcast, titulado Last Seen, que se sumergirá en los misterios del atraco. podría escuchar el avance y suscribirse para recibir una notificación tan pronto como haya nuevos episodios aquí.)

Antes de eso, le pedimos al crítico Lloyd Schwartz que echara un vistazo al arte que perdió nuestra ciudad:

«The Concert»

Johannes Vermeer

1663-1666

Esta pequeña pintura, de poco más de dos pies cuadrados, se exhibió adosada con el paisaje de Govaert Flinck. con Obelisco ”en una pequeña mesa en la magnífica Sala Holandesa del Museo Gardner. El Vermeer generalmente se considera el más raro y valioso de los tesoros perdidos, al menos en parte porque se sabe que existen muy pocas de sus pinturas (el consenso actual es 37 , pero algunos estudiosos todavía tienen dudas sobre la autenticidad de tres de ellos.)

«El Concierto» es característico del artista y también un poco inusual. Al menos otros nueve Vermeers incluyen instrumentos musicales, en su mayoría en manos de mujeres. Sin embargo, solo otros tres Vermeers sobrevivientes incluyen tres figuras (una es «Cristo en la casa de Marta y María», las otras dos están ubicadas en un bar y en un burdel).

El silencio es una cualidad fundamental de la obra de Vermeer que incluso cuando representa a un trío de compositores (un cantante acompañado de laúd y clavecín), la atmósfera del cuadro es de extrema quietud. El aire de calma en esta escena en un eco urbano de la apacible pastoral escena en el interior de la tapa del clavecín (probablemente pintado por Jan Wildens) y en algún lugar entre el silencio absoluto del paisaje boscoso y la estridencia de una transacción en un burdel en los dos cuadros que cuelgan en la pared detrás de este trío rico y presumiblemente respetable. (La pintura de burdel, «The Procuress» de Dirck van Baburen, que también tiene tres figuras, pertenece al Museo de Bellas Artes de Boston. En la época de Vermeer parece haber sido propiedad de su rica suegra).

Reforzando esta sensación de calma, incluso entre compositores, es la compleja geometría de la pintura. Los ángulos rectos y agudos en la colocación de las figuras y los muebles, también las pinturas rectangulares en la pared, junto con los colores refinados y apagados de la ropa (amarillo, gris, marrón) y joyas (pendientes de perlas y un collar de perlas – también el clásico Vermeer) irradian una estabilidad silenciosa. Al mismo tiempo, las curvas más suaves de la cabeza, el cuerpo y la ropa más el barrido aerodinámico de la tapa del clavicémbalo añaden tensión y energía a las figuras estáticas. Las baldosas cuadradas de mármol, radicalmente acortadas en rombos en forma de diamante, no solo saludan, sino que parecen atraer activamente la atención del espectador hacia la escena. Así como los marcos rectangulares de la pared contrastan con los ritmos más orgánicos de los cuadros que rodean. Y lo más parecido a Vermeer de todo, una extraña luz opalescente ilumina las figuras y las rodea con una misteriosa quietud.

«Una dama y un caballero de negro»

Rembrandt van Rijn

1633

Todos los Rembrandt de la colección de la Sra. Gardner fueron producidos a principios de la década de 1630, cuando Rembrandt tenía solo 26 años o 27 años (aunque su autorretrato sensible – que no fue robado – data de cuatro años antes). Ya había alcanzado una deslumbrante habilidad técnica. Las imágenes posteriores pueden ser más profundas, más inquisitivas, pero estas primeras obras maestras fueron lo que lo hizo famoso.

Rembrandt pintó muchas parejas, algunas en formatos muy grandes. Pero la gran mayoría de estos retratos son en realidad «colgantes»: dos lienzos separados que representan a un miembro de la generalmente pareja casada. «Una dama y un caballero de negro» es probablemente el primer retrato doble de Rembrandt que incluye ambas figuras en el mismo lienzo. Es impresionantemente grande: más de 4 pies de alto por unos 3½ pies de ancho. Los colores son austeros, pero la ropa es rica, con Encajes asombrosamente detallados (una especialidad de Rembrandt en esta etapa de su carrera), especialmente el elegante cuello con volantes y los puños de encaje de la mujer.

Pero lo que más llama la atención del cuadro es la posición de las dos figuras. A la derecha, la mujer está sentada en una elegante silla, mirando hacia afuera, pero no hacia nosotros, modesta pero serena. Su mano izquierda, enguantada, sostiene el guante de su mano derecha desnuda, que descansa sobre el brazo de su silla. En el centro, el hombre está de pie, elevándose sobre ella, fanfarroneando, confrontando, su mano izquierda enguantada sosteniendo su guante derecho; su mano derecha escondida, presumiblemente en su cadera, bajo su capa negra. A su izquierda hay otra silla, vacía, más sencilla que en la que está sentada la dama. La mujer sentada, el hombre de pie y la silla vacía forman un triángulo, la forma de solidez y estabilidad. La habitación en la que están es bastante libre, algo, tal vez un mapa, está colgado en una pared detrás del hombre. También detrás de él hay dos escalones que conducen a una puerta que su figura está bloqueando. Debido a que realmente no podemos ver la entrada, parece más una salida que una entrada. Aunque existe una tensión subyacente, la situación no va a cambiar. La mujer es fuerte, pero no pasiva. El hombre ciertamente tiene el control, o cree que lo tiene.

«Cristo en la tormenta en el mar de Galilea»

Rembrandt van Rijn

1633

Cuatro obras de arte a la derecha de la «Dama y caballero de negro» robada en la sala holandesa cuelgan el marco vacío del más famoso de las pinturas que faltan, «Cristo en la tormenta en el mar de Galilea», una ilustración de un pasaje aún más famoso del Nuevo Testamento (Mateo, 8):

23 Y cuando entró en un barco, sus discípulos le siguieron.
24 Y he aquí, se levantó una gran tempestad en el mar, de tal manera que el barco se cubrió con las olas; pero él dormía.
25 Y acercándose a él sus discípulos, le despertaron, diciendo: Señor, sálvanos; perecemos.
26 Y les dijo: ¿Por qué? ¿Tenéis miedo, hombres de poca fe? Luego se levantó y reprendió a los vientos y al mar; y había una gran calma.

El cuadro de Rembrandt, de 1633, el mismo año que el retrato de la pareja, es el opuesto casi diametral de ese cuadro. En lugar de una tranquila estabilidad, esta es una de las imágenes más dramáticas y dinámicas de Rembrandt. El lienzo mide poco más de 5 pies de alto y más de 4 pies de ancho, el efecto es abrumador. Estamos en el apogeo de una violenta tormenta. Las nubes oscuras brillan arriba, las olas altas azotan el barco, el viento ya ha partido la vela mayor por la mitad. Casi no podemos distinguir las olas de las rocas contra las que la pequeña embarcación parece a punto de hundirse.

Jesús y sus discípulos están en la barca. Algunos de ellos están en estado de pánico. Algunos de ellos están trabajando para mantener el barco unido. Uno está inclinado sobre el costado del bote, a punto de vomitar. Uno de ellos nos mira directamente, sujetando su gorra con una mano y una cuerda con la otra. No estoy seguro de qué discípulo es este, pero es la cara de Rembrandt, la misma cara que en el también robado «Autorretrato», un grabado del tamaño de un sello postal del mismo período. Con una cuidadosa observación podemos distinguir, en en medio de todo este tumulto, el mismo Jesús despertando de su siesta y no preocupado en lo más mínimo. «Oh, hombres de poca fe».

A diferencia del retrato de la pareja, donde cada detalle tiene creado con pinceladas diminutas, casi invisibles, las pinceladas aquí son salpicaduras salvajes, amplias y azotadas por el viento en el lienzo. De hecho, podemos ver, casi tocar, el vigoroso cepillado. Se necesita trabajo para distinguir los pequeños rostros humanos. El barco ha sido barrido hasta un ángulo de casi 45 grados con el agua. Mientras miramos, nosotros mismos perdemos el equilibrio. (O, mejor dicho, fueron).

«Retrato del artista cuando era joven»

Rembrandt van Rijn

1633

Este pequeño grabado, de solo 1 pulgada y ¾ de ancho por casi 2 pulgadas de alto, es una de esas maravillas de Rembrandt. Sabemos por su otro yo- retratos y retratos de él por sus estudiantes y otros artistas, que así es como debe haber sido. Aún no tiene 30 años, ya es un artista exitoso, incluso famoso, pero no hace nada para halagarse. Es un poco regordete, un un poco desaliñado, su cabello está despeinado y descuidado, y se ve muy serio. En una factura de venta, este grabado se conoce como «Rembrandt con tres bigotes», ya que tiene un bigote en el labio, algo de pelo en la barbilla, e incluso el ala de su gorra parece tener bigote.

«Paisaje con obelisco»

Govaert Flinck

1638

Durante muchos años , se pensaba que este inquietante paisaje era obra de Rembrandt. Pintado al óleo sobre madera, mide 21 pulgadas de alto por 28 pulgadas de ancho, y durante todo su tiempo en el Museo Gardner se colocó espalda con espalda con «El concierto» de Vermeer sobre una pequeña mesa cerca de una ventana en la Sala Holandesa. La mayor rareza de esta pintura es el obelisco que da título a esta pintura. En este día oscuro y tormentoso, está rayado por la luz del sol, casi dorado, pero en perspectiva, es mucho más pequeño que el enorme árbol nudoso humanoide en primer plano, sus hojas azotadas por el viento como pelo salvaje. Una gran parte del tronco se ha caído al suelo, ¿le cayó un rayo? Un hombre en miniatura a caballo está hablando con otro hombre diminuto parado en el camino (¿o es un camino?). Al otro lado del puente (¿hay alguien en él?), Al otro lado de un río, hay un molino de agua. Contra el horizonte lejano, una especie de monte se eleva sobre los campos y bosques frente a él. Los colores son principalmente marrones (el paisaje) y grises (el cielo). Bernard Berenson, el famoso historiador del arte y asesor de la Sra. Gardner, lo llamó «una obra de arte de exquisito, dulce patetismo y profundo sentimiento».

Fantasía y realista, el tema sigue siendo un misterio. El obelisco parece representar algo, querer representar algo. Debe ser un símbolo, o si no, ¿qué está haciendo allí en medio de este paisaje mayormente árido, en el centro de esta pintura misteriosa? Pero no tenemos más remedio que dejar su significado. a nuestra imaginación.

«Chez Tortoni»

Édouard Manet

Alrededor de 1875

Un apuesto joven con bigote y sombrero de copa está sentado en un café, junto a una ventana iluminada por el sol. Está escribiendo algo. Al menos uno de sus ojos está enfocado en nosotros, los espectadores. Hay una copa de vino sobre la mesa. Probablemente no contenga un «biscuit Tortoni», la especialidad de mousse helada asociada con este café. El vino es transparente. Las pinceladas son amplias y táctiles. Es sorprendente la claridad de este impresionista (o pre-post-impresionista) que el artista obtiene de estas franjas de pintura. Y tal vez sea la pintura misma sobre la que Manet quisiera que enfoquemos nuestra mirada.

Este pequeño lienzo (un poco más de 10 por 13 pulgadas) solía colgar en el pequeño y abarrotado Salón Azul en el primer piso del Gardner. Manet, que solo tenía 51 años cuando murió, tenía 40 años cuando pintó «Chez Tortoni», en toda su madurez. Era más famoso, o notorio, por obras más grandes y sexualmente atrevidas como «Luncheon on the Grass» y «Olympia», pero muchas de sus obras posteriores más pequeñas (un manojo de espárragos, una rama de espárragos, un limón) son obras maestras. Sus imágenes de la sociedad del café, pintadas con tanta espontaneidad, casi como instantáneas, forman una especie de historia social del París demimondaine a finales de Siglo 19. «Chez Tortoni» es un ejemplo perfecto.

5 obras en papel

Edgar Degas

1857-1888

Cinco obras en papel de Edgar Degas fueron robados de los gabinetes de la Short Gallery, el pasadizo que conduce a la gran Sala de Tapices en el segundo piso del Gardner. Fueron almacenados con otros grabados y dibujos en gabinetes diseñados por la propia Sra. Gardner. Aunque él comenzó como pintor de escenas bíblicas e históricas, Degas, como Manet (que era dos años mayor que él), se hizo famoso por sus representaciones de la vida cotidiana, sobre todo imágenes de bailarines, jinetes y caballos de carreras. La pérdida de tres dibujos de escenas con caballos uno significativo.

La primera de las imágenes con caballos, «Cortège Sur Une Route Aux Environs De Florence» («Procesión por un camino Near Florence «) es un dibujo de alrededor de 1857, de 15 x 20 cm, a lápiz y aguada sepia que le da un aspecto antiguo. La imagen es una pequeña procesión que muestra a Degas en un modo más histórico. Hay una especie de carruaje tirado por un par de caballos (los detalles son particularmente difíciles de leer en la reproducción). Una de las figuras pequeñas pero más llamativas es una mujer que sostiene un gran paraguas por encima de tres mujeres que parecen estar bailando. Y hay una vista antigua de Florencia en la distancia.

» Three Mounted Jockeys «(1885-1888) es un dibujo a tinta más grande y menos terminado (aproximadamente 12 por -9½ pulgadas), con algunos toques de pintura al óleo. Uno de los jinetes, el más claramente visible, está en posición de golpe sobre el caballo, inclinado hacia atrás con un pie en los estribos y la otra pierna estirada alrededor del cuello del caballo. Los otros dos jinetes en esta página de bocetos son más difíciles de ver porque están al revés.

Quizás el más importante de los Degas robados es una pequeña acuarela (fecha desconocido), «La Sortie Du Pesage» («Dejando el paddock»), que muestra dos caballos y sus jinetes haciendo fila y siendo conducidos a la pista, rodeados de transeúntes: una gran multitud para una imagen de solo 4 por 6 pulgadas . Los fascinantes cambios de posición son evidentes en el dibujo a lápiz aún visible. La chaqueta y la gorra de color marrón anaranjado vibrante del jockey más cercano al espectador, en un dibujo principalmente marrón excepto por los blancos de los calzones de los jockeys, es el foco principal de nuestra atención.

Las dos últimas obras que faltan de Degas son un par de bocetos al carboncillo de 30 x 20 cm de 1884, ambos estudios para un programa «para una velada artística», uno un poco más terminado que el otro. Un cuadrado en la esquina inferior derecha se deja en blanco, presumiblemente el espacio para la información sobre la velada. Las figuras que rodean el espacio vacío incluyen una pareja de bailarines apuntando con los dedos de los pies (la mujer con tutú y zapatos de punta), una mujer sosteniendo páginas encuadernadas en una mano (irónicamente, en la versión más esquemática, es más claramente una cantante sosteniendo una partitura), la parte superior del cuerpo de un hombre con un sombrero y una peluca del siglo XVIII, barcos de vela en un puerto (tan esquemáticos en la versión menos terminada que es imposible saber qué representan las líneas dibujadas), dos chimeneas eructando humo, un arpa que oculta parcialmente un bajo violín detrás de él, con el arco de violín dibujado ilusionistamente sobre (en lugar de detrás) la parte superior del cuadrado en blanco. Estas páginas son encantadoras y desconcertantes. ¿Qué tipo de velada divertida sugieren imágenes tan dispares?

Un remate de águila de bronce

francés

1813–1814

El Diccionario Oxford define un remate como un adorno en la parte superior, final o esquina de un objeto. El águila de bronce de 10 pulgadas de alto que fue robada del Gardner formaba la parte superior decorativa de un asta de bandera al que se adjuntaba una bandera de seda del Primer Regimiento de la Guardia Imperial de Napoleón. El águila está orgullosa, con las alas extendidas, casi deslumbrante. Aunque lo intentaron, los ladrones no pudieron quitar toda la bandera, que estaba en un estuche atornillado a la pared de la Galería Corta, por lo que finalmente se conformaron con el remate. Todo el objeto estaba colgado en la casa de Beacon Street de la Sra. Gardner antes de que ella construyera el museo. El remate se ha ido, pero la bandera todavía está allí.

Un antiguo chino Gu

1200-1100 aC

Según el sitio web del Museo Gardner, este vaso de bronce de la antigua dinastía Shang de 10 pulgadas de alto era uno de los objetos más antiguos de toda la colección y, con mucho, el más antiguo de los objetos robados. La Sra. Gardner lo compró en 1922 por $ 17.500 y lo colocó en el Salón Holandés sobre una pequeña mesa frente al «Doctor en Derecho» de Zurburán, el cuadro a la derecha del paisaje marino robado de Rembrandt. La austera copa en forma de trompeta del El vaso de precipitados está sostenido por un tallo y una base sobreexcitados con entretejidos más intrincados. Seguramente fue una de las piezas más elegantes de todo el museo.