Mannerism: Stilen som sätter en detaljerad vändning på renässanskonst

Under renässansen hittade italienska konstnärer inspiration i de ideala formerna och harmoniska kompositionerna i den klassiska antiken. Medan denna omtolkning av forntida modeller är känd tydlig i verk av högrenässansartister som Michelangelo och Leonardo da Vinci, manifesterades den också som manism, en stil som uppstod mot slutet av rörelsen.

Manieristiska konstnärer tog de principer som fastställdes under renässansen till nya ytterligheter, som kulminerade i en estetik som satte en stiliserad twist på klassicismen. Här tittar vi på denna mindre kända stil, utforskar dess historia och presenterar de egenskaper som definierar den.

Vad är manism?

Manism är en stil som uppstod 1530 och varade fram till slutet av seklet. Det är uppkallat efter maniera, en italiensk term för ”stil” eller ”sätt”, och hänvisar till en stiliserad, överdriven inställning till målning och skulptur.

Även känd som sen renässans är manismism betraktas som en bro mellan högrenässansen och barockperioden, som antog delmängden utsmyckade estetik och anpassade den till extravagans.

Historia

I slutet av 1400-talet konstnärer i Florens började avstå från eterisk ikonografi under de mörka åldrarna till förmån för klassicismen. Denna estetiska inställning varade fram till 1600-talet och kulminerade i tre underuppsättningar: den tidiga renässansen, den höga renässansen och den sena renässansen.

Under tidig renässans började konstnärer söka antiken för inspiration. Detta nyfunna intresse skulle sedan informera högrenässansen, en genre som kännetecknas av naturalistiska figurer och en matematiskt exakt användning av perspektiv. Högrenässansen varade från 1490 till 1530-talet, när senrenässansen, eller manerismen, uppstod.

Medan manististiska konstnärer var intresserade av den perfektionism som skildras av högrenässansartister, försökte de inte replikera den. Istället överdrivit de renässansprinciperna, vilket resulterade i arbete som gynnar självexpressionism framför strävan efter idealism. ”I stället för att anta de harmoniska idealen som är associerade med Raphael och Michelangelo”, förklarar Tate, ”gick de ett steg längre för att skapa mycket artificiella kompositioner som visade upp deras tekniker och färdigheter i att manipulera kompositionselement för att skapa en känsla av sofistikerad elegans.”

Egenskaper

Överdrivna figurer

Ett primärt sätt att manieristiska konstnärer tog tekniker med hög renässans ”ett steg längre” är genom överdrift. Pionjär av Parmigianino, en italiensk konstnär, förkastade realistiska proportioner och framförde istället figurer med omöjligt långsträckta lemmar och konstigt placerade kroppar. Dessa sträckta och vridna former användes sannolikt för att föreslå rörelse och höja drama.

Enligt Giorgio Vasari, en framstående italiensk målare, arkitekt ct, historiker och författare, antog Parmigianino oavsiktligt denna ovanliga estetik medan han målade sin egen likhet. ”För att undersöka konstens finesser”, säger Vasari om Parmigianino i sin berömda konsthistoriska bok, The Lives of the Artists, ”satte han sig en dag för att göra sitt eget porträtt och tittade på sig själv i en konvex barberspegel. Och genom att göra detta, när man uppfattar de bisarra effekterna av spegelns rundhet, som vrider takets balkar till konstiga kurvor och får dörrarna och andra delar av byggnader att dras tillbaka på ett extraordinärt sätt, kom tanken till honom roa sig själv genom att förfalska allt. ”

Omständlig dekoration

Påkostad utsmyckning är ett annat sätt att manisterister pressade renässansens känslor till sina gränser. Medan högrenässansfigurer vanligtvis inte införlivade mönster i sitt arbete, gjorde tidiga renässansartister som Sandro Botticelli. Inspirerad av millefleur (från franska mille-fleurs, eller ”tusen blommor”) gobelänger från medeltiden införlivade Botticelli blommönster i sina stora mytologiska målningar som Primavera.

Manneristiska konstnärer återupptog i sin tur detta intresse för detaljerad utsmyckning och täckte både dukar och skulpturer i en överväldigande överflöd av dekorativa element. En konstnär som tog detta koncept till förvånande nya nivåer är Giuseppe Arcimboldo, en målare som skapade märkliga porträtt av människor gjorda av vegetation, djur och hittade föremål.

Konstgjord färg

Slutligen övergav manisteristerna de naturalistiska färgerna som användes av högrenässansmålare och använde istället konstgjorda – och ofta snygga – toner. Dessa orealistiska nyanser är särskilt tydliga i arbetet av Jacopo da Pontormo, en italiensk konstnär vars mättade palett tog renässansens rika färger till nya höjder.

Denna inställning till färg är också känd förknippad med El Greco, en spansk målare som antog den maneristiska stilen när han flyttade till Rom. El Greco såg som andra manister till tidigare artister utan att försöka reproducera sitt arbete. ”Du måste studera mästarna,” sa han, ”men skydda den ursprungliga stilen som slår i din själ och sätt dem i svärd de som skulle försöka stjäla den.”

Arv

Även om en delmängd av renässansen – utan tvekan konsthistoriens mest inflytelserika konströrelse – hålls manism inte i samma uppskattning som Guldålders tidigare verk. Ändå fortsätter dess distinkta estetik att förtrolla dem som är medvetna om det, vilket gör det till en av konsthistoriens mest fascinerande dolda pärlor.

Utforska de viktigaste bidragen från den mindre kända ”norra renässansen”

Hur konstnärer har hållit stilleben i målning över tusentals år

Historien om amor i konst: Hur kärlekens Gud har inspirerat konstnärer i århundraden

Hur museer utvecklades över tid från privata samlingar till moderna institutioner