Manierismul: stilul care pune o întorsătură elaborată asupra artei renascentiste

În timpul Renașterii, artiștii italieni au găsit inspirație în formele ideale și compozițiile armonioase ale antichității clasice. În timp ce această reinterpretare a modelelor antice este evidentă în lucrările artiștilor din Înalta Renaștere precum Michelangelo și Leonardo da Vinci, ea s-a manifestat și ca manierism, un stil care a apărut spre sfârșitul mișcării.

Artiștii manieristi au dus principiile stabilite în timpul Renașterii la noi extreme, culminând cu o estetică care a pus o răsucire stilizată clasicismului. Aici, aruncăm o privire asupra acestui stil mai puțin cunoscut, explorând istoria acestuia și prezentând caracteristicile care îl definesc.

Ce este manierismul?

Manierismul este un stil care a apărut în 1530 și a durat până la sfârșitul sec. Acesta este numit după maniera, un termen italian pentru „stil” sau „manieră” și se referă la o abordare stilizată, exagerată a picturii și sculpturii.

Cunoscut și sub numele de Renașterea târzie, manierismul este considerat ca o punte de legătură între Înalta Renaștere și perioada Baroc, care a adoptat estetica ornamentată a subsetului și a adaptat-o ca extravaganță.

Istorie

La sfârșitul secolului al XV-lea, artiștii din Florența a început să renunțe la iconografia eterică a Evului Întunecat în favoarea clasicismului. Această abordare estetică a durat până în secolul al XVII-lea și a culminat cu trei subseturi: Renașterea timpurie, Renașterea înaltă și Renașterea târzie.

În timpul Renașterii timpurii, artiștii au început să caute antichitate pentru inspirație. Acest interes nou descoperit va informa apoi Înalta Renaștere, un gen caracterizat prin figuri naturaliste și o utilizare matematică precisă a perspectivei. Înalta Renaștere a durat din 1490 până în anii 1530, când a apărut Renașterea târzie, sau manierismul.

În timp ce artiștii manieristi erau interesați de perfecționismul prezentat de artiștii din Înalta Renaștere, nu au încercat să-l reproducă. În schimb, au exagerat principiile Renașterii, rezultând în lucrări care favorizează autoexpresionismul în locul urmăririi idealismului. „Mai degrabă decât să adopte idealurile armonioase asociate cu Rafael și Michelangelo”, explică Tate, „a făcut un pas mai departe pentru a crea compoziții extrem de artificiale care să-și demonstreze tehnicile și abilitățile în manipularea elementelor compoziționale pentru a crea un sentiment de eleganță sofisticată.”

Caracteristici

Figurile exagerate

O modalitate principală prin care artiștii manieristi au dus tehnicile înaltei Renașteri „un pas mai departe” este prin exagerare. Pionierat de Parmigianino, un artist italian, manieristi au respins proporții realiste și au redat în schimb figuri cu membre imposibil de alungite și corpuri poziționate ciudat. Aceste forme întinse și răsucite au fost probabil folosite pentru a sugera mișcarea și a intensifica dramatismul.

Conform Giorgio Vasari, un important pictor italian, arhit ct, istoric și scriitor, Parmigianino a adoptat din greșeală această estetică neobișnuită în timp ce pictează propria sa asemănare. „Pentru a investiga subtilitățile artei”, spune Vasari despre Parmigianino în celebra sa carte de istorie a artei, „Viețile artiștilor”, s-a pus într-o zi să-și facă propriul portret, privindu-se în oglinda convexă a frizerului. Și făcând acest lucru, percepând efectele bizare produse de rotunjirea oglinzii, care răsucește grinzile unui tavan în curbe ciudate și face ca ușile și alte părți ale clădirilor să se retragă într-o manieră extraordinară, i-a venit ideea să amuză-te falsificând totul. ”

Decorare elaborată

Ornamentul generos este un alt mod în care manieristii au împins sensibilitatea Renașterii la limitele lor. În timp ce figurile înaltei Renașteri nu au încorporat de obicei modele în opera lor, artiștii Renașterii timpurii precum Sandro Botticelli au făcut-o. Inspirat de tapiserii din Evul Mediu millefleur (de la francezii mille-fleurs, sau „mii de flori”), Botticelli a încorporat desene florale în picturile sale mitologice la scară largă precum Primavera.

Artiștii manieristi, la rândul lor, au revizuit acest interes pentru ornamentația elaborată, acoperind atât pânzele, cât și sculpturile într-un mod copleșitor abundența elementelor decorative. Un artist care a dus acest concept la noi niveluri uimitoare este Giuseppe Arcimboldo, un pictor care a realizat portrete deosebite ale oamenilor din vegetație, animale și obiecte găsite.

Artificial Color

În cele din urmă, manieristii au abandonat culorile naturaliste folosite de pictorii înaltei Renașteri și au folosit în schimb tonuri artificiale – și adesea crude. Aceste nuanțe nerealiste sunt deosebit de evidente în opera lui Jacopo da Pontormo, un artist italian a cărui paletă saturată a dus culorile bogate ale Renașterii la noi culmi.

Această abordare a culorii este, de asemenea, cunoscută El Greco, un pictor spaniol care a adoptat stilul manierist când s-a mutat la Roma. La fel ca alți manieriști, El Greco s-a uitat la artiștii anteriori fără a încerca să-și reproducă opera. „Trebuie să studiezi Maeștrii”, a spus el, „dar păzește stilul original care bate în sufletul tău și pune-i pe sabie pe cei care ar încerca să-l fure.”

Moștenire

Deși un subset al Renașterii – probabil cea mai impactantă mișcare de artă a istoriei artei – manierismul nu este ținut în aceeași stimă ca Opera anterioară a Epocii de Aur. Cu toate acestea, estetica sa distinctivă continuă să-i încânte pe cei care sunt conștienți de aceasta, făcându-l una dintre cele mai fascinante pietre ascunse ale istoriei artei.

Explorarea contribuțiilor majore ale „Renașterii de Nord” mai puțin cunoscute

Modul în care artiștii au păstrat viața picturii în viață de-a lungul a mii de ani

Istoria lui Cupidon în artă: modul în care zeul iubirii a inspirat artiștii de secole

Cum au evoluat muzeele de-a lungul timpului de la colecții private la instituții moderne