Expresionism abstract

Al doilea război mondial și perioada postbelicăEdit

În perioada care a precedat și în timpul celui de-al doilea război mondial, artiști, scriitori și poeți moderniști , precum și colecționari și comercianți importanți, au fugit din Europa și de atacul naziștilor spre un refugiu sigur în Statele Unite. Mulți dintre cei care nu au fugit au pierit. Printre artiștii și colecționarii care au ajuns la New York în timpul războiului (unii cu ajutorul lui Varian Fry) au fost Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger și Piet Mondrian. Câțiva artiști, în special Picasso, Matisse și Pierre Bonnard au rămas în Franța și au supraviețuit.

Perioada postbelică a lăsat capitalele Europei în revoltă, cu urgență de a reconstrui economic și fizic și de a se regrupa politic. La Paris, fostul centru al culturii europene și capitala lumii artei, climatul pentru artă era un dezastru, iar New York-ul a înlocuit Parisul ca noul centru al lumii artei. Europa postbelică a văzut continuarea suprarealismului, cubismului, dada și a lucrărilor lui Matisse. De asemenea, în Europa, Art brut și Abstracție lirică sau Tachisme ( echivalentul european al expresionismului abstract) k deține cea mai nouă generație. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages și Jean Messagier, printre alții, sunt considerați figuri importante în pictura europeană de după război. În Statele Unite, o nouă generație de artiști americani a început să apară și să domine scena mondială și au fost numiți expresioniști abstraci.

Gorky, Hofmann și GrahamEdit

Anii 1940 din New York City au anunțat triumful expresionismului abstract american, o mișcare modernistă care combina lecțiile învățate de la Matisse, Picasso, suprarealismul, Miró, cubismul, fauvismul și Modernismul timpuriu prin mari profesori din America precum Hans Hofmann din Germania și John D. Graham din Ucraina. Influența lui Graham asupra artei americane la începutul anilor 1940 a fost vizibilă în special în lucrările lui Gorky, de Kooning, Pollock și Richard Pousette-Dart, printre altele. Contribuțiile lui Gorky la arta americană și mondială sunt dificil de supraestimat. Lucrarea sa de abstracție lirică a fost un „limbaj nou. El„ a deschis calea pentru două generații de artiști americani ”. Spontaneitatea picturală a unor lucrări mature precum Ficatul este pieptenele cocoșului, Betrothal II și One Year the Milkweed au prefigurat imediat expresionismul abstract și liderii școlii din New York au recunoscut influența considerabilă a lui Gorky. Lucrările timpurii ale lui Hyman Bloom au fost, de asemenea, influente. Artiștii americani au beneficiat și de prezența lui Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst și André Grupul breton, galeria lui Pierre Matisse și galeria lui Peggy Guggenheim The Art of This Century, precum și alți factori. Hans Hofmann, în special ca profesor, mentor și artist, a fost atât important cât și influent pentru dezvoltarea și succesul abstractului. expresionismul în Statele Unite. Printre protejații lui Hofmann s-a numărat Clement Greenberg, care a devenit o voce extrem de influentă pentru pictura americană, iar printre studenții săi s-a numărat Lee Krasner, care și-a prezentat ceaiul r, Hofmann, soțului ei, Jackson Pollock.

Pollock și Abstract influenceEdit

La sfârșitul anilor 1940, abordarea radicală a picturii lui Jackson Pollock a revoluționat potențialul pentru toată arta contemporană care l-a urmat. Într-o oarecare măsură, Pollock și-a dat seama că călătoria către realizarea unei opere de artă era la fel de importantă ca opera de artă în sine. La fel ca reinventările inovatoare ale picturii și sculpturii de la Picasso de la sfârșitul secolului prin cubism și sculptură construită, cu influențe la fel de disparate precum picturile cu nisip Navajo, suprarealismul, analiza jungiană și arta murală mexicană, Pollock a redefinit ce a fost să producă artă. Îndepărtarea sa de pictura de șevalet și de convenționalitate a fost un semnal eliberator pentru artiștii din epoca sa și pentru tot ce a urmat.Artiștii și-au dat seama că procesul lui Jackson Pollock – așezarea pânzei brute nedetinse pe podea unde ar putea fi atacată din toate cele patru părți folosind materiale artistice și materiale industriale; scobii liniari de vopsea picură și aruncau; desen, colorare, periere; imagini și non-imagistică – în esență a dus la realizarea artei dincolo de orice graniță anterioară. Expresionismul abstract în general a extins și a dezvoltat definițiile și posibilitățile pe care artiștii le-au avut la dispoziție pentru crearea de noi opere de artă.

Ceilalți expresioniști abstraci au urmat Descoperirea lui Pollock cu noi descoperiri proprii. Într-un sens, inovațiile lui Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos și alții au deschis porțile diversității și sfera tuturor artelor care le-au urmat. Mișcările radicale anti-formaliste din anii 1960 și 1970, inclusiv Fluxus, Neo-Dada, arta conceptuală și mișcarea de artă feministă pot fi urmărite până la inovațiile expresionismului abstract. Recitirile în arta abstractă, făcute de istorici de artă precum Linda Nochlin, Griselda Pollock și Catherine de Zegher arată, totuși, că femeile pioniere care au produs inovații majore în arta modernă au fost ignorate de relatările oficiale ale istoriei sale, dar în cele din urmă a început să obțină o recunoaștere demult în urma mișcării expresioniste abstracte din anii 1940 și 1950. Expresionismul abstract a apărut ca o mișcare de artă majoră în New York în anii 1950 și, ulterior, mai multe galerii de artă de vârf au început să includă expresioniștii abstracti în expoziții și ca obișnuiți în listele lor. Unele dintre acele galerii proeminente „uptown” includeau: Galeria Charles Egan, Galeria Sidney Janis, Galeria Betty Parsons, Galeria Kootz, Galeria Tibor de Nagy, Galeria Stabil, Galeria Leo Castelli precum și altele; și mai multe galerii din centrul orașului cunoscute la acea vreme sub numele de galeriile Tenth Street au expus mulți artiști mai tineri emergenți care lucrau în vena expresionistă abstractă. până la începutul anilor 60 și este strâns asociat cu expresionismul abstract (unii critici au folosit termenii pictură de acțiune și expresionism abstract în mod interschimbabil). De multe ori se face o comparație între pictura de acțiune americană și tachisme francez.

Termenul a fost inventat de criticul american Harold Rosenberg în 1952 și a semnalat o schimbare majoră în perspectiva estetică a pictorilor și criticilor școlii din New York. . Potrivit lui Rosenberg, pânza era „o arenă în care să acționezi”. În timp ce expresioniștii abstracti, cum ar fi Jackson Pollock, Franz Kline și Willem de Kooning, au fost mult timp sinceri în viziunea lor despre o pictură ca o arenă în care să se împace cu actul creației, criticii anteriori simpatizanți cu cauza lor, precum Clement Greenberg, concentrat pe lucrările lor „„ obiectivitate ”. Pentru Greenberg, fizicitatea picturilor„ suprafețelor coagulate și acoperite cu ulei a fost cheia pentru a le înțelege ca documente ale „luptei existențiale a artiștilor.

Critica lui Rosenberg mutată accentul de la obiect la lupta însăși, pictura terminată fiind doar manifestarea fizică, un fel de reziduu al operei de artă propriu-zise, care se afla în actul sau procesul de creație a picturii. Această activitate spontană a fost „acțiunea” pictorului, prin mișcarea brațului și a încheieturii mâinii, gesturi picturale, apăsări, durere aruncată t, stropit, pătat, frământat și picurat. Pictorul lăsa uneori vopseaua să picure pe pânză, în timp ce dansa ritmic sau chiar stătea în pânză, lăsând uneori vopseaua să cadă în conformitate cu mintea subconștientă, lăsând astfel partea inconștientă a psihicului să se afirme și să se exprime. Cu toate acestea, toate acestea sunt dificil de explicat sau interpretat, deoarece este o presupusă manifestare inconștientă a actului de creație pură.

În practică, termenul expresionism abstract se aplică oricărui număr de artiști care lucrează (mai ales) în New York, care avea stiluri destul de diferite și chiar se aplica la lucrări care nu sunt deosebit de abstracte și nici expresioniste. Picturile de acțiune energice ale lui Pollock, cu simțul lor „ocupat”, sunt diferite atât din punct de vedere tehnic, cât și estetic, față de seria violentă și grotescă pentru femei a lui De Kooning. Femeia V este una dintr-o serie de șase picturi realizate de De Kooning între 1950 și 1953 care descriu o figură feminină de trei sferturi. El a început prima dintre aceste picturi, Femeia I, în iunie 1950, schimbând și pictând în mod repetat imaginea până în ianuarie sau februarie 1952, când pictura a fost abandonată neterminată.Istoricul de artă Meyer Schapiro a văzut pictura în studioul lui De Kooning la scurt timp după aceea și l-a încurajat pe artist să persiste. Răspunsul lui De Kooning a fost să înceapă alte trei picturi pe aceeași temă; Femeia II, Femeia III și Femeia IV. În vara anului 1952, petrecut la East Hampton, de Kooning a explorat în continuare tema prin desene și pasteluri. Este posibil să fi terminat lucrul la Femeia I până la sfârșitul lunii iunie sau, probabil, până în noiembrie 1952 și probabil celelalte trei poze cu femei au fost încheiate în același timp. Seria Woman este în mod decisiv picturi figurative.

Un alt artist important este Franz Kline. La fel ca în cazul lui Jackson Pollock și alți expresioniști abstraci, Kline a fost etichetat ca „pictor de acțiune din cauza stilului său aparent spontan și intens, concentrându-se mai puțin, sau deloc, pe figuri sau imagini, ci pe apăsările reale și utilizarea pânzei; așa cum s-a demonstrat prin pictura sa Number 2 (1954).

Scrierea automată a fost un vehicul important pentru pictorii de acțiune precum Kline (în picturile sale alb-negru), Pollock, Mark Tobey și Cy Twombly, care au folosit gestul, suprafața , și linie pentru a crea simboluri caligrafice, liniare și sculete care seamănă cu limbajul și rezonează ca manifestări puternice din inconștientul colectiv. Robert Motherwell în seria Elegie to the Spanish Republic a pictat puternice picturi alb-negru folosind gest, suprafață și simbol evocând puternic emoțional acuzații.

Între timp, alți pictori de acțiune, în special de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell și James Brooks, au folosit imagini fie prin peisaj abstract, fie ca expresionist v idei ale figurii pentru a-și articula evocările extrem de personale și puternice. Picturile lui James Brooks au fost deosebit de poetice și extrem de prevăzătoare în raport cu Abstracția lirică care a devenit proeminentă la sfârșitul anilor 1960 și 1970.

Câmpul de culoare Edit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb și blocurile de culoare strălucitoare strălucitoare din lucrarea lui Mark Rothko (care nu este ceea ce de obicei ar fi numit expresionist și pe care Rothko a negat-o ca fiind abstractă), sunt clasificate ca expresioniști abstracte, deși din ceea ce Clement Greenberg a numit direcția câmpului de culoare a expresionismului abstract . Atât Hans Hofmann, cât și Robert Motherwell pot fi descriși confortabil ca practicanți ai picturii de acțiune și picturii pe câmp color. În anii 1940, imaginile strâns construite de Richard Pousette-Dart depindeau adesea de temele mitologiei și misticismului; la fel ca și picturile lui Gottlieb și Pollock în acel deceniu.

Pictura Color Field se referea inițial un anumit tip de expresionism abstract, în special opera lui Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt și mai multe serii de picturi ale lui Joan Miró. Greenberg a perceput pictura Color Field ca fiind legată, dar diferită de pictura Action. Pictorii Color Field au căutat să-și scape arta de retorica superfluă. Artiști precum Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey și mai ales Ad Reinhardt și Barnett Newman, a căror capodoperă Vir heroicus sublimis se află în colecția MoMA, au folosit referințe foarte reduse la natură și au pictat cu o utilizare a culorii foarte articulată și psihologică. În general, acești artiști au eliminat imagini recunoscute, în cazul lui Roth ko și Gottlieb folosesc uneori simbolul și semnul ca înlocuitor al imaginilor. Anumiți artiști au citat referințe la arta trecută sau prezentă, dar în general pictura pe câmpuri de culoare prezintă abstractizarea ca un scop în sine. Urmărind această direcție a artei moderne, artiștii au dorit să prezinte fiecare pictură ca o singură imagine unificată, coezivă, monolitică.

În deosebire de energia emoțională și semnele de suprafață gestuală ale expresioniștilor abstrați precum Pollock și de Kooning, pictorii Color Field păreau inițial reci și austeri, ștergând marca individuală în favoarea unor zone de culoare mari și plane, pe care acești artiști le considerau natura esențială a abstractizării vizuale, alături de forma reală a pânzei, care mai târziu în anii 1960 Frank Stella a realizat în mod deosebit în moduri neobișnuite cu combinații de margini curbate și drepte. Cu toate acestea, pictura Color Field s-a dovedit a fi atât senzuală, cât și profund expresivă, deși într-un mod diferit de expresionismul abstract gestual.

Deși expresionismul abstract s-a răspândit rapid în Statele Unite, principalele centre ale acestui stil au fost New York City și California, în special în școala din New York și în zona golfului San Francisco. Picturile expresioniste abstracte împărtășesc anumite caracteristici, inclusiv utilizarea pânzelor mari, o abordare „generală”, în care întreaga pânză este tratată cu aceeași importanță (spre deosebire de centrul fiind mai interesant decât marginile).Pânza ca arenă a devenit un credo al picturii de acțiune, în timp ce integritatea planului de imagine a devenit un credo al pictorilor de câmp Color. În anii 1950, artiștii mai tineri au început să-și expună picturile legate de expresionistul abstract, inclusiv Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas și Robert Goodnough .

Deși Pollock este strâns asociat cu Action Painting datorită stilului său, a tehnicii, a atingerii sale picturale și a aplicării sale fizice a vopselei , criticii de artă l-au asemănat pe Pollock atât cu pictura de acțiune, cât și cu pictura pe câmp color. O altă viziune critică avansată de Greenberg conectează pânzele de ansamblu ale lui Pollock cu nuferii pe scară largă ai lui Claude Monet realizate în anii 1920. Critici de artă precum Michael Fried, Greenberg și alții au observat că sentimentul general în cele mai faimoase lucrări ale lui Pollock – picturile sale de picurare – citesc ca câmpuri vaste de elemente liniare construite. Ei observă că aceste lucrări se citesc adesea ca complexe vaste de sculele de vopsea cu valoare similară și toate câmpurile de culoare și desen și sunt înrudite cu Monetele de dimensiuni murale, care sunt construite în mod similar din mărci periate și mărunțite care se citesc și ca câmpuri de culoare și desen. Utilizarea lui Pollock compoziția generală oferă o conexiune filosofică și fizică cu modul în care pictorii de câmpuri de culoare precum Newman, Rothko și Still își construiesc suprafețele neîntrerupte și, în cazul lui Still, rupte. În mai multe picturi pe care Pollock le-a pictat după clasica sa perioadă de pictură prin picurare. 1947–1950, a folosit tehnica de colorare a vopselei de ulei fluide și a vopselei de casă în pânza brută. În 1951 a produs o serie de picturi semifigurate cu pete negre, iar în 1952 a produs cântă culoarea. În expoziția sa din noiembrie 1952 la Sidney Janis Gallery din New York, Pollock a arătat numărul 12, 1952, o pictură mare, magistrală, care seamănă cu un peisaj colorat în culori vii (cu o suprapunere de vopsea întunecată, larg picurată); pictura a fost achiziționată din expoziția de Nelson Rockefeller pentru colecția sa personală.

În timp ce Arshile Gorky este considerat unul dintre părinții fondatori ai expresionismului abstract și suprarealist, el a fost, de asemenea, unul dintre primii pictori ai Școala din New York care a folosit tehnica colorării. Gorky a creat câmpuri largi de culoare vie, deschisă, neîntreruptă, pe care le-a folosit în multe dintre tablourile sale ca teren. În cele mai eficiente și mai realizate picturi ale lui Gorky între anii 1941–1948, el a folosit în mod constant câmpuri intense de culoare colorate, lăsând deseori să curgă și să picure vopseaua, sub și în jurul lexiconului său familiar de forme organice și biomorfe și linii delicate. Un alt abstract expresionist ale cărui lucrări din anii 1940 amintesc de picturile colorate din anii 1960 și 1970 este James Brooks. Brooks a folosit în mod regulat pata ca tehnică în picturile sale de la sfârșitul anilor 1940. Brooks a început să-și dilueze vopseaua în ulei pentru a avea culori fluide cu pe care să-l toarne și să-l picure și să-l păteze în pânza cea mai brută pe care a folosit-o. Aceste lucrări combinau adesea caligrafia și formele abstracte. În ultimele trei decenii ale carierei sale, stilul lui Sam Francis de expresionism abstract luminos pe scară largă a fost strâns asociat cu Color pictura de teren. Picturile sale s-au încadrat în ambele tabere în rubrica expresionistă abstractă, pictura de acțiune și pictura Color Field.

După ce a văzut picturile lui Pollock din 1951 cu vopsea subțire în ulei negru colorată în pânză brută, Frankenthaler a început să producă picturi colorate în diverse culori de ulei pe pânză brută în 1952. Cea mai faimoasă pictură a ei din acea perioadă este Munții și Marea. Este una dintre inițiatorii mișcării Câmpului de culoare care a apărut la sfârșitul anilor 1950. Frankenthaler a studiat și cu Hans Hofmann.

icturile lui Hofmann sunt o simfonie de culoare așa cum se vede în The Gate, 1959–1960. A fost renumit nu numai ca artist, ci și ca profesor de artă, atât în Germania natală, cât și mai târziu în SUA. Hofmann, care a venit în Statele Unite din Germania la începutul anilor 1930, a adus cu el moștenirea modernismului. În calitate de tânăr artist în Parisul dinaintea primului război mondial, Hofmann a lucrat cu Robert Delaunay și a cunoscut din prima mână lucrarea inovatoare a lui Picasso și a lui Matisse. Opera lui Matisse a avut o influență enormă asupra lui și asupra înțelegerii sale a limbajului expresiv al culorii și a potențialului abstractizării. Hofmann a fost unul dintre primii teoreticieni ai picturii pe câmpuri de culoare, iar teoriile sale au fost influente pentru artiști și critici, în special pentru Clement Greenberg, precum și pentru alții în anii 1930 și 1940.În 1953, Morris Louis și Kenneth Noland au fost amândoi profund influențați de picturile colorate de Helen Frankenthaler după ce au vizitat studioul ei din New York City. Întorcându-se la Washington, DC., Au început să producă lucrările majore care au creat mișcarea câmpului de culoare la sfârșitul anului Anii 1950.

În 1972, atunci curatorul Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler a spus:

Clement Greenberg a inclus și opera lui Morris Louis și Kenneth Noland într-un spectacol pe care l-a făcut la Kootz Gallery la începutul anilor 1950. Clem a fost primul care le-a văzut potențialul. I-a invitat la New York în 1953, cred că a fost, la studioul lui Helen pentru a vedea un tablou pe care tocmai o făcuse numită Munți și mare, o pictură foarte, foarte frumoasă, care era într-un anumit sens, din Pollock și din Gorky. De asemenea, a fost una dintre primele imagini de colorare, una dintre primele imagini de câmp mari în care s-a folosit tehnica petelor, poate prima. Louis și Noland au văzut imaginea desfășurată pe podeaua studioului ei și s-au întors la Washington, DC. Și au lucrat împreună o vreme, lucrând la implicațiile acestui tip de pictură.

În anii 1960, după expresionismul abstract

În pictura abstractă din anii 1950 și 1960, au apărut mai multe direcții noi, precum tabloul Hard-edge exemplificat de John McLaughlin. Între timp, ca reacție împotriva subiectivismului expresionismului abstract, au început să apară alte forme de abstractizare geometrică în studiourile de artiști și în cercurile de avangardă radicale. Greenberg a devenit vocea abstracției post-picturale; prin organizarea unei expoziții influente de pictură nouă, care a vizitat importante muzee de artă din Statele Unite în 1964. Pictura în câmp color, pictura dură și abstractizarea lirică au apărut ca noi direcții radicale.