Expressionismo abstrato

Segunda Guerra Mundial e o período pós-guerra Editar

Durante o período que antecedeu e durante a Segunda Guerra Mundial, artistas, escritores e poetas modernistas , assim como importantes colecionadores e negociantes, fugiram da Europa e do ataque dos nazistas em busca de refúgio nos Estados Unidos. Muitos dos que não fugiram morreram. Entre os artistas e colecionadores que chegaram a Nova York durante a guerra (alguns com a ajuda de Varian Fry) estavam Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Alguns artistas, principalmente Picasso, Matisse e Pierre Bonnard, permaneceram na França e sobreviveram.

O pós-guerra deixou as capitais da Europa em convulsão, com uma urgência de se reconstruir econômica e fisicamente e se reagrupar politicamente. Em Paris, antigo centro da cultura europeia e capital do mundo da arte, o clima para a arte era um desastre, e Nova York substituiu Paris como o novo centro do mundo da arte. A Europa do pós-guerra viu a continuação do surrealismo, cubismo, dadá e as obras de Matisse. Também na Europa, Art brut e Lyrical Abstraction ou Tachisme ( o equivalente europeu ao expressionismo abstrato) também k detém a geração mais recente. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier, entre outros são considerados figuras importantes da pintura europeia do pós-guerra. Nos Estados Unidos, uma nova geração de artistas americanos começou a surgir e a dominar o cenário mundial, e eles foram chamados de expressionistas abstratos.

Gorky, Hofmann e GrahamEdit

A década de 1940 em Nova York marcou o triunfo do expressionismo abstrato americano, um movimento modernista que combinou lições aprendidas de Matisse, Picasso, Surrealismo, Miró, Cubismo, Fauvismo e O modernismo inicial por meio de grandes professores na América, como Hans Hofmann da Alemanha e John D. Graham da Ucrânia. A influência de Graham na arte americana durante o início dos anos 1940 foi particularmente visível no trabalho de Gorky, de Kooning, Pollock e Richard Pousette-Dart, entre outros. As contribuições de Gorky para a arte americana e mundial são difíceis de superestimar. Seu trabalho como abstração lírica era uma “nova linguagem. Ele” iluminou o caminho para duas gerações de artistas americanos “. A espontaneidade pictórica de obras maduras como The Liver is the Cock” s comb, The Betrothal II e One Year the Milkweed imediatamente prefigurou o expressionismo abstrato, e os líderes da Escola de Nova York reconheceram a influência considerável de Gorky. O trabalho inicial de Hyman Bloom também foi influente. Os artistas americanos também se beneficiaram da presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do André Grupo bretão, galeria de Pierre Matisse e galeria de Peggy Guggenheim, The Art of This Century, bem como outros fatores. Hans Hofmann em particular como professor, mentor e artista foi importante e influente para o desenvolvimento e sucesso do abstrato expressionismo nos Estados Unidos. Entre os protegidos de Hofmann estava Clement Greenberg, que se tornou uma voz de enorme influência para a pintura americana, e entre seus alunos estava Lee Krasner, que apresentou sua professora r, Hofmann, a seu marido, Jackson Pollock.

Pollock e influências abstratasEdit

Durante o final dos anos 1940, a abordagem radical de Jackson Pollock para a pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea que seguiu ele. Até certo ponto, Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as inovadoras reinvenções de pintura e escultura de Picasso na virada do século por meio do cubismo e da escultura construída, com influências tão díspares quanto pinturas de areia navajo, surrealismo, análise junguiana e arte mural mexicana, Pollock redefiniu o que era produzir arte. Seu afastamento da pintura de cavalete e da convencionalidade foi um sinal libertador para os artistas de sua época e para todos os que vieram depois.Os artistas perceberam que o processo de Jackson Pollock – a colocação de tela bruta não esticada no chão, onde ela poderia ser atacada por todos os quatro lados usando materiais de artista e materiais industriais; filetes lineares de tinta pingados e lançados; desenho, coloração, pincel; imagens e não-imagens – essencialmente levou a arte para além de qualquer fronteira anterior. O expressionismo abstrato em geral expandiu e desenvolveu as definições e possibilidades que os artistas tinham disponíveis para a criação de novas obras de arte.

Os outros expressionistas abstratos seguiram A descoberta de Pollock com novas descobertas próprias. Em certo sentido, as inovações de Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos e outros abriram as comportas para a diversidade e escopo de toda a arte que os seguiu. Os movimentos anti-formalistas radicais das décadas de 1960 e 1970, incluindo Fluxus, Neo-Dada, arte conceitual e o movimento de arte feminista podem ser rastreados até as inovações do expressionismo abstrato. Releituras em arte abstrata, feitas por historiadores da arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher mostram criticamente, no entanto, que as mulheres artistas pioneiras que produziram grandes inovações na arte moderna foram ignoradas pelos relatos oficiais de sua história, mas finalmente começou a alcançar o reconhecimento há muito esperado na esteira do movimento expressionista abstrato das décadas de 1940 e 1950. O expressionismo abstrato emergiu como um grande movimento artístico na cidade de Nova York durante a década de 1950 e, posteriormente, várias galerias de arte importantes começaram a incluir os expressionistas abstratos em exposições e como frequentadores regulares em suas listas. Algumas dessas galerias “uptown” proeminentes incluíam: a Charles Egan Gallery, a Sidney Janis Gallery, a Betty Parsons Gallery, a Kootz Gallery, a Tibor de Nagy Gallery, a Stable Gallery, a Leo Castelli Gallery, entre outras; e várias galerias do centro, conhecidas na época como galerias da Rua Décima, exibiam muitos artistas jovens emergentes que trabalhavam na veia expressionista abstrata.

Action paintingEdit

A action painting era um estilo difundido desde os anos 1940 até o início dos anos 1960, e está intimamente associado ao expressionismo abstrato (alguns críticos usaram os termos action painting e expressionismo abstrato de forma intercambiável). Muitas vezes é feita uma comparação entre a action painting americana e o tachisme francês.

O termo foi cunhado pelo crítico americano Harold Rosenberg em 1952 e assinalou uma grande mudança na perspectiva estética dos pintores e críticos da Escola de Nova York. . De acordo com Rosenberg, a tela era “uma arena para atuar”. Embora expressionistas abstratos como Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning tenham sido francos em sua visão de uma pintura como uma arena dentro da qual chegar a um acordo com o ato de criação, os primeiros críticos simpatizantes de sua causa, como Clement Greenberg, focada em suas obras “objetividade”. Para Greenberg, era a fisicalidade das pinturas “superfícies coaguladas e endurecidas a óleo que eram a chave para entendê-las como documentos da” luta existencial dos artistas.

A crítica de Rosenberg mudou a ênfase do objeto à própria luta, sendo a pintura acabada apenas a manifestação física, uma espécie de resíduo, da própria obra de arte, que estava no ato ou processo de criação da pintura. Essa atividade espontânea foi a “ação” do pintor, através do movimento do braço e do punho, gestos pictóricos, pinceladas, dor arremessada t, respingou, manchou, respingou e pingou. O pintor às vezes deixava a tinta pingar na tela, enquanto dançava ritmicamente, ou mesmo ficava na tela, às vezes deixando a tinta cair de acordo com o subconsciente, deixando assim o inconsciente da psique se afirmar e se expressar. Tudo isso, no entanto, é difícil de explicar ou interpretar porque é uma suposta manifestação inconsciente do ato de criação pura.

Na prática, o termo expressionismo abstrato é aplicado a qualquer número de artistas que trabalham (principalmente) em Nova York que tinha estilos bem diferentes, e até se aplicavam a trabalhos que não eram especialmente abstratos nem expressionistas. As enérgicas pinturas de ação de Pollock, com seu toque “ocupado”, são diferentes técnica e esteticamente, da violenta e grotesca série Mulheres de De Kooning. Mulher V faz parte de uma série de seis pinturas feitas por De Kooning entre 1950 e 1953 que retratam uma figura feminina de três quartos de comprimento. Ele começou a primeira dessas pinturas, Mulher I, em junho de 1950, mudando repetidamente e pintando a imagem até janeiro ou fevereiro de 1952, quando a pintura foi abandonada sem terminar.O historiador da arte Meyer Schapiro viu a pintura no estúdio de De Kooning logo depois e encorajou o artista a persistir. A resposta de De Kooning foi começar três outras pinturas sobre o mesmo tema; Mulher II, Mulher III e Mulher IV. Durante o verão de 1952, passado em East Hampton, De Kooning explorou ainda mais o tema por meio de desenhos e tons pastéis. Ele pode ter terminado o trabalho em Mulher I no final de junho, ou possivelmente no final de novembro de 1952, e provavelmente as outras três fotos de mulheres foram concluídas quase ao mesmo tempo. A série Woman são pinturas decididamente figurativas.

Outro artista importante é Franz Kline. Assim como Jackson Pollock e outros expressionistas abstratos, Kline foi rotulado de “pintor de ação por causa de seu estilo aparentemente espontâneo e intenso, focando menos, ou nada, em figuras ou imagens, mas nas pinceladas reais e no uso da tela; como demonstrado por sua pintura Número 2 (1954).

A escrita automática foi um importante veículo para pintores de ação como Kline (em suas pinturas em preto e branco), Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly, que usaram gesto, superfície e linha para criar símbolos caligráficos lineares e meadas que se assemelham à linguagem e ressoam como manifestações poderosas do inconsciente coletivo. Robert Motherwell, em sua série Elegy to the Spanish Republic, pintou pinturas em preto e branco poderosas usando gestos, superfície e símbolos que evocam emoções fortes encargos.

Enquanto isso, outros pintores de ação, notadamente De Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks, usaram imagens por meio de paisagem abstrata ou como expressionista v visões da figura para articular suas evocações altamente pessoais e poderosas. As pinturas de James Brooks “eram particularmente poéticas e altamente prescientes em relação à abstração lírica, que se tornou proeminente no final dos anos 1960 e 1970.

Color fieldEdit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e os blocos de cor serenamente cintilantes na obra de Mark Rothko (que não é o que normalmente seria chamado de expressionista e que Rothko negou ser abstrato), são classificados como expressionistas abstratos, embora pelo que Clement Greenberg chamou de direção do campo de cor do expressionismo abstrato . Tanto Hans Hofmann quanto Robert Motherwell podem ser confortavelmente descritos como praticantes da action painting e da color field painting. Na década de 1940, as imagens rigidamente construídas de Richard Pousette-Dart muitas vezes dependiam de temas de mitologia e misticismo; assim como as pinturas de Gottlieb e Pollock naquela década.

A pintura Color Field inicialmente referia-se a um tipo particular de expressionismo abstrato, especialmente o trabalho de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt e várias séries de pinturas de Joan Miró. Greenberg percebeu que a pintura do Campo de Cores estava relacionada, mas diferente da pintura de Ação. Os pintores do Campo de Cores procuraram para livrar sua arte da retórica supérflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey e, especialmente, Ad Reinhardt e Barnett Newman, cuja obra-prima Vir heroicus sublimis está na coleção do MoMA, usaram referências muito reduzidas à natureza e pintaram com um uso altamente articulado e psicológico da cor. Em geral, esses artistas eliminaram imagens reconhecíveis, no caso de Roth. ko e Gottlieb às vezes usam símbolo e sinal como substituição de imagens. Certos artistas citaram referências à arte passada ou presente, mas em geral a pintura de campos de cores apresenta a abstração como um fim em si mesma. Ao seguir essa direção da arte moderna, os artistas queriam apresentar cada pintura como uma imagem unificada, coesa e monolítica.

Em distinção à energia emocional e às marcas da superfície gestual de expressionistas abstratos como Pollock e De Kooning, os pintores Color Field inicialmente pareciam frios e austeros, apagando a marca individual em favor de grandes áreas planas de cor, que esses artistas consideravam a natureza essencial da abstração visual, juntamente com a forma real da tela, que mais tarde na década de 1960, Frank Stella, em particular, obteve resultados incomuns com combinações de bordas curvas e retas. No entanto, a pintura do Color Field provou ser sensual e profundamente expressiva, embora de uma maneira diferente do expressionismo abstrato gestual.

Embora o expressionismo abstrato tenha se espalhado rapidamente pelos Estados Unidos, os principais centros desse estilo foram a cidade de Nova York e Califórnia, especialmente na Escola de Nova York e na área da Baía de São Francisco. As pinturas expressionistas abstratas compartilham certas características, incluindo o uso de grandes telas, uma abordagem “all-over”, em que toda a tela é tratada com igual importância (em oposição ao centro ser mais interessante do que as bordas).A tela como arena tornou-se um credo da pintura de ação, enquanto a integridade do plano do quadro tornou-se um credo dos pintores do campo de cores. Artistas mais jovens começaram a exibir suas pinturas abstratas relacionadas ao expressionismo durante os anos 1950, incluindo Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough, entre outros .

Embora Pollock esteja intimamente associado à action painting por causa de seu estilo, técnica, toque de pintura e aplicação física de tinta , os críticos de arte compararam Pollock tanto à pintura de ação quanto à pintura de campo de cor. Outra visão crítica avançada por Greenberg conecta as telas de Pollock aos lírios de água de Claude Monet em grande escala feitos durante a década de 1920. Críticos de arte como Michael Fried, Greenberg e outros observaram que o sentimento geral nas obras mais famosas de Pollock – suas pinturas de gotejamento – pode ser lido como um vasto campo de elementos lineares construídos. Eles observam que essas obras costumam ser interpretadas como vastos complexos de meadas de tinta de valor semelhante e campos de cor e desenho em toda parte, e estão relacionados aos Monets de tamanho mural que são construídos de forma semelhante com marcas escovadas e esfarrapadas de valor próximo que também podem ser lidos como campos de cor e desenho. Uso de Pollock de composição total emprestam uma conexão filosófica e física ao modo como os pintores de campos de cores como Newman, Rothko e Still constroem suas superfícies inteiras e, no caso de Still, quebradas. Em várias pinturas que Pollock pintou após seu período clássico de pintura por gotejamento de De 1947 a 1950, ele usou a técnica de tingir tinta a óleo fluida e tinta de casa em tela bruta. Durante 1951, ele produziu uma série de pinturas semifigurativas de mancha preta e em 1952 ele produziu pinturas de mancha. cantar cor. Em sua exposição de novembro de 1952 na Galeria Sidney Janis na cidade de Nova York, Pollock mostrou a Number 12, 1952, uma pintura grande e magistral que lembra uma paisagem manchada de cores vivas (com uma sobreposição de tinta escura amplamente pingada); a pintura foi adquirida da exposição de Nelson Rockefeller para sua coleção pessoal.

Embora Arshile Gorky seja considerado um dos fundadores do expressionismo abstrato e surrealista, ele também foi um dos primeiros pintores de a Escola de Nova York que usou a técnica de coloração. Gorky criou amplos campos de cores vivas, abertas e ininterruptas que usou em muitas de suas pinturas como base. Nas pinturas mais eficazes e realizadas de Gorky entre os anos de 1941 a 1948, ele usou consistentemente campos intensos de cor, muitas vezes deixando a tinta escorrer e pingar, sob e ao redor de seu familiar léxico de formas orgânicas e biomórficas e linhas delicadas. Outro resumo expressionista cujas obras na década de 1940 lembram as pinturas a óleo das décadas de 1960 e 1970 é James Brooks. Brooks costumava usar a tinta como técnica em suas pinturas desde o final dos anos 1940. Brooks começou a diluir sua tinta a óleo para obter cores fluidas com que derramar, pingar e manchar na tela quase totalmente crua que ele usava. Essas obras costumavam combinar caligrafia e formas abstratas. Durante as últimas três décadas de sua carreira, o estilo de Sam Francis “de expressionismo abstrato brilhante em grande escala foi intimamente associado à cor pintura de campo. Suas pinturas ocuparam ambos os campos dentro da rubrica expressionista abstrata, pintura de ação e pintura de campo de cores.

Tendo visto as pinturas de Pollock de 1951 de tinta a óleo preta diluída e manchada em tela bruta, Frankenthaler começou a produzir pinturas em cores variadas cores a óleo sobre tela bruta em 1952. Sua pintura mais famosa desse período é Mountains and Sea. Ela é uma das criadoras do movimento Color Field, que surgiu no final dos anos 1950. Frankenthaler também estudou com Hans Hofmann.

As pinturas de Hofmann são uma sinfonia de cores como pode ser vista em The Gate, 1959–1960. Ele era conhecido não apenas como artista, mas também como professor de arte, tanto em sua Alemanha natal e mais tarde nos Estados Unidos. Hofmann, que veio da Alemanha para os Estados Unidos no início dos anos 1930, trouxe com ele o legado do Modernismo. Como um jovem artista na Paris pré-Primeira Guerra Mundial, Hofmann trabalhou com Robert Delaunay e conheceu em primeira mão o trabalho inovador de Picasso e Matisse. O trabalho de Matisse teve uma enorme influência sobre ele e sobre sua compreensão da linguagem expressiva da cor e da potencialidade da abstração. Hofmann foi um dos primeiros teóricos da pintura do campo de cores, e suas teorias foram influentes para artistas e críticos, particularmente para Clement Greenberg, bem como para outros durante as décadas de 1930 e 1940.Em 1953, Morris Louis e Kenneth Noland foram profundamente influenciados pelas pinturas a manchas de Helen Frankenthaler depois de visitar seu estúdio na cidade de Nova York. Voltando a Washington, DC., Eles começaram a produzir as principais obras que criaram o movimento do campo de cores no final 1950.

Em 1972, o curador do Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler disse:

Clement Greenberg incluiu o trabalho de Morris Louis e Kenneth Noland em uma mostra que ele fez na Kootz Gallery no início dos anos 1950. Clem foi o primeiro a ver o potencial deles. Ele os convidou para ir a Nova York em 1953, acho que foi, ao estúdio de Helen para ver um quadro que ela acabara de fazer, chamada Montanhas e mar, uma pintura muito, muito bonita, que de certo modo saía de Pollock e de Gorky. Também foi uma das primeiras fotos de mancha, uma das primeiras grandes fotos de campo em que a técnica de mancha foi usada, talvez a primeira. Louis e Noland viram a imagem desenrolada no chão de seu estúdio e voltaram para Washington, DC., E trabalharam juntos por um tempo, trabalhando nas implicações desse tipo de pintura.

Na década de 1960, após o expressionismEdit abstrato

Na pintura abstrata das décadas de 1950 e 1960, surgiram várias novas direções, como a pintura Hard-edge exemplificada por John McLaughlin. Enquanto isso, como uma reação contra o subjetivismo do expressionismo abstrato, outras formas de abstração geométrica começaram a aparecer nos estúdios de arte e nos círculos de vanguarda radical. Greenberg tornou-se a voz da abstração pós-pictórica; com a curadoria de uma exposição influente de novas pinturas que percorreu importantes museus de arte dos Estados Unidos em 1964. Pintura de campos de cores, pinturas de ponta e abstração lírica surgiram como novas direções radicais.