Ten post może zawierać linki partnerskie. Jeśli dokonasz zakupu, My Modern Met może otrzymać prowizję partnerską. Przeczytaj nasze oświadczenie, aby uzyskać więcej informacji.
W okresie renesansu włoscy artyści inspirowali się idealnymi formami i harmonijnymi kompozycjami klasycznej starożytności. Chociaż ta reinterpretacja starożytnych modeli jest dobrze widoczna w pracach artystów wysokiego renesansu, takich jak Michał Anioł i Leonardo da Vinci, przejawiła się również jako manieryzm, styl, który pojawił się pod koniec ruchu.
Manierystyczni artyści przenieśli zasady ustanowione w okresie renesansu do nowych skrajności, osiągając kulminację w estetyce, która nadała stylizowany charakter klasycyzmowi. Tutaj przyjrzymy się temu mniej znanemu stylowi, badamy jego historię i przedstawiamy cechy, które go definiują.
Czym jest manieryzm?
Manieryzm to styl, który pojawił się w 1530 roku i trwała do końca wieku. Jej nazwa pochodzi od maniery, włoskiego terminu oznaczającego „styl” lub „manierę” i odnosi się do stylizowanego, przesadnego podejścia do malarstwa i rzeźby.
Joachim Wtewael, „Persus and Andromeda”, 1611 (zdjęcie za pośrednictwem domeny publicznej Wikimedia Commons)
Znany również jako późny renesans, manieryzm jest uważany za pomost między epoką wysokiego renesansu i baroku, który przyjął ozdobną estetykę podzbioru i zaadaptował go jako ekstrawagancję.
Historia
Pod koniec XV wieku artyści w Florencja zaczęła rezygnować z eterycznej ikonografii średniowiecza na rzecz klasycyzmu. To podejście estetyczne utrzymało się do XVII wieku i osiągnęło kulminację w trzech podzbiorach: wczesnym renesansie, wysokim renesansie i późnym renesansie.
W okresie wczesnego renesansu artyści zaczęli poszukiwać starożytność dla inspiracji. To nowo odkryte zainteresowanie wpłynęłoby następnie na Wysoki Renesans, gatunek charakteryzujący się naturalistycznymi postaciami i matematycznie precyzyjnym użyciem perspektywy. Wysoki renesans trwał od 1490 r. Do lat trzydziestych XVI wieku, kiedy pojawił się późny renesans, czyli manieryzm.
Podczas gdy manierystyczni artyści byli zainteresowani perfekcjonizmem przedstawianym przez artystów wysokiego renesansu, nie starali się go powielić. Zamiast tego wyolbrzymili zasady renesansu, co zaowocowało pracami, które faworyzują autoekspresję nad dążeniem do idealizmu. „Zamiast przyjąć harmonijne ideały kojarzone z Rafaelem i Michałem Aniołem”, wyjaśnia Tate, „poszedł o krok dalej, aby stworzyć wysoce sztuczne kompozycje, które pokazały ich techniki i umiejętności manipulowania elementami kompozycji, aby stworzyć poczucie wyrafinowanej elegancji”.
Charakterystyka
Wyolbrzymione liczby
Głównym sposobem, w jaki artyści manierystyczni posunęli się o krok dalej w technikach renesansu, jest przesada. Pionierem jest Parmigianino, włoski artysta manierystyczny odrzucił realistyczne proporcje i zamiast tego renderował postacie z niemożliwie wydłużonymi kończynami i dziwnie ułożonymi ciałami. Te rozciągnięte i skręcone formy były prawdopodobnie wykorzystywane do sugerowania ruchu i zwiększania dramaturgii.
Parmigianino, „Madonna with Long Neck”, 1534-1540 (Zdjęcie: Web Gallery of Art via Wikimedia Commons Public Domain)
Według Giorgio Vasari, wybitny włoski malarz, architekt ct, historyk i pisarz, Parmigianino nieumyślnie przyjął tę niezwykłą estetykę, malując własne podobieństwo. „Aby zbadać subtelności sztuki” – mówi Vasari o Parmigianino w swojej słynnej książce o historii sztuki „Życie artystów”, postanowił pewnego dnia zrobić własny portret, patrząc na siebie w wypukłym lustrze fryzjerskim I robiąc to, dostrzegając dziwne efekty wywołane przez okrągłość lustra, które skręca belki sufitu w dziwne krzywizny i sprawia, że drzwi i inne części budynków oddalają się w niezwykły sposób, wpadł mu na pomysł. bawić się fałszowaniem wszystkiego. ”
Parmigianino,„ Autoportret w wypukłym lustrze ”, ca. 1523-1524 (zdjęcie: Gallerix przez Wikimedia Commons Public Domain)
Wyszukana dekoracja
Bogate zdobienia to kolejny sposób, w jaki manierystycy doprowadzili do granic możliwości renesansowej wrażliwości. Podczas gdy figury wysokiego renesansu zazwyczaj nie włączały wzorów do swoich prac, artyści wczesnego renesansu, tacy jak Sandro Botticelli, robili to. Zainspirowany średniowiecznymi gobelinami millefleur (z francuskich mille-fleurs lub „tysiąca kwiatów”), Botticelli włączył motywy kwiatowe do swoich wielkoformatowych mitologicznych obrazów, takich jak Primavera.
Botticelli, „Primavera”, ok. ok. 1477–1482 (Zdjęcie: Google Arts & Kultura za pośrednictwem Wikimedia Commons Public Domain)
Manierystyczni artyści z kolei ponownie zwrócili uwagę na to zainteresowanie wyszukanymi ornamentami, obejmującymi zarówno płótna, jak i rzeźby w przytłaczającej obfitość elementów dekoracyjnych. Jednym z artystów, który wziął tę koncepcję na nowe, zadziwiające poziomy, jest Giuseppe Arcimboldo, malarz, który stworzył osobliwe portrety ludzi wykonane z roślinności, zwierząt i znalezionych przedmiotów.
Giuseppe Arcimboldo, „Spring”, 1573 (zdjęcie z domeny publicznej Wikimedia Commons)
Sztuczny kolor
Wreszcie manierystycy porzucili naturalistyczne kolory używane przez malarzy z okresu renesansu i zamiast tego zastosowali sztuczne – i często krzykliwe – odcienie. Te nierealistyczne odcienie są szczególnie widoczne w pracach Jacopo da Pontormo, włoskiego artysty, którego nasycona paleta wyniosła bogate kolory renesansu na nowy poziom.
Pontormo, „The Deposition”, 1526-1528 (zdjęcie z domeny publicznej Wikimedia Commons)
To podejście do koloru jest również znane z El Greco, hiszpański malarz, który przyjął styl manierystyczny po przeprowadzce do Rzymu. Podobnie jak inni manierystycy, El Greco patrzył na wcześniejszych artystów, nie próbując reprodukować ich prac. „Musisz przestudiować Mistrzów”, powiedział, „ale strzeż oryginalnego stylu, który bije w Twojej duszy i wystawiaj na miecz tych, którzy chcieliby go ukraść”.
El Greco, „The Vision of Saint John, or The Opening of the Fifth Seal”, ok. 1609–1614 (Zdjęcie: The Metropolitan Museum of Art via Wikimedia Commons Public Domain)
Dziedzictwo
Chociaż podzbiór renesansu – prawdopodobnie najbardziej wpływowego ruchu artystycznego w historii sztuki – manieryzmu nie cieszy się takim samym szacunkiem jak Wcześniejsze dzieło Złotego Wieku. Niemniej jednak jego charakterystyczna estetyka nadal zachwyca tych, którzy są tego świadomi, czyniąc go jednym z najbardziej fascynujących ukrytych klejnotów w historii sztuki.
Odkrywanie głównych przyczyn mniej znanego „północnego renesansu”
Jak artyści utrzymywali martwą naturę przy życiu przez tysiące lat
Historia Kupidyna w sztuce: Jak Bóg Miłości inspirował artystów od stuleci
Jak muzea ewoluowały w czasie od prywatnych kolekcji do nowoczesnych instytucji