Abstract expressionisme

Tweede Wereldoorlog en de naoorlogse periode Bewerken

In de periode voorafgaand aan en tijdens de Tweede Wereldoorlog, modernistische kunstenaars, schrijvers en dichters , evenals belangrijke verzamelaars en handelaars, vluchtten Europa en de aanval van de nazis op zoek naar een veilige haven in de Verenigde Staten. Velen van degenen die niet vluchtten kwamen om. Onder de kunstenaars en verzamelaars die tijdens de oorlog in New York aankwamen (sommigen met hulp van Varian Fry) waren Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger en Piet Mondriaan. Enkele kunstenaars, met name Picasso, Matisse en Pierre Bonnard, bleven in Frankrijk en overleefden.

De naoorlogse periode heeft de hoofdsteden van Europa in beroering gebracht, met een urgentie om economisch en fysiek weer op te bouwen en politiek te hergroeperen. In Parijs, voorheen het centrum van de Europese cultuur en hoofdstad van de kunstwereld, was het klimaat voor kunst een ramp, en New York verving Parijs als het nieuwe centrum van de kunstwereld. Naoorlogs Europa zag de voortzetting van het surrealisme, kubisme, dada en de werken van Matisse. Ook in Europa, Art brut en Lyrical Abstraction of Tachisme ( het Europese equivalent van abstract expressionisme) k greep van de nieuwste generatie. Onder anderen Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages en Jean Messagier worden beschouwd als belangrijke figuren in de naoorlogse Europese schilderkunst. In de Verenigde Staten begon een nieuwe generatie Amerikaanse kunstenaars op te komen die het wereldtoneel domineerden, en ze werden abstracte expressionisten genoemd.

Gorky, Hofmann en GrahamEdit

De jaren 40 in New York luidden de triomf in van het Amerikaanse abstract expressionisme, een modernistische beweging die lessen combineerde die waren geleerd van Matisse, Picasso, surrealisme, Miró, kubisme, fauvisme en vroeg modernisme via grote leraren in Amerika zoals Hans Hofmann uit Duitsland en John D. Graham uit Oekraïne. Grahams invloed op de Amerikaanse kunst tijdens de vroege jaren 40 was vooral zichtbaar in het werk van onder meer Gorky, de Kooning, Pollock en Richard Pousette-Dart. Gorkys bijdragen aan de Amerikaanse en wereldkunst zijn moeilijk te overschatten. Zijn werk als lyrische abstractie was een “nieuwe taal. Hij” verlichtte de weg voor twee generaties Amerikaanse kunstenaars “. De schilderkunstige spontaniteit van volwassen werken zoals The Liver is the Cocks Comb, The Betrothal II en One Year the Milkweed onmiddellijk voorafgegaan door abstract expressionisme, en leiders van de New York School hebben de aanzienlijke invloed van Gorky erkend. Het vroege werk van Hyman Bloom was ook invloedrijk. Amerikaanse kunstenaars profiteerden ook van de aanwezigheid van Piet Mondriaan, Fernand Léger, Max Ernst en de André Bretonse groep, de galerie van Pierre Matisse en de galerie van Peggy Guggenheim De kunst van deze eeuw, evenals andere factoren. Vooral Hans Hofmann was als leraar, mentor en kunstenaar zowel belangrijk als invloedrijk voor de ontwikkeling en het succes van abstract expressionisme in de Verenigde Staten. Een van de protégés van Hofmann was Clement Greenberg, die een enorm invloedrijke stem voor de Amerikaanse schilderkunst werd, en onder zijn studenten was Lee Krasner, die haar teache introduceerde r, Hofmann, aan haar echtgenoot, Jackson Pollock.

Pollock en abstracte invloeden Bewerken

Eind jaren veertig zorgde Jackson Pollocks radicale benadering van de schilderkunst voor een revolutie in het potentieel van alle hedendaagse kunst die volgde hem. Tot op zekere hoogte realiseerde Pollock zich dat de reis naar het maken van een kunstwerk even belangrijk was als het kunstwerk zelf. Net als Picassos innovatieve heruitvindingen van schilderkunst en beeldhouwkunst rond de eeuwwisseling via kubisme en geconstrueerde beeldhouwkunst, met invloeden die zo uiteenlopend zijn als Navajo-zandschilderijen, surrealisme, jungiaanse analyse en Mexicaanse muurschilderingen, herdefinieerde Pollock wat het was om kunst te produceren. Zijn stap af van het schilderen op schildersezel en conventionaliteit was een bevrijdend signaal voor de kunstenaars van zijn tijd en voor alles wat daarna kwam.Kunstenaars realiseerden zich dat het proces van Jackson Pollock – het plaatsen van onbewerkt canvas op de vloer waar het van alle vier de kanten kon worden aangevallen met behulp van kunstenaarsmaterialen en industriële materialen; lineaire strengen verf droop en gooide; tekenen, kleuren, borstelen; beeldspraak en non-imagery – bracht het maken van kunst in wezen verder dan enige eerdere grens. Abstract expressionisme in het algemeen breidde en ontwikkelde de definities en mogelijkheden die kunstenaars beschikbaar hadden voor het creëren van nieuwe kunstwerken.

De andere abstract expressionisten volgden Pollocks doorbraak met hun eigen nieuwe doorbraken. In zekere zin openden de innovaties van Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos en anderen de sluizen voor de diversiteit en reikwijdte van alle kunst die erop volgde. De radicale antiformalistische bewegingen van de jaren zestig en zeventig, waaronder Fluxus, Neo-Dada, conceptuele kunst en de feministische kunstbeweging, kunnen worden herleid tot de innovaties van het abstract expressionisme. Herlezingen naar abstracte kunst, gedaan door kunsthistorici als Linda Nochlin, Griselda Pollock en Catherine de Zegher, tonen echter kritisch aan dat vrouwelijke pionierende kunstenaars die belangrijke innovaties in de moderne kunst hebben voortgebracht door de officiële verslagen van haar geschiedenis werden genegeerd, maar begon de langverwachte erkenning te krijgen in de nasleep van de abstract expressionistische beweging van de jaren 40 en 50. Abstract expressionisme ontstond in de jaren vijftig als een belangrijke kunstbeweging in New York City en daarna begonnen verschillende toonaangevende kunstgalerijen de abstract expressionisten op te nemen in tentoonstellingen en als vaste klanten in hun roosters. Enkele van die prominente uptown-galerijen waren: de Charles Egan Gallery, de Sidney Janis Gallery, de Betty Parsons Gallery, de Kootz Gallery, de Tibor de Nagy Gallery, de Stable Gallery, de Leo Castelli Gallery en andere; en verschillende galerijen in de binnenstad die in die tijd bekend stonden als de Tenth Street galerijen, toonden veel opkomende jongere kunstenaars die werkten in de abstract expressionistische geest.

Action paintingBewerken

Action painting was een wijdverspreide stijl vanaf de jaren 40 tot het begin van de jaren zestig, en is nauw verbonden met abstract expressionisme (sommige critici hebben de termen action painting en abstract expressionisme door elkaar gebruikt). Er wordt vaak een vergelijking gemaakt tussen de Amerikaanse action painting en het Franse tachisme.

De term werd in 1952 bedacht door de Amerikaanse criticus Harold Rosenberg en betekende een grote verschuiving in het esthetische perspectief van schilders en critici van de New York School. . Volgens Rosenberg was het doek “een arena om op te treden”. Terwijl abstract expressionisten zoals Jackson Pollock, Franz Kline en Willem de Kooning lange tijd openhartig waren in hun visie op een schilderij als een arena waarbinnen ze in het reine konden komen met de scheppingsdaad, waren eerdere critici die sympathie hadden voor hun zaak, zoals Clement Greenberg, concentreerde zich op hun werken “” objectiviteit “. Voor Greenberg was het de lichamelijkheid van de schilderijen” geklonterde en met olie aangekoekte oppervlakken die de sleutel waren om ze te begrijpen als documenten van de existentiële strijd van de kunstenaars.

Rosenbergs kritiek verschoven de nadruk van het object naar de strijd zelf, waarbij het voltooide schilderij slechts de fysieke manifestatie is, een soort residu, van het eigenlijke kunstwerk, dat zich in de handeling of het proces van de creatie van het schilderij bevond. Deze spontane activiteit was de “actie” van de schilder, door arm- en polsbewegingen, schilderkunstige gebaren, penseelstreken, geworpen pijn t, spetterde, bevlekt, scumbled en gedruppeld. Soms liet de schilder de verf op het doek druipen, terwijl hij ritmisch danste, of stond hij zelfs op het doek, soms liet hij de verf vallen volgens het onderbewustzijn, waardoor het onbewuste deel van de psyche zich liet gelden en uitdrukken. Dit alles is echter moeilijk uit te leggen of te interpreteren omdat het een veronderstelde onbewuste manifestatie is van de daad van pure creatie.

In de praktijk wordt de term abstract expressionisme toegepast op een willekeurig aantal kunstenaars die (meestal) werken in New York die heel verschillende stijlen hadden, en zelfs toegepast op werk dat niet bijzonder abstract of expressionistisch is. Pollocks energieke actieschilderijen, met hun “drukke” gevoel, zijn zowel technisch als esthetisch verschillend van De Koonings gewelddadige en groteske Women-serie. Vrouw V maakt deel uit van een serie van zes schilderijen die de Kooning tussen 1950 en 1953 maakte met een driekwart vrouwenfiguur. Hij begon de eerste van deze schilderijen, Vrouw I, in juni 1950, waarbij hij herhaaldelijk het beeld veranderde en schilderde tot januari of februari 1952, toen het schilderij onafgemaakt werd verlaten.De kunsthistoricus Meyer Schapiro zag het schilderij kort daarna in het atelier van de Kooning en moedigde de kunstenaar aan om door te gaan. De Koonings reactie was om met drie andere schilderijen met hetzelfde thema te beginnen; Vrouw II, Vrouw III en Vrouw IV. Tijdens de zomer van 1952, doorgebracht in East Hampton, verkent de Kooning het thema verder door middel van tekeningen en pastelkleuren. Het kan zijn dat hij eind juni klaar was met het werk aan Vrouw I, of mogelijk pas in november 1952, en waarschijnlijk werden de andere drie vrouwenfotos vrijwel tegelijkertijd voltooid. De Woman-serie zijn beslist figuratieve schilderijen.

Een andere belangrijke kunstenaar is Franz Kline. Net als Jackson Pollock en andere abstract expressionisten, werd Kline bestempeld als een actieschilder vanwege zijn schijnbaar spontane en intense stijl, waarbij hij zich minder of helemaal niet concentreerde op figuren of beelden, maar op de eigenlijke penseelstreken en het gebruik van canvas; zoals aangetoond door zijn schilderij nummer 2 (1954).

Automatisch schrijven was een belangrijk voertuig voor actie-schilders zoals Kline (in zijn zwart-wit schilderijen), Pollock, Mark Tobey en Cy Twombly, die gebaren, , en lijn om kalligrafische, lineaire symbolen en strengen te creëren die op taal lijken en resoneren als krachtige manifestaties van het Collectieve onbewuste. Robert Motherwell in zijn serie Elegy to the Spanish Republic schilderde krachtige zwart-wit schilderijen met gebaren, oppervlak en symbool die krachtige emotionele aanklachten.

Ondertussen gebruikten andere actieschilders, met name De Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell en James Brooks, beelden via een abstract landschap of als expressionistische v isions of the figure om hun hoogst persoonlijke en krachtige evocaties te articuleren. De schilderijen van James Brooks waren bijzonder poëtisch en zeer vooruitziend in relatie tot de lyrische abstractie die in de late jaren zestig en zeventig prominent werd.

Kleurveld Bewerken

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb en de sereen glinsterende kleurblokken in het werk van Mark Rothko (wat niet is wat gewoonlijk expressionistisch genoemd zou worden en waarvan Rothko ontkende dat het abstract was), worden geclassificeerd als abstract expressionisten, zij het van wat Clement Greenberg de richting van het kleurveld van het abstract expressionisme noemde . Zowel Hans Hofmann als Robert Motherwell kunnen gemakkelijk worden omschreven als beoefenaars van Action painting en Color field painting. In de jaren veertig hingen de strak geconstrueerde beelden van Richard Pousette-Dart vaak af van themas uit mythologie en mystiek, net als de schilderijen van Gottlieb en Pollock in dat decennium.

Color Field-schilderij verwees aanvankelijk naar een een bepaald type abstract expressionisme, vooral het werk van Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt en verschillende series schilderijen van Joan Miró. Greenberg zag Color Field-schilderen als verwant aan maar anders dan Action painting. De Colour Field-schilders zochten om hun kunst van overbodige retoriek te ontdoen. Kunstenaars als Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, en vooral Ad Reinhardt en Barnett Newman, wiens meesterwerk Vir heroicus sublimis in de collectie van MoMA zit, gebruikten sterk gereduceerde verwijzingen naar de natuur, en ze schilderden met een sterk gearticuleerd en psychologisch gebruik van kleur. Over het algemeen elimineerden deze kunstenaars herkenbare beelden, in het geval van Roth ko en Gottlieb gebruiken soms symbool en teken als vervanging van afbeeldingen. Bepaalde kunstenaars citeerden verwijzingen naar kunst uit het verleden of heden, maar in het algemeen presenteert kleurenveldschildering abstractie als een doel op zich. Bij het volgen van deze richting van de moderne kunst wilden kunstenaars elk schilderij presenteren als één verenigd, samenhangend, monolithisch beeld.

In tegenstelling tot de emotionele energie en gebarentekens van abstracte expressionisten zoals Pollock en de Kooning, de Colour Field-schilders leken aanvankelijk koel en sober te zijn, waarbij ze het individuele merkteken wegvaagden ten gunste van grote, platte kleurvlakken, die deze kunstenaars beschouwden als de essentiële aard van visuele abstractie, samen met de werkelijke vorm van het canvas, die later in de jaren zestig bereikte met name Frank Stella op ongebruikelijke manieren combinaties van gebogen en rechte randen. Color Field-schilderen heeft echter bewezen zowel sensueel als diep expressief te zijn, zij het op een andere manier dan abstract expressionisme met gebaren.

Hoewel abstract expressionisme zich snel verspreidde over de Verenigde Staten, waren de belangrijkste centra van deze stijl New York City en Californië, vooral in de New York School en de San Francisco Bay Area. Abstract-expressionistische schilderijen delen bepaalde kenmerken, waaronder het gebruik van grote doeken, een “all-over” -benadering, waarbij het hele doek even belangrijk wordt behandeld (in tegenstelling tot het centrum dat belangrijker is dan de randen).Het canvas als arena werd een credo van Action painting, terwijl de integriteit van het beeldvlak een credo werd van de Colour field-schilders. Jongere kunstenaars begonnen in de jaren vijftig hun abstracte expressionistische schilderijen tentoon te stellen, waaronder Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas en Robert Goodnough. .

Hoewel Pollock nauw verbonden is met Action Painting vanwege zijn stijl, techniek en zijn schilderkunstige aanraking en zijn fysieke toepassing van verf hebben kunstcritici Pollock vergeleken met zowel action painting als kleurenveldschilderen. Een andere kritische visie die door Greenberg naar voren wordt gebracht, verbindt Pollocks allover doeken met de grootschalige waterlelies van Claude Monet die in de jaren twintig zijn gemaakt. Kunstcritici zoals Michael Fried, Greenberg en anderen hebben opgemerkt dat het algemene gevoel in Pollock s beroemdste werken – zijn druipende schilderijen – gelezen wordt als uitgestrekte velden van opgebouwde lineaire elementen. Ze merken op dat deze werken vaak gelezen worden als enorme complexen van vergelijkbare gewaardeerde verfstrengen en all-over velden van kleur en tekening, en zijn gerelateerd aan de muurschildering-sized Monets die op dezelfde manier zijn geconstrueerd van dichtbij gewaardeerde geborstelde en scumbled markeringen die ook worden gelezen als velden van kleur en tekening. Pollocks gebruik van all-over compositie geven een filosofische en fysieke connectie met de manier waarop de kleurenveldschilders als Newman, Rothko en Still hun ongebroken en in het geval van Still gebroken oppervlakken construeren. In verschillende schilderijen die Pollock schilderde na zijn klassieke druipschilderperiode van In 1947–1950 gebruikte hij de techniek van het kleuren van vloeibare olieverf en huisverf in ruw canvas. In 1951 produceerde hij een serie semi-figuratieve schilderijen met zwarte vlek en in 1952 maakte hij vlekkenschilderijen. zing kleur. In zijn november 1952-tentoonstelling in de Sidney Janis Gallery in New York City toonde Pollock Number 12, 1952, een groot, meesterlijk vlekkenschilderij dat lijkt op een felgekleurd landschap (met een overlay van in grote lijnen gedruppelde donkere verf); het schilderij werd door Nelson Rockefeller verworven van de tentoonstelling voor zijn persoonlijke collectie.

Hoewel Arshile Gorky wordt beschouwd als een van de grondleggers van het abstract expressionisme en een surrealist, was hij ook een van de eerste schilders van de New York School die de techniek van het kleuren gebruikte. Gorky creëerde brede velden met levendige, open, ononderbroken kleuren die hij in veel van zijn schilderijen als ondergrond gebruikte. In Gorkys meest effectieve en volmaakte schilderijen tussen de jaren 1941-1948 gebruikte hij consequent intens gekleurde kleurvlakken, waarbij hij de verf vaak liet lopen en druipen, onder en rond zijn vertrouwde lexicon van organische en biomorfe vormen en delicate lijnen. expressionist wiens werken in de jaren veertig doen denken aan de vlekkenschilderijen van de jaren zestig en zeventig is James Brooks. Brooks gebruikte regelmatig vlek als techniek in zijn schilderijen uit de late jaren veertig. Brooks begon zijn olieverf te verdunnen om vloeiende kleuren te krijgen met die te gieten en druipen en beitsen in het grotendeels ruwe canvas dat hij gebruikte. Deze werken combineerden vaak kalligrafie en abstracte vormen. Tijdens de laatste drie decennia van zijn carrière was Sam Francis stijl van grootschalig helder abstract expressionisme nauw verbonden met kleur veld schilderij. Zijn schilderijen strekten zich uit over beide kampen binnen de abstract expressionistische rubrieken Action painting en Color Field painting.

Na het zien van Pollocks 1951 schilderijen van verdunde zwarte olieverf gekleurd in ruw canvas, begon Frankenthaler vlekkenschilderijen te produceren in gevarieerde olieverf op onbewerkt doek in 1952. Haar beroemdste schilderij uit die periode is Bergen en zee. Ze is een van de grondleggers van de Colour Field-beweging die eind jaren vijftig opkwam. Frankenthaler studeerde ook bij Hans Hofmann.

Hofmanns schilderijen zijn een symfonie van kleur zoals te zien in The Gate, 1959–1960. Hij stond niet alleen bekend als kunstenaar, maar ook als kunstleraar, zowel in zijn geboorteland Duitsland als later in de VS. Hofmann, die begin jaren dertig vanuit Duitsland naar de Verenigde Staten kwam, bracht de erfenis van het modernisme met zich mee. Als jonge kunstenaar in het Parijs van voor de Eerste Wereldoorlog werkte Hofmann samen met Robert Delaunay, en hij kende uit de eerste hand het innovatieve werk van zowel Picasso als Matisse. Het werk van Matisse had een enorme invloed op hem, en op zijn begrip van de expressieve taal van kleur en het potentieel van abstractie. Hofmann was een van de eerste theoretici van de kleurenveldschildering, en zijn theorieën waren van invloed op kunstenaars en critici, vooral voor Clement Greenberg, maar ook voor anderen in de jaren dertig en veertig.In 1953 werden Morris Louis en Kenneth Noland beide diepgaand beïnvloed door de vlekkenschilderijen van Helen Frankenthaler na een bezoek aan haar studio in New York City. Toen ze terugkeerden naar Washington, DC, begonnen ze de belangrijkste werken te produceren die de kleurveldbeweging in de late jaren creëerden. 1950.

In 1972 zei de toenmalige conservator van het Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler:

Clement Greenberg omvatte het werk van zowel Morris Louis als Kenneth Noland in een show die hij in de Kootz Gallery in het begin van de jaren vijftig deed. Clem was de eerste die hun potentieel zag. Hij nodigde ze uit naar New York in 1953, denk ik, in Helens atelier om een schilderij te zien dat ze zojuist Bergen en zee had genoemd, een heel, heel mooi schilderij, dat in zekere zin uit Pollock en uit Gorky kwam. Het was ook een van de eerste vlekfotos, een van de eerste grote veldfotos waarin de vlektechniek werd gebruikt, misschien wel de eerste. Louis en Noland zagen de foto uitgerold op de vloer van haar atelier en gingen terug naar Washington, DC, en werkten een tijdje samen om de implicaties van dit soort schilderij te onderzoeken.

In de jaren zestig na het abstract expressionisme Bewerken

In de abstracte schilderkunst in de jaren vijftig en zestig kwamen verschillende nieuwe richtingen naar voren, zoals de hard-edge-schilderij, geïllustreerd door John McLaughlin. Als reactie op het subjectivisme van het abstract expressionisme begonnen ondertussen andere vormen van geometrische abstractie te verschijnen in kunstenaarsateliers en in radicale avant-garde kringen. Greenberg werd de stem van de post-schilderkunstige abstractie; door een invloedrijke tentoonstelling van nieuwe schilderkunst samen te stellen die in 1964 door belangrijke kunstmusea in de Verenigde Staten trok. Schilderen met kleurvlakken, harde schilderkunst en lyrische abstractie kwamen naar voren als radicaal nieuwe richtingen.