Mannerisme: Stilen som setter en forseggjort vri på renessansekunst

I løpet av renessansen fant italienske kunstnere inspirasjon i de ideelle former og harmoniske komposisjoner fra den klassiske antikken. Selv om denne fortolkningen av gamle modeller er tydelig i verkene til kunstnere fra høyrenessansen som Michelangelo og Leonardo da Vinci, manifesterte den seg også som manierisme, en stil som dukket opp mot slutten av bevegelsen.

Manereristiske kunstnere tok prinsippene som ble etablert under renessansen til nye ekstremer, som kulminerte i en estetikk som satte en stilisert vri på klassisismen. Her ser vi på denne mindre kjente stilen, utforsker dens historie og presenterer egenskapene som definerer den.

Hva er manerisme?

Manierisme er en stil som dukket opp i 1530 og varte til slutten av århundret. Den er oppkalt etter maniera, et italiensk begrep for «stil» eller «måte», og refererer til en stilisert, overdrevet tilnærming til maleri og skulptur.

Også kjent som sen renessanse, manerisme er betraktet som en bro mellom høyrenessansen og barokkperioden, som adopterte delmengden utsmykkede estetiske og tilpasset den som ekstravaganse.

Historie

På slutten av 1400-tallet, kunstnere i Firenze begynte å gi avkall på den eteriske ikonografien fra mørketiden til fordel for klassismen. Denne estetiske tilnærmingen varte til 1600-tallet og kulminerte i tre undergrupper: tidlig renessanse, høy renessanse og sen renessanse.

Under tidlig renessanse begynte kunstnere å se etter antikken for inspirasjon. Denne nye interessen ville da informere høyrenessansen, en sjanger preget av naturalistiske figurer og en matematisk presis bruk av perspektiv. Høyrenessansen varte fra 1490 til 1530-årene, da senrenessansen, eller manerismen, dukket opp.

Mens manististiske kunstnere var interessert i perfeksjonismen skildret av høyrenessansskunstnere, søkte de ikke å kopiere den. I stedet overdrev de renessanseprinsippene, noe som resulterte i arbeid som favoriserer selvekspresjonisme fremfor jakten på idealisme. «I stedet for å ta i bruk de harmoniske idealene knyttet til Raphael og Michelangelo,» forklarte Tate, «gikk de et skritt videre for å lage svært kunstige komposisjoner som viste frem teknikker og ferdigheter i å manipulere komposisjonselementer for å skape en følelse av sofistikert eleganse.»

Kjennetegn

Overdrevne figurer

En primær måte at maneristiske kunstnere tok høyrenessanssteknikker «et skritt videre» er gjennom overdrivelse. Pionerert av Parmigianino, en italiensk kunstner, Mannerists avviste realistiske proporsjoner og gjengav i stedet figurer med umulig langstrakte lemmer og merkelig plasserte kropper. Disse strukne og vridne formene ble sannsynligvis brukt for å antyde bevegelse og øke drama.

I følge Giorgio Vasari, en fremtredende italiensk maleren, arkitekten ct, historiker og forfatter, Parmigianino adopterte utilsiktet denne uvanlige estetikken mens han malte sin egen likhet. «For å undersøke kunstens finesser,» sier Vasari om Parmigianino i sin berømte kunsthistoriske bok, The Lives of the Artists, «satte han seg en dag for å lage sitt eget portrett, og så på seg selv i et konveks barberspeil. Og ved å gjøre dette, og oppfatte de bisarre effektene som er produsert av speilets rundhet, som vrir takbjelkene til rare kurver, og som gjør at dørene og andre deler av bygninger trekker seg tilbake på en ekstraordinær måte, kom ideen til ham more seg ved å forfalske alt. ”

Omstendelig dekorasjon

Overdådig utsmykning er en annen måte manisterister presset renessansesensibilitet til sine grenser. Mens høyrenessansefigurer vanligvis ikke innlemmet mønstre i arbeidet sitt, gjorde tidlige renessanseartister som Sandro Botticelli. Inspirert av millefleur (fra de franske mille-fleurs, eller «tusen blomster») tepper fra middelalderen, inkorporerte Botticelli blomsterdesign i sine store mytologiske malerier som Primavera.

Manneristiske kunstnere gjensynte i sin tur denne interessen for forseggjort ornamentikk, og dekket både lerreter og skulpturer i en overveldende overflod av dekorative elementer. En kunstner som tok dette konseptet til forbløffende nye nivåer er Giuseppe Arcimboldo, en maler som laget spesielle portretter av mennesker laget av vegetasjon, dyr og funnet gjenstander.

Kunstig farge

Endelig forlot manisteristene de naturalistiske fargene som ble brukt av malere i høyrenessansen, og brukte i stedet kunstige – og ofte glorete – toner. Disse urealistiske fargene er spesielt tydelige i arbeidet til Jacopo da Pontormo, en italiensk kunstner hvis mettede palett tok de rike fargene fra renessansen til nye høyder.

Denne tilnærmingen til farge er også kjent forbundet med El Greco, en spansk maler som adopterte manereristisk stil da han flyttet til Roma. Som andre manererister så El Greco på tidligere kunstnere uten å prøve å reprodusere arbeidet sitt. «Du må studere Mestrene,» sa han, «men vær forsiktig med den opprinnelige stilen som slår i din sjel og sver dem som vil prøve å stjele den.»

Arv

Selv om en delmengde av renessansen – uten tvil kunsthistoriens mest innflytelsesrike kunstbevegelse – holdes manierisme ikke i samme aktelse som Gullalderens tidligere verk. Likevel fortsetter den særegne estetikken å fortrylle dem som er klar over det, noe som gjør det til en av kunsthistoriens mest fascinerende skjulte perler.

Utforsking av de viktigste bidragene til den mindre kjente nordlige renessansen

Hvordan kunstnere har holdt stillebenmaleri levende i tusenvis av år

Historien om amor i kunst: hvordan kjærlighetsguden har inspirert kunstnere i århundrer

Hvordan museer utviklet seg over tid fra private samlinger til moderne institusjoner