Museo de Arte Nelson-Atkins

El museo fue construido en los terrenos de Oak Hall, el hogar del editor de Kansas City Star, William Rockhill Nelson (1841-1915). Cuando murió en 1915, su testamento disponía que, tras la muerte de su esposa e hija, las ganancias de toda su propiedad se destinarían a la compra de obras de arte para el disfrute público. Este legado se incrementó con fondos adicionales de las propiedades de la hija, el yerno y el abogado de Nelson.

En 1911, la ex maestra de escuela Mary McAfee Atkins (1836-1911), viuda de un especulador inmobiliario James Burris Atkins, legó $ 300,000 para establecer un museo de arte. Gracias a la buena administración de la propiedad, esta cantidad aumentó a $ 700,000 en 1927. Los planes originales requerían dos museos de arte basados en los legados separados (con el Museo Atkins que se ubicaría en Penn Valley Park). Sin embargo, los fideicomisarios de las dos propiedades decidieron combinar los dos legados junto con legados más pequeños de otros para hacer una única institución de arte importante.

El edificio fue diseñado por los destacados arquitectos de Kansas City Wight y Wight, quien también diseñó los accesos al Liberty Memorial y la mansión del gobernador de Kansas, Cedar Crest. Se rompió la construcción en julio de 1930 y el museo abrió el 11 de diciembre de 1933. El estilo arquitectónico clásico de Beaux-Arts del edificio se inspiró en el Museo de Arte de Cleveland Thomas Wight, dijo el hermano que hizo la mayor parte del trabajo de diseño del edificio. :

Estamos construyendo el museo sobre principios clásicos porque han sido probados por siglos. Se puede desarrollar un principio distintivamente americano apropiado para tal edificio, pero, hasta ahora, todo de ese tipo es experimental. No se experimenta con dos millones y medio de dólares.

Cuando el original edificio inaugurado, su costo final fue de $ 2.75 millones (alrededor de $ 54 millones en 2018). Las dimensiones de la estructura de seis pisos eran de 390 pies (120 m) de largo por 175 pies (53 m) de ancho, lo que la hacía más grande que el Museo de Arte de Cleveland.

El museo, al que se hacía referencia localmente como la Galería de Arte Nelson o simplemente la Galería Nelson, fueron en realidad dos museos hasta 1983, cuando se llamó formalmente Museo de Arte Nelson-Atkins. Anteriormente, el ala este se llamaba Museo de Bellas Artes de Atkins, mientras que el ala oeste y el vestíbulo se llamaban Galería de Arte William Rockhill Nelson.

En el exterior del edificio, Charles Keck creó 23 paneles de piedra caliza que representan la marcha de la civilización de este a oeste, incluidos los trenes de carretas que se dirigen al oeste desde Westport Landing. Las rejas en las puertas representan motivos de hojas de roble en memoria de Oak Hall. La fachada sur del museo es una estructura icónica en Kansas City que se cierne sobre una serie de terrazas en Brush Creek.

Casi al mismo tiempo que la construcción del museo, Howard Vanderslice donó 8 acres (32,000 m2 ) al oeste del museo, al otro lado de Oak Street, para el Kansas City Art Institute, que se mudó desde el edificio Deardorf en las calles 11th y Main en el centro de Kansas City.

Como William Nelson, el principal contribuyente, donado dinero en lugar de una colección de arte personal, los curadores pudieron armar una colección desde cero. En el apogeo de la Gran Depresión, el mercado mundial del arte se inundó de piezas a la venta, pero había muy pocos compradores. Como tal, los compradores del museo encontraron un vasto mercado abierto para ellos. Las adquisiciones crecieron rápidamente y en poco tiempo, Nelson-Atkins tenía una de las colecciones de arte más grandes del país.

Una de las los componentes originales del edificio eran una recreación de la habitación con paneles de roble de Nelson de Oak Hall (y homónimo de la propiedad). La habitación contenía el sillón y las estanterías de felpa roja de Nelson. La habitación fue desmantelada en 1988 para dar paso a un estudio de fotografía.

Un tercio del edificio en el primer y segundo piso del ala oeste quedaron sin terminar cuando el edificio se abrió para permitir una futura expansión. Parte se completó en 1941 para albergar la pintura china y el resto del edificio se completó después de la Segunda Guerra Mundial. En 1993, Michael Churchman escribió una historia del Museo de Arte Nelson-Atkins , Altos ideales y aspiraciones.

DirectoresEditar

Paul Gardner, 1933-1953Editar

El museo tenía cuatro Directores antes del nombramiento de Julián Zugazagoitia en 2010; el primero fue Paul Gardner (1894-1972). Nacido en Massachusetts, Gardner se graduó del MIT en 1917 con un título en arquitectura. Sirvió con distinción en la Primera Guerra Mundial, después de lo cual viajó por Europa y África del Norte durante un año. Aproximadamente en 1919 se convirtió en bailarín de la Compañía de Ballet de Anna Pavlova con el nombre de «Paul Tchernikoff».Gardner finalmente regresó a la escuela de posgrado, obtuvo una maestría en historia europea de la Universidad George Washington en 1928 y luego se inscribió en el programa de doctorado en historia del arte en Harvard. En marzo de 1932, los cautelosos fideicomisarios de la Galería de Arte Nelson, vacilantes sobre nombrar un Director de pleno derecho, nombró al estudiante graduado como su asistente a modo de prueba. Gardner asumió el nuevo cargo de inmediato, y por lo tanto fue nombrado Director por los Fideicomisarios dieciocho meses después, el 1 de septiembre de 1933. Serviría para durante los próximos veinte años.

Etileno Jackson, 1942-1945Editar

Etileno Jackson (1907-1993), secretario ejecutivo de Paul Gardner desde 1933, se convirtió en director interino en noviembre de 1942 cuando Gardner Fue comisionado como comandante en el ejército de los Estados Unidos. Además de su papel como secretaria ejecutiva del Director, Jackson se había desempeñado como curadora de la colección de artes decorativas. Paul Gardner se desempeñó como Hombre de Monumentos en Europa, regresando a Nelson en diciembre de 1945. Ethylene Jackson se fue de Kansas City a Nueva York al año siguiente después de casarse con el marchante de arte Germain Seligman.

Laurence Sickman, 1953-1977Editar

Tras la jubilación de Paul Gardner el 1 de mayo de 1953, Laurence Sickman (1907-1988) se convirtió en el segundo director de la Galería. Había estado asociado con la Galería desde 1931.

Laurence Sickman, oriundo de Denver, Colorado, se interesó por el arte japonés y chino cuando era estudiante de secundaria. Después de dos años en la Universidad de Colorado se trasladó a Harvard, donde estudió con Langdon Warner. También llegó a hablar chino con fluidez. Después de graduarse con un B.A. en 1930 Sickman viajó a China con una beca Harvard-Yenching. Allí se volvió a conectar con Warner, que para entonces estaba en China, con la asignación de comprar arte para los administradores del museo. Warner recomendó a los Fideicomisarios que el joven estudiante graduado asumiera la responsabilidad de negociar las compras de arte para la Galería, ya que Warner se mudaba a Japón. La perspicacia de Sickman como coleccionista le valió el respeto de los fideicomisarios, quienes le enviaron miles de dólares para comprar arte. Como tenía una beca, su experiencia no les costó nada a los fideicomisarios. Hizo el viaje de 6,000 millas a Kansas City en diciembre de 1933 para la inauguración de la Galería, luego regresó a China. Al regresar una vez más a los Estados Unidos, fue nombrado Curador de Arte Oriental de la Galería en 1935. En 1941, las compras de arte chino de Sickman le habían dado la Galería Nelson, una de las mejores colecciones asiáticas de los Estados Unidos.

Sickman, como Paul Gardner, fue comisionado como oficial del Ejército de los Estados Unidos como miembro de los Monuments Men, sirviendo desde 1942 hasta 1945 en Inglaterra, India y China. En su ausencia, su muy capaz asistente, la señorita Lindsay Hughes, fue nombrada curadora en funciones. Sickman regresó a su función de curador después de la guerra; ocho años más tarde fue nombrado director. Entre los muchos éxitos de su tenencia, la más importante fue la gran exposición bition «Hallazgos arqueológicos de la República Popular China», que se desarrolló del 20 de abril al 8 de junio de 1975 y atrajo a unos 280.000 visitantes. La exhibición de 385 piezas fue el resultado de la distensión entre los Estados Unidos y la China comunista que había iniciado el viaje de Richard Nixon a ese país en 1972. Fue un golpe profesional y personal para Sickman: su reputación como académico y la colección que que había construido en la Galería Nelson hizo de Kansas City una de las cuatro ciudades que visitaría la exposición, después de que París, Toronto y Washington, DC Laurence Sickman se jubilara el 31 de enero de 1977 y fuera nombrado Director Emérito y asesor de los Fideicomisarios.

Ted Coe, 1977-1982Editar

Tras la jubilación de Laurence Sickman, Ralph Tracy «Ted» Coe (1929-2010) se convirtió en el tercer director de la Galería. Coe nació en Cleveland, donde su padre, un fabricante de acero, era coleccionista de arte. Obtuvo una licenciatura en historia del arte de Oberlin College y una maestría en arquitectura de Yale, había trabajado en el Victoria and Albert Museum de Londres y la National Gallery en Washington, DC antes de llegar a la Nelson Gallery en 1959 como Comisario de Pintura y Escultura. Mientras era curador, Coe organizó varias exposiciones especiales grandes y muy concurridas. La más influyente fue «Sacred Circles», una exposición de 900 objetos de arte de nativos americanos. Organizada para conmemorar el Bicentenario de Estados Unidos, la muestra se inauguró en la Hayward Gallery de Londres, Inglaterra, desde octubre de 1976 hasta enero de 1977. El apoyo financiero se organizó rápidamente en Kansas City para hacer de la Nelson Gallery el único lugar estadounidense. «Sacred Circles» fue la segunda exposición más popular después de la muestra china de 1975, que se llevó a cabo del 16 de abril al 19 de junio de 1977 y atrajo a más de 245.000 visitantes. Ted Coe solicitó un año sabático de sus funciones como Director en marzo de 1982 y renunció a fines de junio, habiendo trabajado en Nelson durante 23 años, incluidos 4 años y medio como Director.

Marc Wilson, 1982-2010Editar

Ted Coe fue reemplazado por Marc Wilson, quien sirvió de 1982 a 2010.

Bloch Building AdditionEdit

En 1993, el museo comenzó a considerar los primeros planes de expansión desde la finalización de las áreas sin terminar en la década de 1940. Los planes exigían un aumento del espacio del 55 por ciento y se finalizaron en 1999.

El arquitecto Steven Holl ganó un concurso internacional en 1999 por el diseño de la ampliación. El concepto de Holl, concebido y realizado con el socio de diseño Chris McVoy, era construir cinco pabellones de vidrio al este del edificio original al que llaman lentes. Los lentes cubren un edificio subterráneo de 165,000 pies cuadrados (15,300 m2) conocido como el Edificio Bloch. Lleva el nombre de Henry W. Bloch, cofundador de H & R Block. El edificio Bloch alberga también las galerías de exposiciones especiales, de fotografía, africanas y contemporáneas del museo. un nuevo café, la Spencer Art Reference Library del museo y el Isamu Noguchi Sculpture Court. La adición costó aproximadamente $ 95 millones y se inauguró el 9 de junio de 2007. Fue parte de $ 200 millones en renovaciones del museo que incluían el Ford Learning Center que es el hogar de clases, talleres y recursos para estudiantes y educadores. Se inauguró en el otoño de 2005.

En el concurso para diseñar la ampliación, todos los participantes excepto Holl propusieron crear una adición moderna en el norte lado del museo que habría drastica lly alteró u oscureció la fachada norte que servía como entrada principal al museo. En cambio, Holl y McVoy propusieron colocar la adición en el lado este perpendicular al edificio principal. Su objetivo era involucrar al icónico jardín de esculturas del museo para fusionar la experiencia del arte, la arquitectura y el paisaje. Sus lentes ahora caen en cascada por el perímetro este del terreno.

Durante la construcción, el plan de Holl se reunió con considerable controversia. Fue descrito como «grotesco, una caja de metal». Sin embargo, las reseñas de la nueva estructura una vez terminada han sido generalmente muy favorables:

El crítico de arquitectura del New York Times Nicolai Ouroussoff da esta descripción:

Para el mundo del arte, la adición, conocida como Bloch Building, debería reafirmar que el arte y la arquitectura pueden coexistir felizmente. El resto de nosotros podemos consolarnos con el hecho de que las obras públicas de nuestra época pueden igualar o superar las grandes logros de generaciones pasadas …

El resultado es un edificio que no desafía el pasado sino que sugiere una visión del mundo alternativa que está en constante cambio. Vista desde la plaza norte, la entrada principal de la ampliación difiere suavemente del antiguo edificio, la forma cristalina sugiere un eco fantasmal de la austera fachada de piedra. Desde allí, la atención se dirige a los bloques translúcidos distintos pero interconectados, que son en parte enterrado en el paisaje …

Es un enfoque que debe ser estudiado por cualquiera que se proponga diseñar un museo desde este punto en adelante.

El museo ha ido en contra del pensamiento conservador tradicional al permitir que la luz natural de las lentes ilumine su obra de arte. La mayoría de las exhibiciones en la adición están bajo tierra con los pabellones de vidrio de 27 a 34 pies (10 m) sobre ellas. Los funcionarios dicen que los avances en la tecnología del vidrio les han permitido bloquear la mayoría de los dañinos rayos ultravioleta que podrían dañar las obras exhibidas.

Las planchas de vidrio personalizadas fueron fabricadas por Glasfabrik Lamberts e importadas por Bendheim Wall Systems.

La entrada al museo es gratuita todos los días y los visitantes pueden utilizar cualquiera de las siete entradas para acceder al edificio. El escritorio principal para visitantes se encuentra en el edificio Bloch. En el lado norte del museo, una piscina reflectante ocupa ahora parte de la plaza JC Nichols en la fachada norte y contiene 34 óculos para proporcionar luz natural al estacionamiento de abajo. El casting de The Thinker que ocupaba este espacio antes de las renovaciones se ha trasladado al sur del museo.

En 2013, la combinación de Steven Holl Architects y BNIM fue seleccionada para construir una adición de $ 100 millones a John F. Kennedy Center for the Performing Arts que se inspirará un poco en Bloch Addition.

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