Manierismo: el estilo que dio un giro elaborado al arte del Renacimiento

Durante el Renacimiento, los artistas italianos encontraron inspiración en las formas ideales y las composiciones armoniosas de la antigüedad clásica. Si bien esta reinterpretación de modelos antiguos es famosa en las obras de artistas del Alto Renacimiento como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, también se manifestó como manierismo, un estilo que surgió hacia el final del movimiento.

Los artistas manieristas llevaron los principios establecidos durante el Renacimiento a nuevos extremos, culminando en una estética que le dio un giro estilizado al clasicismo. Aquí, echamos un vistazo a este estilo menos conocido, explorando su historia y presentando las características que lo definen.

¿Qué es el manierismo?

El manierismo es un estilo que surgió en 1530 y duró hasta finales de siglo. Lleva el nombre de maniera, un término italiano para «estilo» o «moda», y se refiere a un enfoque estilizado y exagerado de la pintura y la escultura.

También conocido como Renacimiento tardío, el manierismo es considerado como un puente entre el Alto Renacimiento y el período barroco, que adoptó la estética ornamentada del subconjunto y la adaptó como extravagancia.

Historia

A finales del siglo XV, los artistas de Florence comenzó a renunciar a la iconografía etérea de la Edad Media en favor del clasicismo. Este enfoque estético duró hasta el siglo XVII y culminó en tres subconjuntos: el Renacimiento temprano, el Renacimiento alto y el Renacimiento tardío.

Durante el Renacimiento temprano, los artistas comenzaron a buscar antigüedad en busca de inspiración. Este nuevo interés informaría el Alto Renacimiento, un género caracterizado por figuras naturalistas y un uso matemáticamente preciso de la perspectiva. El Alto Renacimiento duró desde 1490 hasta la década de 1530, cuando surgió el Renacimiento tardío o manierismo.

Si bien los artistas manieristas estaban interesados en el perfeccionismo representado por los artistas del Alto Renacimiento, no buscaron replicarlo. En cambio, exageraron los principios del Renacimiento, lo que resultó en un trabajo que favorece el autoexpresionismo sobre la búsqueda del idealismo. «En lugar de adoptar los ideales armoniosos asociados con Rafael y Miguel Ángel», explica la Tate, «fue un paso más allá para crear composiciones altamente artificiales que mostraban sus técnicas y habilidades en la manipulación de elementos compositivos para crear una sensación de elegancia sofisticada».

Características

Figuras exageradas

Una de las principales formas en que los artistas manieristas llevaron las técnicas del Alto Renacimiento «un paso más allá» es a través de la exageración. Pionero de Parmigianino, un artista italiano, manieristas rechazó las proporciones realistas y, en su lugar, representó figuras con extremidades increíblemente alargadas y cuerpos en una posición extraña. Estas formas estiradas y retorcidas probablemente se emplearon para sugerir movimiento y realzar el drama.

Según Giorgio Vasari, un destacado pintor italiano, arquitecto ct, historiador y escritor, Parmigianino adoptó inadvertidamente esta estética inusual mientras pintaba su propia imagen. «Para investigar las sutilezas del arte», dice Vasari de Parmigianino en su famoso libro de historia del arte, La vida de los artistas, «se propuso un día hacer su propio retrato, mirándose en el espejo convexo de un peluquero». Y al hacer esto, percibiendo los extraños efectos producidos por la redondez del espejo, que retuerce las vigas de un techo en extrañas curvas y hace que las puertas y otras partes de los edificios retrocedan de una manera extraordinaria, se le ocurrió la idea de divertirse falsificando todo ”.

Decoración elaborada

El adorno lujoso es otra forma en que los manieristas llevaron las sensibilidades del Renacimiento a sus límites. Si bien las figuras del Alto Renacimiento no suelen incorporar patrones en su trabajo, los artistas del Renacimiento temprano como Sandro Botticelli sí lo hicieron. Inspirado en los tapices millefleur (del francés mille-fleurs, o «mil flores») de la Edad Media, Botticelli incorporó diseños florales en sus pinturas mitológicas de gran formato como Primavera.

Los artistas manieristas, a su vez, revisaron este interés en la ornamentación elaborada, cubriendo tanto lienzos como esculturas en un abrumador abundancia de elementos decorativos. Un artista que llevó este concepto a nuevos niveles asombrosos es Giuseppe Arcimboldo, un pintor que elaboró retratos peculiares de personas hechos de vegetación, animales y objetos encontrados.

Color artificial

Finalmente, los manieristas abandonaron los colores naturalistas utilizados por los pintores del Alto Renacimiento y, en su lugar, emplearon tonos artificiales, ya menudo chillones. Estos tonos poco realistas son particularmente evidentes en la obra de Jacopo da Pontormo, un artista italiano cuya paleta saturada llevó los ricos colores del Renacimiento a nuevas alturas.

Este enfoque del color también está asociado con El Greco, pintor español que adoptó el estilo manierista cuando se mudó a Roma. Como otros manieristas, El Greco miró a artistas anteriores sin intentar reproducir su trabajo. «Debes estudiar a los Maestros», dijo, «pero guarda el estilo original que late dentro de tu alma y pon a espada a los que intentarían robarlo».

Legacy

Aunque es un subconjunto del Renacimiento, posiblemente el movimiento artístico más impactante de la historia del arte, el manierismo no se tiene en la misma estima que el La obra anterior de Golden Age. Sin embargo, su estética distintiva continúa encantando a quienes la conocen, convirtiéndola en una de las joyas ocultas más fascinantes de la historia del arte.

Explorando las principales contribuciones del menos conocido Renacimiento del Norte

Cómo los artistas han mantenido viva la pintura de naturaleza muerta durante miles de años

La historia de Cupido en el arte: cómo el Dios del amor ha inspirado a los artistas durante siglos

Cómo evolucionaron los museos con el tiempo desde colecciones privadas hasta instituciones modernas