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르네상스 시대에 이탈리아 예술가들은 고전 고대의 이상적인 형태와 조화로운 구성에서 영감을 얻었습니다. 고대 모델에 대한 이러한 재 해석은 미켈란젤로와 레오나르도 다빈치와 같은 르네상스 시대의 예술가들의 작품에서 잘 드러나지 만 운동이 끝날 무렵 등장한 스타일 인 매너리즘으로도 드러났습니다.
매너주의 예술가들은 르네상스 시대에 확립 된 원칙을 새로운 극단으로 끌어 올려 고전주의에 양식화 된 변형을 가미한 미학으로 절정에 이릅니다. 여기서는 잘 알려지지 않은이 스타일을 살펴보고 그 역사를 탐구하고이를 정의하는 특성을 제시합니다.
매너리즘이란 무엇입니까?
매너리즘은 1530 년에 등장한 스타일입니다. 그리고 세기 말까지 지속되었습니다. “스타일”또는 “매너”를 가리키는 이탈리아어 용어 인 maniera의 이름을 따서 명명되었으며 그림과 조각에 대한 양식화되고 과장된 접근 방식을 나타냅니다.
Joachim Wtewael, “Persus and Andromeda,”1611 (Wikimedia Commons Public Domain을 통한 사진)
후기 르네상스라고도 알려진 매너리즘은 르네상스 시대와 바로크 시대를 연결하는 다리로 여겨졌는데,이시기는 부분 집합의 화려한 미학을 채택하고이를 사치스럽게 적용했습니다.
역사
15 세기 후반에 예술가들은 피렌체는 고전주의에 찬성하여 암흑 시대의 미묘한 도상학을 포기하기 시작했습니다. 이 미학적 접근 방식은 17 세기까지 지속되었으며 초기 르네상스, 하이 르네상스 및 후기 르네상스의 세 가지 하위 집합으로 절정에 달했습니다.
초기 르네상스 동안 예술가들은 영감을위한 고대. 이 새로운 관심은 자연 주의적 인물과 수학적으로 정확한 관점의 사용이 특징 인 장르 인 하이 르네상스에 알려줄 것입니다. 높은 르네상스 시대는 1490 년부터 후기 르네상스 또는 매너리즘이 등장한 1530 년대까지 지속되었습니다.
매너주의 예술가들은 높은 르네상스 시대 예술가들이 묘사하는 완벽주의에 관심이 있었지만 그것을 복제하려고하지 않았습니다. 대신 그들은 르네상스 원칙을 과장하여 이상주의 추구보다 자기 표현주의를 선호하는 작품을 만들었습니다. “라파엘과 미켈란젤로와 관련된 조화로운 이상을 채택하는 대신, 정교한 우아함을 만들기 위해 구성 요소를 조작하는 기술과 기술을 과시하는 고도로 인공적인 구성을 만들기 위해 한 걸음 더 나아갔습니다.”
특성
과장된 인물
매너리스트 예술가가 하이 르네상스 기술을 “한 단계 더”끌어 올린 주된 방법은 과장을 통한 것입니다. 이탈리아 예술가 인 Parmigianino가 개척 한 매너리스트 사실적인 비율을 거부하고 팔다리가 너무 길고 몸이 이상하게 배치 된 인물을 렌더링했습니다. 이러한 늘어지고 뒤틀린 형태는 움직임을 암시하고 드라마를 강조하는 데 사용되었을 가능성이 높습니다.
Parmigianino, “Madonna with Long Neck,”1534-1540 (사진 : Wikimedia Commons Public Domain을 통한 Web Gallery of Art)
이탈리아의 저명한 화가 조르지오 바사리, 건축가 ct, 역사가 및 작가 인 Parmigianino는 자신의 모습을 그리는 동안이 특이한 미학을 실수로 채택했습니다. “예술의 미묘함을 조사하기 위해”Vasari는 유명한 미술사 책인 예술가의 삶에서 Parmigianino에 대해 말합니다. “그는 어느 날 볼록한 이발사에서 자신을 바라보며 자신의 초상화를 만들었습니다.” 이 과정에서 천장의 광선을 이상한 곡선으로 비틀어 문과 건물의 다른 부분을 비정상적으로 움츠 리게 만드는 거울의 둥글 림이 만들어내는 기괴한 효과를인지 한 아이디어가 떠올랐다. 모든 것을 위조하여 자신을 즐겁게합니다.”
Parmigianino, “볼록 거울 속의 자화상”, ca. 1523-1524 (Photo : Gallerix via Wikimedia Commons Public Domain)
정교한 장식
호화스러운 장식은 매너리스트가 르네상스의 감성을 한계까지 밀어 붙인 또 다른 방법입니다. High Renaissance 인물은 일반적으로 패턴을 작업에 통합하지 않았지만 Sandro Botticelli와 같은 초기 르네상스 예술가는 그랬습니다. 중세 시대의 millefleur (프랑스 밀플 뢰르 또는 “천개의 꽃”) 태피스트리에서 영감을받은 Botticelli는 Primavera와 같은 대규모 신화 그림에 꽃 디자인을 통합했습니다.
Botticelli, “Primavera,”ca. c. 1477–1482 (사진 : Google Arts & Wikimedia Commons Public Domain을 통한 문화)
매너주의 예술가들은 정교한 장식에 대한 관심을 다시 확인하여 캔버스와 조각을 압도적으로 다룹니다. 장식 요소가 풍부합니다.이 개념을 놀라 울 정도로 새로운 차원으로 끌어 올린 한 예술가는 초목, 동물 및 발견 한 물건으로 만든 사람의 독특한 초상화를 만든 화가 인 Giuseppe Arcimboldo입니다.
Giuseppe Arcimboldo, “Spring,”1573 (Wikimedia Commons Public Domain을 통한 사진)
인공 색상
마지막으로 매너리스트들은 르네상스 시대의 화가들이 사용하는 자연주의적인 색을 버리고 대신 인공적인 (종종 장식적인) 톤을 사용했습니다. 이러한 비현실적인 색조는 특히 르네상스의 풍부한 색상을 새로운 차원으로 끌어 올린 채도 팔레트를 가진 이탈리아 예술가 Jacopo da Pontormo의 작업에서 두드러집니다.
Pontormo, “The Deposition,”1526-1528 (Wikimedia Commons Public Domain을 통한 사진)
이 색상 접근 방식은 다음과도 관련이 있습니다. 로마로 이주했을 때 매너리즘 스타일을 채택한 스페인 화가 엘 그레코. 다른 매너리스트와 마찬가지로 El Greco는 작업을 재현하려고 시도하지 않고 초기 예술가를 찾았습니다. “당신은 마스터스를 연구해야합니다. 그러나 당신의 영혼을 뛰는 원래의 스타일을 지키고 그것을 훔치려는 사람들을 검술하십시오.”
El Greco, “The Vision of Saint John, or The Opening of the Fifth Seal,”ca. 1609-1614 (사진 : Wikimedia를 통한 메트로폴리탄 미술관 Commons Public Domain)
레거시
미술사에서 가장 영향력있는 예술 운동 인 르네상스의 일부이지만 매너리즘은 황금 시대의 초기 작품입니다. 그럼에도 불구하고 그 독특한 미학은 그것을 아는 사람들을 계속 매혹시켜 미술사에서 가장 매혹적인 숨겨진 보석 중 하나가되었습니다.
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