추상 표현주의

제 2 차 세계 대전과 전후 기간 편집

제 2 차 세계 대전 전후 기간 동안 모더니스트 예술가, 작가, 시인 , 중요한 수집가와 상인뿐만 아니라 미국의 안전한 피난처를 위해 유럽과 나치의 맹공격을 피해 도망 쳤습니다. 도망 치지 않은 많은 사람들이 죽었습니다. 전쟁 중에 뉴욕에 도착한 예술가와 수집가 중에는 (일부는 Varian Fry의 도움을 받아) Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger, Piet Mondrian. 몇몇 예술가, 특히 Picasso, Matisse, Pierre Bonnard는 프랑스에 남아 살아 남았습니다.

종전 후 유럽의 수도는 경제적으로나 물리적으로 재건하고 정치적으로 재편성해야하는 시급한 상황에 처해 있습니다. 이전에 유럽 문화의 중심지이자 예술계의 수도였던 파리에서 예술의 풍토는 뉴욕은 파리를 예술 세계의 새로운 중심지로 대체했습니다. 전후 유럽에서는 초현실주의, 입체파, 다다, 마티스의 작품이 계속되었습니다. 또한 유럽에서는 예술 단정, 서정적 추상화 또는 Tachisme ( 추상 표현주의에 상응하는 유럽)도 k 최신 세대 보유. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages 및 Jean Messagier 등은 전후 유럽 회화에서 중요한 인물로 간주됩니다. 미국에서는 새로운 세대의 미국 예술가가 등장하여 세계 무대를 장악하기 시작했으며이를 추상 표현주의 자라고 불렀습니다.

Gorky, Hofmann, GrahamEdit

1940 년대 뉴욕시에서는 Matisse, Picasso, Surrealism, Miró, Cubism, Fauvism, 그리고 Matisse에서 배운 교훈을 결합한 모더니스트 운동 인 미국 추상 표현주의의 승리를 예고했습니다. 독일의 Hans Hofmann과 우크라이나의 John D. Graham과 같은 미국의 훌륭한 교사를 통한 초기 모더니즘. 1940 년대 초 미국 예술에 대한 그레이엄의 영향은 특히 Gorky, de Kooning, Pollock 및 Richard Pousette-Dart의 작품에서 두드러졌습니다. Gorky의 미국 및 세계 예술에 대한 공헌은 과대 평가하기 어렵습니다. 서정적 추상화로서의 그의 작품은 “새로운 언어였다. 그는”미국 예술가의 두 세대를 위해 빛을 발했다 “. The Liver is the Cock”s Comb, The Betrothal II, One Year the Milkweed와 같은 성숙한 작품의 회화 적 자발성 즉시 추상 표현주의를 예표했으며 뉴욕 학교의 지도자들은 Gorky의 상당한 영향을 인정했습니다. Hyman Bloom의 초기 작업도 영향을 미쳤습니다. 미국 예술가들도 Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst 및 André의 존재로부터 혜택을 받았습니다. Breton 그룹, Pierre Matisse의 갤러리 및 Peggy Guggenheim의 갤러리 The Art of This Century 및 기타 요소. 특히 교사, 멘토 및 예술가로서의 Hans Hofmann은 초록의 개발과 성공에 중요하고 영향을 미쳤습니다. 미국의 표현주의 호프만의 제자 중에는 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 있었는데, 그는 미국 회화에서 엄청난 영향력을 발휘했으며 그의 학생들 중에는 그녀의 교수를 소개 한 Lee Krasner가있었습니다. r, Hofmann, 남편 Jackson Pollock에게.

Pollock과 Abstract의 영향 편집

1940 년대 후반 Jackson Pollock의 그림에 대한 급진적 접근은 모든 현대 미술의 잠재력에 혁명을 일으켰습니다. 그를 따라 갔다. Pollock은 예술 작품을 만드는 여정이 예술 작품만큼이나 중요하다는 것을 어느 정도 깨달았습니다. 큐비즘을 통해 세기 전환기에 피카소가 그림과 조각을 혁신적으로 재창조하고 조각품을 구성한 것처럼, 폴록은 나바호 모래 그림, 초현실주의, 융이 안 분석 및 멕시코 벽화 예술과 같은 다양한 영향을 받아 예술을 생산하는 것이 무엇인지 재정의했습니다. 이젤 페인팅과 관습에서 벗어난 그의 움직임은 그의 시대의 예술가들과 그 이후의 모든 것에 대한 해방 신호였습니다.예술가들은 예술가 재료와 산업 재료를 사용하여 사방에서 공격받을 수있는 바닥에 늘이지 않은 캔버스를 놓는 Jackson Pollock의 과정, 페인트를 떨어 뜨리고 던진 선형 타래, 그림, 염색, 솔질, 이미지 및 비 이미지 — 본질적으로 이전의 경계를 넘어 예술 제작을 가져 왔습니다. 일반적으로 추상 표현주의는 예술가가 새로운 예술 작품 제작에 사용할 수있는 정의와 가능성을 확장하고 발전 시켰습니다.

다른 추상 표현 주의자들이 따랐습니다. 폴락의 새로운 돌파구가 있습니다. 어떤 의미에서 Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos 등의 혁신은 다양성에 대한 수문을 열었습니다. 그리고 그들을 따르는 모든 예술의 범위. 플럭서스, 네오 다다, 개념 미술, 페미니스트 미술 운동을 포함한 1960 년대와 1970 년대의 급진적 반 형식주의 운동은 추상 표현주의의 혁신으로 이어질 수 있습니다. 그러나 Linda Nochlin, Griselda Pollock 및 Catherine de Zegher와 같은 미술사 학자들이 수행 한 추상 미술로의 재독은 현대 미술에서 주요 혁신을 일으킨 선구자 여성 예술가가 그 역사의 공식 기록에서 무시 당했다는 것을 비판적으로 보여줍니다. 1940 년대와 1950 년대의 추상 표현주의 운동의 여파로 오랫동안 기한이 지난 인정을 받기 시작했습니다. 추상 표현주의는 1950 년대 뉴욕시의 주요 예술 운동으로 등장했으며 그 후 여러 주요 아트 갤러리에서 추상 표현 주의자들을 전시회에 포함시키고 명단에 단골로 포함시키기 시작했습니다. 저명한 “업타운”갤러리에는 Charles Egan Gallery, Sidney Janis Gallery, Betty Parsons Gallery, Kootz Gallery, Tibor de Nagy Gallery, Stable Gallery, Leo Castelli Gallery 등이 있습니다. 그 당시 Tenth Street 갤러리로 알려진 여러 시내 갤러리에는 추상 표현 주의적 맥락에서 일하는 젊은 신진 예술가들이 많이 전시되었습니다.

Action paintingEdit

액션 페인팅은 1940 년대에 널리 퍼진 스타일이었습니다. 1960 년대 초까지 추상 표현주의와 밀접하게 연관되어 있습니다 (일부 비평가들은 액션 페인팅과 추상 표현주의라는 용어를 같은 의미로 사용했습니다). 미국 액션 페인팅과 프랑스 타치 스메를 비교하는 경우가 많습니다.

이 용어는 1952 년 미국 비평가 Harold Rosenberg에 의해 만들어졌으며 뉴욕 학교 화가와 비평가의 미학적 관점에서 큰 변화를 나타 냈습니다. . Rosenberg에 따르면 캔버스는 “행동 할 수있는 경기장”이었습니다. Jackson Pollock, Franz Kline 및 Willem de Kooning과 같은 추상 표현 주의자들은 오랫동안 그림을 창조 행위를 받아 들일 수있는 무대로 보는 관점에서 노골적으로 말했지만, 초기 비평가들은 Clement Greenberg와 같이 자신의 원인에 동정했습니다. 그들의 작품에 초점을 맞추 었습니다. “”객관성 “. 그린버그에게있어서, 그림을 예술가의 실존 적 투쟁의 문서로 이해하는 열쇠는 그림이 응고되고 기름으로 뒤덮인 표면의 물리적 특성이었습니다.

Rosenberg의 비평이 바뀌 었습니다. 대상에서 투쟁 그 자체로의 강조는 완성 된 그림은 그림 창조의 행위 또는 과정에있는 실제 예술 작품의 물리적 표현, 일종의 잔류 물일뿐입니다.이 자발적인 활동은 팔과 손목의 움직임, 회화적인 몸짓, 붓놀림, 던져진 고통을 통한 화가의 “행동” t, 튀기고, 얼룩지고, 긁히고 떨어졌습니다. 화가는 때로 페인트를 캔버스에 떨어 뜨리고 리드미컬하게 춤을 추거나 캔버스에 서서 무의식에 따라 페인트를 떨어 뜨려 정신의 무의식적 인 부분이 자신을 주장하고 표현하게한다. 그러나이 모든 것은 순수한 창조 행위의 무의식적 표현이라고 생각되기 때문에 설명하거나 해석하기가 어렵습니다.

실제로 추상 표현주의라는 용어는 작업하는 많은 예술가에게 적용됩니다 (대부분). 아주 다른 스타일을 가지고 있었고, 특히 추상적이지도 표현 주의적이지 않은 작업에도 적용했습니다. “바쁜”느낌의 폴락의 에너지 넘치는 액션 페인팅은 De Kooning의 폭력적이고 기괴한 여성 시리즈와 기술적으로나 미학적으로 다릅니다. Woman V는 1950 년에서 1953 년 사이에 de Kooning이 만든 3/4 길이의 여성 인물을 묘사 한 6 개의 그림 시리즈 중 하나입니다. 그는 1950 년 6 월에 첫 번째 그림 인 Woman I을 시작하여 그림이 미완성으로 버려진 1952 년 1 월 또는 2 월까지 이미지를 반복적으로 변경하고 페인팅했습니다.미술사 학자 인 Meyer Schapiro는 곧 de Kooning의 작업실에서 그림을보고 예술가가 지속하도록 장려했습니다. De Kooning의 반응은 같은 주제로 다른 세 개의 그림을 시작하는 것이 었습니다. 여성 II, 여성 III 및 여성 IV. 1952 년 여름, East Hampton에서 보낸 de Kooning은 그림과 파스텔을 통해 주제를 더욱 탐구했습니다. 그는 6 월 말까지 또는 아마도 1952 년 11 월 말까지 Woman I에 대한 작업을 마쳤을 수 있으며 아마도 다른 세 명의 여성 사진이 거의 동시에 끝났을 것입니다. Woman 시리즈는 분명히 비유적인 그림입니다.

또 다른 중요한 예술가는 Franz Kline입니다. 잭슨 폴록과 다른 추상 표현 주의자들과 마찬가지로 클라인은 “자발적이고 강렬한 스타일로, 인물이나 이미지에 덜 집중하거나 전혀 집중하지 않고 실제 붓놀림과 캔버스 사용에 초점을 맞추기 때문에 액션 화가로 분류되었습니다. 그의 그림 번호 2 (1954)에 의해.

자동 쓰기는 제스처, 표면을 사용했던 Kline (흑백 그림에서), Pollock, Mark Tobey 및 Cy Twombly와 같은 액션 화가에게 중요한 수단이었습니다. , 그리고 언어를 닮은 붓글씨, 선형 기호 및 타래를 만들어 집단 무의식에서 강력한 표현으로 공명합니다. 스페인 공화국에 대한 Elegy 시리즈의 Robert Motherwell은 강력한 감정을 불러 일으키는 제스처, 표면 및 기호를 사용하여 강력한 흑백 그림을 그렸습니다.

반면 de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell 및 James Brooks와 같은 다른 액션 화가는 추상적 인 풍경을 통해 이미지를 사용하거나 표현 주의적 v로 이미지를 사용했습니다. 매우 개인적이고 강력한 연상을 표현하는 인물입니다. James Brooks의 그림은 1960 년대 후반과 1970 년대에 두드러진 Lyrical Abstraction과 관련하여 특히 시적이고 매우 현명했습니다.

Color fieldEdit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb 그리고 Mark Rothko의 작품에서 고요하게 반짝이는 색 블록 (일반적으로 표현주의 자라고 부르지 않고 Rothko가 추상이라고 부인 한 것이 아닙니다)은 Clement Greenberg가 추상 표현주의의 Color field 방향이라고 불렀지 만 추상 표현 주의자로 분류됩니다. . Hans Hofmann과 Robert Motherwell은 모두 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅의 실무자라고 편안하게 설명 할 수 있습니다. 1940 년대에 Richard Pousette-Dart의 밀접하게 구성된 이미지는 종종 신화와 신비주의의 주제에 의존했습니다. 그 10 년 동안 Gottlieb과 Pollock의 그림도 마찬가지였습니다.

색상 필드 그림은 처음에는 특정 유형의 추상 표현주의, 특히 Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt 및 Joan Miró의 여러 그림 시리즈의 작업. Greenberg는 Color Field 페인팅을 액션 페인팅과 관련이 있지만 다른 것으로 인식했습니다. Color Field 화가는 머더 웰, 스틸, 로스코, 고틀립, 한스 호프만, 헬렌 프 랭켄 탈러, 샘 프란시스, 마크 토비, 특히 MoMA 컬렉션에 걸작 Vir heroicus sublimis가있는 Ad Reinhardt와 Barnett Newman과 같은 예술가들은 자연에 대한 언급을 크게 줄였으며 고도로 명료하고 심리적으로 색상을 사용하여 그림을 그렸습니다. 일반적으로 이러한 예술가들은 Roth의 경우 인식 가능한 이미지를 제거했습니다. ko와 Gottlieb은 때때로 이미지 대신 기호와 기호를 사용합니다. 특정 예술가는 과거 또는 현재 예술에 대한 언급을 인용했지만 일반적으로 컬러 필드 페인팅은 그 자체로 추상화를 제공합니다. 이러한 현대 미술의 방향을 추구하면서 예술가들은 각 그림을 하나의 통일되고 응집력있는 모 놀리 식 이미지로 표현하기를 원했습니다.

Pollock 및 de Kooning과 같은 추상 표현 주의자의 감정적 에너지와 몸짓 표면 표시와는 달리, Color Field 화가는 처음에는 시원하고 엄숙한 것처럼 보였으며 넓고 평평한 색상 영역을 선호하는 개별 마크를 표현했습니다.이 아티스트는 캔버스의 실제 모양과 함께 시각적 추상화의 본질적인 특성으로 간주했습니다. 1960 년대에 Frank Stella는 특히 곡선과 직선 모서리의 조합으로 특이한 방식으로 달성했습니다. 그러나 컬러 필드 페인팅은 몸짓 추상 표현주의와는 다른 방식이지만 감각적이고 깊이 표현력이 있음이 입증되었습니다.

추상 표현주의가 미국 전역에 빠르게 퍼졌지만이 스타일의 주요 중심은 뉴욕시였습니다. 캘리포니아, 특히 뉴욕 학교와 샌프란시스코 베이 지역. 추상 표현주의 회화는 큰 캔버스의 사용, “전체”접근 방식을 포함하여 특정 특성을 공유합니다. 여기서 전체 캔버스는 동일한 중요성으로 처리됩니다 (가장자리보다 중심이 더 관심을 끄는 것과 반대).무대로서의 캔버스는 액션 페인팅의 신조가되었고, 그림 평면의 무결성은 컬러 필드 화가의 신조가되었습니다. 젊은 예술가들은 Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas 및 Robert Goodnough를 포함하여 1950 년대에 추상 표현주의 관련 그림을 전시하기 시작했습니다. .

Pollock은 스타일, 기술, 회화 적 촉감 및 페인트의 물리적 적용 때문에 액션 페인팅과 밀접한 관련이 있습니다. , 예술 평론가들은 Pollock을 액션 페인팅과 컬러 필드 페인팅에 비유했습니다. Greenberg가 발전시킨 또 다른 비판적 견해는 Pollock의 전체 캔버스를 1920 년대 클로드 모네의 대규모 수련과 연결합니다. Michael Fried, Greenberg 등의 미술 평론가들은 Pollock의 가장 유명한 작품 인 그의 드립 페인팅에서 전체적인 느낌이 구축 된 선형 요소의 광대 한 영역으로 읽히는 것을 관찰했습니다. 비슷한 가치를 지닌 페인트 타래와 색과 그림의 모든 분야에 속하며, 비슷한 가치를 지닌 브러시와 긁힌 자국으로 구성된 벽화 크기의 모네와 관련이 있습니다. 이는 또한 색과 그림의 분야로도 읽습니다. Pollock은 사용합니다. 전체적인 구성은 Newman, Rothko 및 Still과 같은 컬러 필드 화가가 파손되지 않고 스틸의 경우 부서진 표면을 구성하는 방식에 철학적, 물리적 연결을 제공합니다. Pollock이 그의 고전적인 드립 페인팅 기간 이후에 그린 여러 그림에서 1947 ~ 1950 년에 그는 유성 페인트와 집 페인트를 원시 캔버스에 염색하는 기술을 사용했으며 1951 년에는 일련의 반 구상적인 검은 색 얼룩 그림을 제작했으며 1952 년에는 얼룩 그림을 제작했습니다. 노래 색깔. 1952 년 11 월 뉴욕시 폴락의 시드니 재니스 갤러리에서 열린 그의 전시회에서 1952 년 12 월호는 밝게 채색 된 스테인드 풍경과 닮은 크고 뛰어난 스테인 페인팅 (넓게 뿌려진 짙은 페인트가 겹쳐진 그림)을 보여주었습니다. 이 그림은 넬슨 록펠러의 개인 소장품 전시회에서 획득했습니다.

아실 고르 키는 추상 표현주의의 창시자이자 초현실주의 자 중 한 명으로 여겨지지만, 그는 또한 최초의 화가 중 한 명이었습니다. 염색 기술을 사용한 뉴욕 학교. Gorky는 그의 많은 그림에서 근거로 사용했던 생생하고 개방적이며 깨지지 않는 색상의 넓은 분야를 만들었습니다. 1941 ~ 1948 년 사이에 가장 효과적이고 성취 된 고르 키의 그림에서 그는 강렬한 스테인드 컬러 필드를 일관되게 사용했으며, 익숙한 유기 및 생물 형태와 섬세한 선의 어휘 어휘 아래와 주변에서 페인트가 흘러 내리게했습니다. 1940 년대 작품이 1960 년대와 1970 년대의 스테인 페인팅을 떠올리게하는 표현주의자는 James Brooks입니다. Brooks는 1940 년대 후반부터 그의 그림에서 기법으로 스테인을 정기적으로 사용했습니다. Brooks는 유동적 인 색상을 가지기 위해 유화를 희석하기 시작했습니다. 그가 사용한 대부분의 원시 캔버스에 붓고 뚝뚝 떨어 뜨리고 얼룩을지게합니다.이 작품들은 종종 서예와 추상적 인 형태를 결합했습니다. 그의 경력의 마지막 30 년 동안 Sam Francis의 대규모 밝은 추상 표현주의 스타일은 색상과 밀접한 관련이 있습니다. 필드 페인팅. 그의 그림은 추상 표현주의 루 브릭, 액션 페인팅 및 컬러 필드 페인팅 내에서 두 진영에 걸쳐 있습니다.

폴락의 1951 년에 얇은 검은 유성 페인트를 원시 캔버스에 염색 한 그림을보고 Frankenthaler는 다양한 색상의 스테인 페인팅을 만들기 시작했습니다. 1952 년 원시 캔버스에 유화. 그 시대의 가장 유명한 그림은 산과 바다입니다. 그녀는 1950 년대 후반에 등장한 Color Field 운동의 창시자 중 한 명입니다. Frankenthaler도 Hans Hofmann과 함께 공부했습니다.

Hofmann의 그림은 The Gate, 1959-1960에서 볼 수있는 색상의 교향곡입니다. 그는 예술가로서뿐만 아니라 그의 고향 인 독일과 나중에 미국에서 미술 교사로도 유명했습니다. 1930 년대 초 독일에서 미국으로 건너온 호프만은 모더니즘의 유산을 가져 왔습니다. 1 차 세계 대전 이전 파리의 젊은 예술가 인 Hofmann은 Robert Delaunay와 함께 작업했으며 Picasso와 Matisse의 혁신적인 작업을 직접 알고있었습니다. Matisse의 작업은 그에게 막대한 영향을 미쳤고, 표현 언어에 대한 이해와 추상화의 잠재력에 큰 영향을 미쳤습니다. Hofmann은 색채 그림의 첫 번째 이론가 중 한 명이며 그의 이론은 예술가와 비평가에게 영향을 미쳤습니다. 특히 클레멘트 그린버그와 1930 년대와 1940 년대에 다른 사람들에게.1953 년 Morris Louis와 Kenneth Noland는 모두 뉴욕에있는 그녀의 스튜디오를 방문한 후 Helen Frankenthaler의 얼룩 그림에 깊은 영향을 받았습니다. 워싱턴 DC로 돌아와서 늦은 시간에 색채 운동을 만든 주요 작품을 제작하기 시작했습니다. 1950 년대.

1972 년 메트로폴리탄 미술관 큐레이터 Henry Geldzahler는 다음과 같이 말했습니다.

Clement Greenberg에는 Morris Louis와 Kenneth Noland가 1950 년대 초에 Kootz Gallery에서 한 쇼에 출연했습니다. Clem은 그들의 잠재력을 처음으로 보았습니다. 그는 1953 년에 그들을 뉴욕으로 초대했습니다. Helen의 스튜디오에 그림을보기 위해 초대 한 것 같습니다. 그녀가 방금 산과 바다라고 불렀습니다. 매우 아름다운 그림입니다. 어떤 의미에서는 폴록과 고르 키에서 나왔습니다. 그것은 또한 첫 번째 얼룩 그림 중 하나였으며, 얼룩 기술이 사용 된 최초의 큰 필드 그림 중 하나 였을 것입니다. Louis와 Noland는 자신의 스튜디오 바닥에서 사진이 펼쳐지는 것을보고 워싱턴 DC로 돌아간 다음 잠시 함께 작업하면서 이런 종류의 그림이 갖는 의미를 연구했습니다.

추상 표현주의 이후 1960 년대 편집

1950 년대와 1960 년대 추상 회화에서 John McLaughlin이 예시 한 Hard-edge 회화와 같은 몇 가지 새로운 방향이 등장했습니다. 한편, 추상 표현주의의 주관주의에 대한 반발로 다른 형태의 기하학적 추상이 아티스트 스튜디오와 급진적 아방가르드 서클에 등장하기 시작했다. 그린버그는 회화 후 추상화의 목소리가되었습니다. 1964 년 미국 전역의 중요한 미술관을 순회 한 영향력있는 새 그림 전시회를 큐레이팅했습니다. 컬러 필드 페인팅, 하드 엣지 페인팅 및 서정적 추상화가 급진적 인 새로운 방향으로 등장했습니다.