Espressionismo astratto

Seconda guerra mondiale e periodo postbellicoModifica

Durante il periodo precedente e durante la seconda guerra mondiale, artisti, scrittori e poeti modernisti , così come importanti collezionisti e commercianti, fuggirono dallEuropa e dallassalto dei nazisti per un rifugio sicuro negli Stati Uniti. Molti di coloro che non fuggirono morirono. Tra gli artisti e collezionisti che arrivarono a New York durante la guerra (alcuni con laiuto di Varian Fry) cerano Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Alcuni artisti, in particolare Picasso, Matisse e Pierre Bonnard rimasero in Francia e sopravvissero.

Il dopoguerra ha sconvolto le capitali europee, con lurgenza di ricostruirsi economicamente e fisicamente e di riorganizzarsi politicamente. A Parigi, un tempo centro della cultura europea e capitale del mondo dellarte, il clima per larte era un disastro e New York sostituì Parigi come nuovo centro del mondo dellarte. LEuropa del dopoguerra vide la continuazione del Surrealismo, del Cubismo, del Dada e delle opere di Matisse. Anche in Europa, Art brut e Lyrical Abstraction o Tachisme ( lequivalente europeo dellespressionismo astratto) k hold della nuova generazione. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier, tra gli altri, sono considerati figure importanti della pittura europea del dopoguerra. Negli Stati Uniti, una nuova generazione di artisti americani iniziò a emergere ea dominare la scena mondiale, e furono chiamati espressionisti astratti.

Gorky, Hofmann e GrahamEdit

Gli anni 40 a New York City annunciarono il trionfo dellespressionismo astratto americano, un movimento modernista che combinava lezioni apprese da Matisse, Picasso, Surrealismo, Miró, Cubismo, Fauvismo e il primo Modernismo attraverso i grandi insegnanti americani come Hans Hofmann dalla Germania e John D. Graham dallUcraina. Linfluenza di Graham sullarte americana durante i primi anni Quaranta fu particolarmente visibile nel lavoro di Gorky, de Kooning, Pollock e Richard Pousette-Dart tra gli altri. I contributi di Gorky allarte americana e mondiale sono difficili da sopravvalutare. Il suo lavoro di astrazione lirica era un “nuovo linguaggio. Ha” illuminato la strada per due generazioni di artisti americani “. La spontaneità pittorica di opere mature come The Liver is the Cock” s Comb, The Betrothal II e One Year the Milkweed ha immediatamente prefigurato lespressionismo astratto ei leader della New York School hanno riconosciuto la notevole influenza di Gorky. Anche i primi lavori di Hyman Bloom sono stati influenti. Gli artisti americani hanno anche beneficiato della presenza di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e André Il gruppo bretone, la galleria di Pierre Matisse e la galleria di Peggy Guggenheim The Art of This Century, così come altri fattori. Hans Hofmann in particolare come insegnante, mentore e artista fu sia importante che influente per lo sviluppo e il successo dellastratto espressionismo negli Stati Uniti. Tra i protetti di Hofmann cera Clement Greenberg, che divenne una voce enormemente influente per la pittura americana, e tra i suoi studenti cera Lee Krasner, che presentò il suo tè r, Hofmann, a suo marito, Jackson Pollock.

Pollock e influenze astratteModifica

Durante la fine degli anni Quaranta, lapproccio radicale alla pittura di Jackson Pollock ha rivoluzionato il potenziale di tutta larte contemporanea che lho seguito. In una certa misura, Pollock si rese conto che il viaggio verso la realizzazione di unopera darte era importante quanto lopera darte stessa. Come le innovative reinvenzioni di pittura e scultura di Picasso verso la fine del secolo attraverso il cubismo e la scultura costruita, con influenze disparate come i dipinti di sabbia navajo, il surrealismo, lanalisi junghiana e larte murale messicana, Pollock ha ridefinito cosa significava produrre arte. Il suo allontanamento dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità è stato un segnale liberatorio per gli artisti della sua epoca e per tutto ciò che è venuto dopo.Gli artisti si sono resi conto che il processo di Jackson Pollock: il posizionamento di una tela grezza non tesa sul pavimento dove poteva essere attaccata da tutti e quattro i lati utilizzando materiali per artisti e materiali industriali; matasse lineari di vernice gocciolate e gettate; disegno, colorazione, spazzolatura; immagini e non immaginario: essenzialmente ha portato la creazione artistica oltre ogni confine precedente. Lespressionismo astratto in generale ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità che gli artisti avevano a disposizione per la creazione di nuove opere darte.

Gli altri espressionisti astratti hanno seguito La svolta di Pollock con nuove scoperte proprie. In un certo senso le innovazioni di Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos e altri hanno aperto le porte alla diversità e la portata di tutta larte che li ha seguiti. I movimenti radicali anti-formalisti degli anni 60 e 70 tra cui Fluxus, Neo-Dada, Arte concettuale e il movimento artistico femminista possono essere ricondotti alle innovazioni dellespressionismo astratto. Le riletture sullarte astratta, fatte da storici dellarte come Linda Nochlin, Griselda Pollock e Catherine de Zegher, mostrano criticamente, tuttavia, che le artiste donne pioniere che hanno prodotto importanti innovazioni nellarte moderna erano state ignorate dai resoconti ufficiali della sua storia, ma alla fine iniziò a ottenere un riconoscimento atteso da tempo sulla scia del movimento espressionista astratto degli anni 40 e 50. Lespressionismo astratto è emerso come un importante movimento artistico a New York City negli anni 50 e da allora in poi diverse importanti gallerie darte hanno iniziato a includere gli espressionisti astratti nelle mostre e come clienti abituali nei loro elenchi. Alcune di quelle importanti gallerie “dei quartieri alti” includevano: la Charles Egan Gallery, la Sidney Janis Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Kootz Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery, la Leo Castelli Gallery e altre; e diverse gallerie del centro note allepoca come gallerie della Decima Strada esponevano molti giovani artisti emergenti che lavoravano nella vena espressionista astratta.

Pittura dazioneModifica

La pittura dazione era uno stile diffuso dagli anni 40 fino allinizio degli anni 60, ed è strettamente associato allespressionismo astratto (alcuni critici hanno usato i termini pittura dazione e espressionismo astratto in modo intercambiabile). Spesso si fa un confronto tra laction painting americana e il tachisme francese.

Il termine è stato coniato dal critico americano Harold Rosenberg nel 1952 e ha segnato un importante cambiamento nella prospettiva estetica dei pittori e dei critici della New York School . Secondo Rosenberg la tela era “unarena in cui agire”. Mentre espressionisti astratti come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning erano stati a lungo schietti nella loro visione di un dipinto come unarena allinterno della quale venire a patti con latto della creazione, i primi critici simpatizzarono per la loro causa, come Clement Greenberg, focalizzata sulla “” oggettività “delle loro opere. Per Greenberg, era la fisicità delle” superfici raggrinzite e incrostate di olio che era la chiave per comprenderle come documenti della “lotta esistenziale degli artisti.

La critica di Rosenberg è cambiata lenfasi dalloggetto alla lotta stessa, con il dipinto finito che era solo la manifestazione fisica, una sorta di residuo, dellopera darte reale, che era nellatto o nel processo della creazione del dipinto. Questa attività spontanea era l “azione” del pittore, attraverso il movimento del braccio e del polso, i gesti pittorici, le pennellate, il dolore lanciato t, schizzato, macchiato, sgocciolato e sgocciolato. Il pittore a volte lasciava che la pittura gocciolasse sulla tela, mentre ballava ritmicamente, o anche in piedi sulla tela, a volte lasciava cadere la pittura secondo il subconscio, lasciando così che la parte inconscia della psiche si affermasse ed esprimesse se stessa. Tutto questo, tuttavia, è difficile da spiegare o interpretare perché è una presunta manifestazione inconscia dellatto di pura creazione.

In pratica, il termine espressionismo astratto viene applicato a un numero qualsiasi di artisti che lavorano (principalmente) a New York che aveva stili abbastanza diversi e si applicava persino a lavori non particolarmente astratti né espressionisti. Gli energici action painting di Pollock, con la loro sensazione di “frenesia”, sono diversi sia tecnicamente che esteticamente, dalla violenta e grottesca serie Women di De Kooning. La donna V fa parte di una serie di sei dipinti realizzati da de Kooning tra il 1950 e il 1953 che raffigurano una figura femminile di tre quarti. Ha iniziato il primo di questi dipinti, Donna I, nel giugno 1950, cambiando e dipingendo ripetutamente limmagine fino a gennaio o febbraio 1952, quando il dipinto è stato abbandonato incompiuto.Lo storico dellarte Meyer Schapiro vide il dipinto nello studio di de Kooning subito dopo e incoraggiò lartista a persistere. La risposta di De Kooning fu di iniziare altri tre dipinti sullo stesso tema; Donna II, Donna III e Donna IV. Durante lestate del 1952, trascorsa a East Hampton, de Kooning esplorò ulteriormente il tema attraverso disegni e pastelli. Potrebbe aver terminato il lavoro su Woman I entro la fine di giugno, o forse fino al novembre 1952, e probabilmente le altre tre foto di donne si sono concluse più o meno nello stesso periodo. Le serie Woman sono quadri decisamente figurativi.

Altro artista importante è Franz Kline. Come con Jackson Pollock e altri espressionisti astratti, Kline è stato etichettato come un “pittore dazione a causa del suo stile apparentemente spontaneo e intenso, concentrandosi meno, o per niente, su figure o immagini, ma sulle pennellate effettive e sulluso della tela; come dimostrato dal suo dipinto Numero 2 (1954).

La scrittura automatica era un veicolo importante per pittori dazione come Kline (nei suoi dipinti in bianco e nero), Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly, che usavano il gesto, la superficie , e la linea per creare simboli calligrafici e lineari e matasse che assomigliano al linguaggio e risuonano come potenti manifestazioni dellinconscio Collettivo. Robert Motherwell nella sua serie Elegy to the Spanish Republic ha dipinto potenti dipinti in bianco e nero usando gesti, superfici e simboli che evocano potenti emozioni addebiti.

Nel frattempo, altri pittori dazione, in particolare de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks, usavano immagini tramite paesaggi astratti o come espressionisti isioni della figura per articolare le loro personali e potenti evocazioni. I dipinti di James Brooks “erano particolarmente poetici e altamente preveggenti in relazione allastrazione lirica che divenne prominente alla fine degli anni 60 e 70.

Campo coloreModifica

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb ei blocchi di colore serenamente scintillanti nellopera di Mark Rothko (che non è ciò che di solito si chiamerebbe espressionista e che Rothko negava fosse astratto), sono classificati come espressionisti astratti, sebbene da ciò che Clement Greenberg definì la direzione del campo del colore dellespressionismo astratto . Sia Hans Hofmann che Robert Motherwell possono essere tranquillamente descritti come praticanti di Action painting e Color field painting. Negli anni Quaranta, limmaginario ben costruito di Richard Pousette-Dart dipendeva spesso da temi di mitologia e misticismo, così come i dipinti di Gottlieb e Pollock in quel decennio.

La pittura Color Field inizialmente si riferiva a un particolare tipo di espressionismo astratto, in particolare il lavoro di Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt e diverse serie di dipinti di Joan Miró. Greenberg percepiva la pittura Color Field come correlata ma diversa dalla pittura dazione. I pittori Color Field cercavano per liberare la loro arte dalla retorica superflua. Artisti come Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey e in particolare Ad Reinhardt e Barnett Newman, il cui capolavoro Vir heroicus sublimis è nella collezione del MoMA, utilizzavano riferimenti alla natura molto ridotti e dipingevano con un uso del colore altamente articolato e psicologico. In generale questi artisti eliminarono immagini riconoscibili, nel caso di Roth ko e Gottlieb a volte usano simboli e segni in sostituzione delle immagini. Alcuni artisti hanno citato riferimenti allarte passata o presente, ma in generale la pittura sul campo del colore presenta lastrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dellarte moderna, gli artisti volevano presentare ogni dipinto come unimmagine unificata, coesa e monolitica.

A differenza dellenergia emotiva e dei segni superficiali gestuali di espressionisti astratti come Pollock e de Kooning, i pittori di Color Field inizialmente apparivano freddi e austeri, cancellando il segno individuale a favore di aree di colore grandi e piatte, che questi artisti consideravano la natura essenziale dellastrazione visiva, insieme alla forma effettiva della tela, che in seguito negli anni 60 Frank Stella, in particolare, ottenne risultati insoliti con combinazioni di bordi curvi e diritti. Tuttavia la pittura Color Field ha dimostrato di essere sia sensuale che profondamente espressiva, anche se in modo diverso dallespressionismo astratto gestuale.

Sebbene lespressionismo astratto si diffuse rapidamente negli Stati Uniti, i centri principali di questo stile furono New York City. e la California, specialmente nella New York School e nella zona della Baia di San Francisco. I dipinti espressionisti astratti condividono alcune caratteristiche, tra cui luso di grandi tele, un approccio “all-over”, in cui lintera tela è trattata con uguale importanza (in contrasto con il centro che è di maggiore interesse rispetto ai bordi).La tela come arena divenne un credo dellAction painting, mentre lintegrità del piano pittorico divenne un credo dei pittori del campo Color. Artisti più giovani hanno iniziato a esporre i loro dipinti relativi allespressionismo astratto durante gli anni 50, tra cui Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough tra gli altri .

Sebbene Pollock sia strettamente associato allaction painting a causa del suo stile, della sua tecnica, del suo tocco pittorico e della sua applicazione fisica della pittura , i critici darte hanno paragonato Pollock sia alla pittura dazione che alla pittura a colori. Unaltra visione critica avanzata da Greenberg collega le tele allover di Pollock alle ninfee su larga scala di Claude Monet realizzate negli anni 20. Critici darte come Michael Fried, Greenberg e altri hanno osservato che la sensazione generale nelle opere più famose di Pollock – i suoi dipinti a goccia – si legge come vasti campi di elementi lineari costruiti. Notano che queste opere spesso si leggono come vasti complessi di matasse di pittura di valore simile e campi di colore e disegno all-over, e sono correlati ai Monet di dimensioni murali che sono similmente costruiti con segni di valore vicino spazzolato e sbiancato che si leggono anche come campi di colore e disegno. Uso di Pollock di composizione all-over conferiscono una connessione filosofica e fisica al modo in cui i pittori del campo del colore come Newman, Rothko e Still costruiscono le loro superfici ininterrotte e nel caso di Still. In diversi dipinti che Pollock dipinse dopo il suo classico periodo di pittura a goccia di 1947-1950, ha utilizzato la tecnica di colorare pittura a olio fluida e pittura domestica su tela grezza. Durante il 1951 ha prodotto una serie di pitture a macchie nere semi-figurative, e nel 1952 ha prodotto pitture a macchie u cantare il colore. Nella sua mostra del novembre 1952 alla Sidney Janis Gallery di New York City Pollock mostrò il numero 12, 1952, un grande e magistrale dipinto a macchie che ricorda un paesaggio colorato dai colori vivaci (con una sovrapposizione di vernice scura ampiamente gocciolante); il dipinto è stato acquistato dalla mostra di Nelson Rockefeller per la sua collezione personale.

Mentre Arshile Gorky è considerato uno dei padri fondatori dellespressionismo astratto e un surrealista, è stato anche uno dei primi pittori di la New York School che ha utilizzato la tecnica della colorazione. Gorky ha creato ampi campi di colori vividi, aperti e ininterrotti che ha usato in molti dei suoi dipinti come terreno. Nei dipinti più efficaci e compiuti di Gorky tra gli anni 1941-1948, utilizzava costantemente intensi campi di colore macchiati, spesso lasciando che la pittura colasse e colasse, sotto e intorno al suo lessico familiare di forme organiche e biomorfiche e linee delicate. lespressionista le cui opere negli anni 40 richiamano alla mente le pitture a macchia degli anni 60 e 70 è James Brooks. Brooks usava regolarmente la macchia come tecnica nei suoi dipinti dalla fine degli anni 40. Brooks iniziò a diluire la sua pittura ad olio per avere colori fluidi con che versare e gocciolare e macchiare sulla tela per lo più grezza che ha usato. Queste opere spesso combinavano calligrafia e forme astratte. Durante gli ultimi tre decenni della sua carriera, lo stile di Sam Francis di espressionismo astratto luminoso su larga scala è stato strettamente associato al colore pittura sul campo. I suoi dipinti si trovavano a cavallo tra entrambi i campi allinterno della rubrica espressionista astratto, Action painting e Color Field painting.

Avendo visto i dipinti di Pollock del 1951 di pittura ad olio nera diluita macchiati su tela grezza, Frankenthaler iniziò a produrre pitture a macchie in vari colori ad olio su tela grezza nel 1952. Il suo dipinto più famoso di quel periodo è Montagne e Mare. È una degli ideatori del movimento Color Field emerso alla fine degli anni 50. Frankenthaler studiò anche con Hans Hofmann.

Hofmann sono una sinfonia di colori come si vede in The Gate, 1959–1960. Era rinomato non solo come artista ma anche come insegnante darte, sia nella sua nativa Germania che successivamente negli Stati Uniti. Hofmann, arrivato negli Stati Uniti dalla Germania allinizio degli anni 30, portò con sé leredità del Modernismo. Come giovane artista nella Parigi prima della prima guerra mondiale, Hofmann ha lavorato con Robert Delaunay e conosceva in prima persona il lavoro innovativo di Picasso e Matisse. Il lavoro di Matisse ha avuto unenorme influenza su di lui e sulla sua comprensione del linguaggio espressivo del colore e della potenzialità dellastrazione. Hofmann è stato uno dei primi teorici della pittura sul campo del colore e le sue teorie hanno influenzato artisti e critici, in particolare a Clement Greenberg, così come ad altri durante gli anni 30 e 40.Nel 1953 Morris Louis e Kenneth Noland furono entrambi profondamente influenzati dalle pitture a macchia di Helen Frankenthaler dopo aver visitato il suo studio a New York. Ritornati a Washington, DC, iniziarono a produrre le opere principali che crearono il movimento dei campi di colore alla fine Anni 50.

Nel 1972 lallora curatore del Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler disse:

Clement Greenberg includeva il lavoro di Morris Louis e Kenneth Noland in una mostra che fece alla Kootz Gallery nei primi anni 50. Clem fu il primo a vedere il loro potenziale. Li invitò a New York nel 1953, credo, nello studio di Helen per vedere un dipinto che aveva appena fatto intitolato Montagne e mare, un dipinto molto, molto bello, che in un certo senso era uscito da Pollock e da Gorky. È stata anche una delle prime immagini con macchie, una delle prime immagini di grandi dimensioni in cui è stata utilizzata la tecnica delle macchie, forse la prima. Louis e Noland videro la foto srotolata sul pavimento del suo studio e tornarono a Washington, DC., E lavorarono insieme per un po , lavorando sulle implicazioni di questo tipo di pittura.

Negli anni 60 dopo lespressionismo astrattoModifica

Nella pittura astratta degli anni Cinquanta e Sessanta sono emerse diverse nuove direzioni, come la pittura Hard-edge esemplificata da John McLaughlin. Nel frattempo, come reazione contro il soggettivismo dellespressionismo astratto, altre forme di astrazione geometrica iniziarono ad apparire negli studi degli artisti e nei circoli di avanguardia radicale. Greenberg divenne la voce dellastrazione post-pittorica; curando uninfluente mostra di nuova pittura che ha visitato importanti musei darte negli Stati Uniti nel 1964. La pittura a colori, la pittura hard-edge e lastrazione lirica sono emerse come nuove direzioni radicali.