Absztrakt expresszionizmus

A második világháború és a háború utáni időszakEdit

A második világháború előtti és alatti időszakban modernista művészek, írók és költők , valamint fontos gyűjtők és kereskedők elmenekültek Európából és a nácik támadásáról az Egyesült Államok biztonságos menedékhelyéért. Sokan, akik nem menekültek, elpusztultak. A háború alatt New Yorkba érkezett művészek és gyűjtők között (néhányan Varian Fry segítségével) Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger és Piet Mondrian. Néhány művész, nevezetesen Picasso, Matisse és Pierre Bonnard, Franciaországban maradt és életben maradt.

A háború utáni időszak felszakadásban hagyta el Európa fővárosait, sürgősen gazdaságilag és fizikailag újjáépíteni és politikailag átcsoportosulni. Párizsban, amely korábban az európai kultúra központja és a művészeti világ fővárosa volt, a művészet éghajlata katasztrófa következtében New York váltotta Párizst a művészeti világ új központjaként. A háború utáni Európában folytatódott a szürrealizmus, a kubizmus, a Dada és Matisse művei. Európában is az Art brut és a Lyrical Abstraction vagy a Tachisme ( az absztrakt expresszionizmus európai megfelelője) is k tartsa a legújabb generációt. A háború utáni európai festészet fontos alakjainak számítanak többek között Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages és Jean Messagier. Az Egyesült Államokban az amerikai művészek új generációja kezdett megjelenni és uralni a világ színterét, és absztrakt expresszionistáknak hívták őket.

Gorky, Hofmann és GrahamEdit

Az 1940-es évek New York-ban az amerikai absztrakt expresszionizmus diadalát hirdette, egy modernista mozgalmat, amely ötvözte Matisse, Picasso, szürrealizmus, Miró, kubizmus, fauvizmus és a kora modernizmus olyan nagyszerű amerikai tanárok révén, mint a német Hans Hofmann és az ukrán John D. Graham. Graham amerikai művészetre gyakorolt hatása az 1940-es évek elején különösen Gorky, de Kooning, Pollock és Richard Pousette-Dart munkásságában volt látható. Gorky amerikai és világművészethez való hozzájárulását nehéz túlbecsülni. Lírai absztrakcióként végzett munkája “új nyelv volt.” Megvilágította az utat az amerikai művészek két generációja előtt “. Az olyan érett művek festői spontaneitása, mint a Máj a kakas fésűje, A jegyes II és az Egy év a tejfű azonnal előkészítette az absztrakt expresszionizmust, és a New York-i iskola vezetői elismerték Gorky jelentős befolyását. Hyman Bloom korai munkája is befolyásos volt. Az amerikai művészek is profitáltak Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst és az André jelenlétéből. A Breton csoport, Pierre Matisse és Peggy Guggenheim Az évszázad művészete galéria, valamint egyéb tényezők. Különösen Hans Hofmann mint tanár, mentor és művész egyaránt fontos és befolyásoló tényező volt az absztrakt fejlődésében és sikerében expresszionizmus az Egyesült Államokban. Hofmann pártfogói között volt Clement Greenberg, aki az amerikai festészet rendkívül befolyásos hangjává vált, és tanítványai között Lee Krasner volt, aki bemutatta tanárnőjét. r, Hofmann, férjének, Jackson Pollocknak.

Pollock és az absztrakt befolyásoljaSzerkesztés

Az 1940-es évek végén Jackson Pollock radikális festészeti megközelítése forradalmasította az összes kortárs művészet lehetőségeit, amelyek követte őt. Bizonyos mértékben Pollock rájött, hogy a műalkotás felé vezető út ugyanolyan fontos, mint maga a műalkotás. Mint Picasso a századvég közelében, a festészet és a szobrászat innovatív újrafeltalálásai a kubizmus és az épített szobrászat révén, olyan eltérő hatásokkal, mint a navajói homokfestmények, a szürrealizmus, a jungi elemzések és a mexikói falfestmény művészete, Pollock újradefiniálta a művészet előállítását. A festőállvány festésétől és a konvencionalitástól való elmozdulása felszabadító jel volt kora művészeinek és mindennek, ami utána következett.A művészek rájöttek, hogy Jackson Pollock folyamata – nyújtatlan nyers vászon elhelyezése a padlón, ahol művészi anyagok és ipari anyagok felhasználásával mind a négy oldalról megtámadható; lineáris festék gombolyagok csöpögtek és dobódtak; rajzolás, festés, ecsetelés; képek és nem képalkotás – lényegében a művészetalkotást minden előzetes határon túlra vitte. Az absztrakt expresszionizmus általában kibővítette és továbbfejlesztette azokat a definíciókat és lehetőségeket, amelyek a művészek rendelkezésére álltak új műalkotások létrehozásához.

A többi absztrakt expresszionista követte Pollock áttörése saját új áttörésekkel. Bizonyos értelemben Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos és mások újításai nyitották meg a sokoldalúság kapuit. és az őket követő művészet terjedelme. Az 1960-as és 1970-es évek radikális anti-formalistai mozgalmai, köztük a Fluxus, a Neo-Dada, a Koncepcionális művészet és a feminista művészeti mozgalom az absztrakt expresszionizmus újításaira vezethetők vissza. Az absztrakt művészetbe történő újraolvasások, amelyeket olyan művészettörténészek végeztek, mint Linda Nochlin, Griselda Pollock és Catherine de Zegher, kritikusan azt mutatják, hogy az úttörő női művészeket, akik jelentős újításokat produkáltak a modern művészetben, a történelem hivatalos beszámolói figyelmen kívül hagytak, az 1940-es és 1950-es évek absztrakt expresszionista mozgalma nyomán kezdett régóta esedékes elismerést elérni. Az absztrakt expresszionizmus az ötvenes években jelentõs mûvészeti mozgalomként jelent meg New York Cityben, és ezt követõen számos vezetõ mûvészeti galéria kezdte az absztrakt expresszionistákat kiállításokon és törzsvendégként szerepeltetni a névjegyzékben. Néhány kiemelkedő “belvárosi” galéria a következőket tartalmazta: a Charles Egan Galéria, a Sidney Janis Galéria, a Betty Parsons Galéria, a Kootz Galéria, a Tibor de Nagy Tibor, az Istálló Galéria, a Leo Castelli Galéria és mások; és számos belvárosi galéria, amely akkoriban a Tíz utcai galéria néven ismert, sok feltörekvő, fiatalabb művészt mutat be absztrakt expresszionista irányban.

AkciófestésEdit

Az akciófestés az 1940-es évektől elterjedt stílus volt. az 1960-as évek elejéig, és szorosan kapcsolódik az absztrakt expresszionizmushoz (néhány kritikus felváltva használta az akciófestés és az absztrakt expresszionizmus kifejezéseket). Gyakran hasonlítanak össze az amerikai akciófestmény és a francia tachisme között.

A kifejezést Harold Rosenberg amerikai kritikus alkotta meg 1952-ben, és jelentős elmozdulást jelzett a New York-i iskola festőinek és kritikusainak esztétikai perspektívájában. . Rosenberg szerint a vászon “színtér volt, amelyben cselekedni lehet”. Míg az absztrakt expresszionisták, mint Jackson Pollock, Franz Kline és Willem de Kooning, már régóta szókimondóak voltak a festményről, mint olyan arénáról, amelyen belül meg tudnak egyezni az alkotás aktusával, a korábbi kritikusok, akik szimpatikusak az ügyükkel, mint például Clement Greenberg, műveikre “” tárgyilagosságukra “összpontosítottak. Greenberg számára a festmények fizikális jellege volt az” alvadt és olajbarnított felületek “, amely kulcsot jelentett ahhoz, hogy megértsük őket, mint a művészek dokumentumait” egzisztenciális küzdelem.

Rosenberg kritikája elmozdult a hangsúly a tárgytól a küzdelemig, a kész festmény csak a fizikai megnyilvánulása, egyfajta maradványa a tényleges műalkotásnak, amely a festmény létrehozásának aktusában vagy folyamatában volt. Ez a spontán tevékenység a festő “cselekedete” a kar és a csukló mozgásával, festői mozdulatokkal, ecsetvonásokkal, dobott fájdalommal t, fröccsenő, foltos, széthúzott és csöpögött. A festő néha hagyta, hogy a festék a vászonra csöpögjön, miközben ritmikusan táncolt, vagy akár a vásznon állt, néha hagyta, hogy a festék a tudatalatti elme szerint lehulljon, így hagyva a psziché tudattalan részét érvényesülni és kifejezni magát. Mindezt azonban nehéz megmagyarázni vagy értelmezni, mert a tiszta teremtés cselekedetének feltételezett tudattalan megnyilvánulása.

A gyakorlatban az absztrakt expresszionizmus kifejezést bármilyen (többnyire) dolgozó művészre alkalmazzák. New Yorkban, akiknek egészen más stílusa volt, sőt olyan munkára is alkalmazták, amely nem különösebben elvont és nem expresszionista. Pollock energikus akciófestményei “elfoglalt” hangulatukkal mind technikailag, mind esztétikailag különböznek De Kooning erőszakos és groteszk Women sorozatától. Az V. nő egyike annak a hat festmény-sorozatnak, amelyet de Kooning készített 1950 és 1953 között, és háromnegyed hosszú női alakot ábrázol. Az első ilyen festményt, az I. nőt 1950 júniusában kezdte meg, és többször megváltoztatta és festette a képet egészen 1952 januárjáig vagy februárjáig, amikor a festmény befejezetlen volt.Meyer Schapiro művészettörténész nem sokkal később de Kooning műtermében látta a festményt, és arra ösztönözte a művészt, hogy kitartson. De Kooning válasza az volt, hogy három másik, ugyanazon témájú festményt kezdjen el; Nő II, Nő III és Nő IV. 1952 nyarán, amelyet East Hampton töltött, de Kooning rajzokon és pasztelleken keresztül vizsgálta tovább a témát. Lehet, hogy június végéig, esetleg 1952 novemberéig befejezte az I. nő munkáját, és valószínűleg a másik három nőkép nagyjából egy időben készült el. A Woman sorozat kifejezetten figuratív festmények.

Egy másik fontos művész Franz Kline. Csakúgy, mint Jackson Pollocknál és más absztrakt expresszionistáknál, Kline-t is “akciófestőnek” bélyegezték, látszólag spontán és intenzív stílusa miatt, kevésbé vagy egyáltalán nem az ábrákra vagy képekre, hanem a tényleges ecsetvonásokra és a vászon használatára összpontosított; 2. számú festménye (1954).

Az automatikus írás fontos akciófestők számára volt olyan eszköz, mint Kline (fekete-fehér festményein), Pollock, Mark Tobey és Cy Twombly, akik gesztust, felületet használtak , és a vonal kalligrafikus, lineáris szimbólumok és gombolyagok létrehozására, amelyek hasonlítanak a nyelvre, és a kollektív tudattalan erőteljes megnyilvánulásaként hangzanak el. Robert Motherwell az Elégia a Spanyol Köztársaság című sorozatában erőteljes fekete-fehér festményeket festett gesztus, felület és szimbólum segítségével, amely erős érzelmi érzelmeket vált ki díjak.

Eközben más akciófestők, nevezetesen de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell és James Brooks, absztrakt tájban vagy expresszionista vként használták fel a képeket. az alak elképzelései, hogy megfogalmazzák rendkívül személyes és erőteljes idézeteiket. James Brooks “festményei különösen poétikusak és rendkívül előzékenyek voltak az 1960-as évek végén és az 1970-es években kiemelt jelentőségű lírai absztrakció kapcsán.

Color fieldEdit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb és Mark Rothko művében a derűsen csillogó színű tömbök (amelyeket nem szokás expresszionistának nevezni, és amelyeket Rothko tagadott, elvontak) absztrakt expresszionistáknak minősülnek, bár abból, amit Clement Greenberg az absztrakt expresszionizmus színmezőjének irányának nevezett . Hans Hofmann és Robert Motherwell is kényelmesen leírhatók az Akciófestés és a Színmezőfestés gyakorlóként. Az 1940-es években Richard Pousette-Dart szorosan felépített képzete gyakran a mitológia és a misztika témáitól függött; akárcsak Gottlieb és Pollock festményei abban az évtizedben.

A Color Field festészet eredetileg egy az absztrakt expresszionizmus sajátos típusa, különös tekintettel Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt munkájára és Joan Miró számos festménysorozatára. Greenberg a színmezõi festészetet az akciófestéssel összefüggõnek, de attól eltérõnek tartotta. A színmezõ festõi hogy megszabadítsák művészetüket a felesleges retorikától. Olyan művészek, mint Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, különösen Ad Reinhardt és Barnett Newman, akiknek a Vir heroicus sublimis remekműve a MoMA gyűjteményében található, nagymértékben csökkentették a természetre való hivatkozásokat, és nagyon artikulált és pszichológiai színhasználattal festettek, ezek a művészek általában felszámolták a felismerhető képeket, Roth esetében ko és Gottlieb néha szimbólumot és jelet használnak a képek helyettesítésére. Bizonyos művészek a múlt vagy a jelen művészetére hivatkoztak, de általában a színmezőfestés az absztrakciót öncélként mutatja be. A modern művészet ezen irányának követése során a művészek minden festményt egy egységes, összetartó, monolit képként akartak bemutatni.

Az olyan absztrakt expresszionisták, mint Pollock és de Kooning, érzelmi energiája és gesztusos felületi jegyei, a Színmező festői kezdetben hűvösnek és szigorúnak tűntek, elnyomva az egyéni védjegyet a nagy, lapos színterületek javára, amelyet ezek a művészek a vizuális absztrakció alapvető természetének tekintettek, valamint a vászon tényleges alakját, amely később az 1960-as években különösen Frank Stella szokatlan módon ért el ívelt és egyenes élek kombinációjával. A színmezős festészet azonban érzéki és mélyen kifejezőnek bizonyult, bár a gesztusos elvont expresszionizmustól eltérő módon.

Bár az absztrakt expresszionizmus gyorsan elterjedt az Egyesült Államokban, ennek a stílusnak a fő központjai New York City voltak. és Kaliforniában, különösen a New York-i iskolában és a San Francisco-öböl térségében. Az absztrakt expresszionista festmények bizonyos jellemzőkkel bírnak, beleértve a nagy vásznak használatát, az “all-over” megközelítést, amelyben az egész vásznat ugyanolyan fontossággal kezelik (szemben azzal, hogy a központ jobban érdekelt, mint az élek).A vászon, mint az aréna, az Action festészet, míg a képsík integritása a Color mezőfestők hitelképévé vált. A fiatalabb művészek az 1950-es években kezdték el bemutatni absztrakt expresszionista festményeiket, többek között Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas és Robert Goodnough .

Bár Pollock stílusa, technikája, festői tapintása és a festék fizikai alkalmazása miatt szorosan kapcsolódik az Akciófestéshez A művészetkritikusok Pollockot mind az akciófestéshez, mind a színes színfestéshez hasonlították. A Greenberg által előterjesztett másik kritikus nézet összeköti Pollock összes vásznát a Claude Monet 1920-as években készített nagyszabású vízililiomjaival. Az olyan műkritikusok, mint Michael Fried, Greenberg és mások, megfigyelték, hogy Pollock leghíresebb műveiben – csepegtető festményeiben – az általános érzés beépített lineáris elemek hatalmas mezőként olvasható. Megjegyzik, hogy ezek a művek gyakran a hasonlóan értékelt festékgombák és az egész szín- és rajzmezők, és kapcsolódnak a falfestmény nagyságú Monets-hez, amelyek hasonlóan fel vannak építve közeli értékű, ecsetelt és szétmarcangolt jelekből, amelyek szín- és rajzmezőként is olvashatók. Az egész kompozíció filozófiai és fizikai kapcsolatot kölcsönöz ahhoz a módhoz, ahogy a színmezőfestők, mint Newman, Rothko és Still, töretlen és még mindig törött felületüket építik fel. Több olyan festményen, amelyeket Pollock a klasszikus csepegtető festési periódus után festett: 1947–1950 folyékony olajfesték és házfesték nyers vászonra festésének technikáját alkalmazta. 1951-ben félig figuratív fekete foltos festmények sorozatát, 1952-ben pedig foltos festményeket készített. énekelj színt. A New York-i Sidney Janis Galériában 1952 novemberében kiállított kiállításán a Pollock 1952. évi 12. számot mutatott be, egy nagyméretű, mesteri foltos festményt, amely hasonlít egy élénk színű foltos tájra (egy szélesen csöpögött sötét festék fedvényével); a festményt Nelson Rockefeller vásárolta ki személyes gyűjteményéért.

Míg Arshile Gorkyt az absztrakt expresszionizmus egyik alapító atyjának és szürrealistának tartják, ő volt az első festők egyike is. a New York-i iskola, aki a festés technikáját alkalmazta. Gorkij széles, élénk, nyitott, töretlen színű mezőket hozott létre, amelyeket számos festményén alapként használt. Gorkij 1941–1948 közötti leghatékonyabb és legeredményesebb festményein folyamatosan alkalmazott intenzív festett színmezőket, gyakran hagyva a festéket futni és csöpögni az organikus és biomorf alakzatok és finom vonalak ismert lexikonja alatt és környékén. expresszionista, akinek az 1940-es évek művei az 1960-as és 1970-es évek foltos festményeire emlékeztetnek, James Brooks. Brooks rendszeresen használta a foltot az 1940-es évek végi festményein. Brooks hígítani kezdte olajfestékét, hogy folyékony színei legyenek amelyet önteni, csöpögtetni és foltozni az általa használt többnyire nyers vászonba. Ezek a művek gyakran ötvözték a kalligráfiát és az absztrakt formákat. Pályafutásának utolsó három évtizedében Sam Francis “nagyszabású, fényes absztrakt expresszionizmus stílusa szorosan társult a színnel terepfestés. Festményei az absztrakt expresszionista rovatban, az Akciófestés és a Színmező festményein belül helyezkedtek el.

Miután látta Pollock 1951-ben készített, elvékonyított fekete olajfestékeit nyers vászonba festve, Frankenthaler foltos festményeket kezdett gyártani változatos formában. olajszínek nyers vásznon 1952-ben. Leghíresebb festménye abból az időszakból a Hegyek és a tenger. Ő az ötvenes évek végén felbukkanó Színmező mozgalom egyik kezdeményezője. Frankenthaler is tanult Hans Hofmannnál.

Hofmann festményei színes szimfóniák, amint azt a Kapu 1959–1960-ban láthatja. Nemcsak művészként, hanem művészeti tanárként is híres volt mind szülőföldjén, mind később az Egyesült Államokban. Hofmann, aki az 1930-as évek elején Németországból érkezett az Egyesült Államokba, magával hozta a modernizmus örökségét. Fiatal művészként az első világháború előtti Párizsban Hofmann Robert Delaunay-vel dolgozott, és első kézből ismerte Picasso és Matisse innovatív munkásságát. Matisse munkája óriási hatással volt rá, valamint a kifejező színnyelv és az absztrakció potenciáljának megértésére. Hofmann a színmezőfestés egyik első teoretikusa volt, elméletei a művészekre és a kritikusokra is hatással voltak, különösen Clement Greenbergnek, valamint másoknak az 1930-as és 1940-es években.1953-ban Morris Louis és Kenneth Noland mindkettőre mély hatást gyakoroltak Helen Frankenthaler festékfestményei, miután meglátogatták New York-i stúdióját. Washingtonba visszatérve, elkezdték gyártani azokat a főbb műveket, amelyek késő végén létrehozták a színmező mozgását. 1950-es évek.

1972-ben a Metropolitan Museum of Art kurátora, Henry Geldzahler azt mondta:

Clement Greenberg Morris Louis és Kenneth Noland az ötvenes évek elején a Kootz Galériában tett show-ban. Clem volt az első, aki megismerte a lehetőségeiket. 1953-ban New Yorkba hívta őket, azt hiszem, Helen stúdiójába, hogy megnézzen egy festményt. hogy nemrégiben a Hegyek és a tenger nevet viselte, egy nagyon-nagyon szép festményt, amely bizonyos értelemben Pollockból és Gorkiból volt. Ez volt az egyik első foltos kép, az egyik első nagy terepi kép, amelyben a foltos technikát alkalmazták, talán az első. Louis és Noland látta, hogy a kép a stúdiója padlóján kigördült, visszament Washington DC-be, és egy ideig együtt dolgozott, és ezen a festményen dolgozott.

Az 1960-as években az absztrakt expresszionizmus utánEdit

Az ötvenes és hatvanas évekbeli absztrakt festészetben több új irány is megjelent, mint például a Hard-edge festmény, amelyet John McLaughlin példázott. Eközben az absztrakt expresszionizmus szubjektivizmusával szembeni reakcióként a művészi stúdiókban és a radikális avantgárd körökben a geometriai absztrakció egyéb formái kezdtek megjelenni. Greenberg lett a festő utáni absztrakció hangja; egy hatásos új festmény kiállítás kurátorával, amely 1964-ben bejárta az Egyesült Államok fontos művészeti múzeumait. A színes mezei festészet, a keményfestésű festészet és a lírai absztrakció radikális új irányként jelent meg.