Expresionismo abstracto

Segunda Guerra Mundial y la posguerraEditar

Durante el período previo a la Segunda Guerra Mundial y durante la misma, artistas, escritores y poetas modernistas , así como importantes coleccionistas y comerciantes, huyeron de Europa y del ataque de los nazis en busca de refugio en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron murieron. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos con la ayuda de Varian Fry) estaban Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger y Piet Mondrian. Algunos artistas, en particular Picasso, Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.

El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en un estado de agitación, con la urgencia de reconstruirse económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París, anteriormente el centro de la cultura europea y capital del mundo del arte, el clima para el arte era un desastre, y Nueva York reemplazó a París como el nuevo centro del mundo del arte. La Europa de la posguerra vio la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el arte brut y la abstracción lírica o taquismo ( el equivalente europeo al expresionismo abstracto) también k ostenta la mas nueva generacion. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages y Jean Messagier, entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra. En los Estados Unidos, una nueva generación de artistas estadounidenses comenzó a surgir y a dominar el escenario mundial, y se les llamó expresionistas abstractos.

Gorky, Hofmann y GrahamEdit

La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó lecciones aprendidas de Matisse, Picasso, surrealismo, Miró, cubismo, fauvismo y Modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte estadounidense durante la década de 1940 fue particularmente visible en el trabajo de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart, entre otros. Las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobreestimar. Su trabajo como abstracción lírica fue un «nuevo lenguaje. Él» iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses «. La espontaneidad pictórica de obras maduras como The Liver is the Cocks Comb, The Betrothal II y One Year the Milkweed prefiguraron inmediatamente el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorky. Los primeros trabajos de Hyman Bloom también fueron influyentes. Los artistas estadounidenses también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y André. El grupo bretón, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo, entre otros factores. Hans Hofmann, en particular, como maestro, mentor y artista fue importante e influyente para el desarrollo y el éxito de la obra abstracta. expresionismo en los Estados Unidos. Entre los protegidos de Hofmann estaba Clement Greenberg, quien se convirtió en una voz enormemente influyente para la pintura estadounidense, y entre sus estudiantes estaba Lee Krasner, quien presentó a su profesor r, Hofmann, a su esposo, Jackson Pollock.

Pollock y las influencias abstractas Editar

A fines de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock sobre la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el viaje hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte. Como las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Picasso cerca del cambio de siglo a través del cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como las pinturas de arena de los navajos, el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano, Pollock redefinió lo que era producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después.Los artistas se dieron cuenta del proceso de Jackson Pollock: la colocación de lienzo en bruto sin estirar en el piso donde podría ser atacado desde los cuatro lados utilizando materiales de artista y materiales industriales; madejas lineales de pintura goteando y arrojadas; dibujo, tinción, cepillado; imágenes y no imágenes: esencialmente llevó la creación de arte más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto en general expandió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte.

Los otros expresionistas abstractos siguieron El gran avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad. y alcance de todo el arte que les siguió. Los movimientos anti-formalistas radicales de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Fluxus, Neo-Dada, el arte conceptual y el movimiento artístico feminista, se remontan a las innovaciones del expresionismo abstracto. Las relecturas al arte abstracto, realizadas por historiadoras del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher muestran críticamente, sin embargo, que las artistas pioneras que han producido importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia, pero finalmente comenzó a lograr el reconocimiento que se necesitaba desde hace mucho tiempo a raíz del movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. El expresionismo abstracto surgió como un movimiento artístico importante en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950 y, a partir de entonces, varias galerías de arte líderes comenzaron a incluir a los expresionistas abstractos en exposiciones y como clientes habituales en sus listas. Algunas de esas destacadas galerías «de la zona alta» incluyen: la Galería Charles Egan, la Galería Sidney Janis, la Galería Betty Parsons, la Galería Kootz, la Galería Tibor de Nagy, la Galería Stable, la Galería Leo Castelli, entre otras; y varias galerías del centro, conocidas en ese momento como las galerías de la calle Tenth Street, exhibieron a muchos artistas jóvenes emergentes que trabajaban en la vena expresionista abstracta.

Pintura de acciónEditar

La pintura de acción fue un estilo generalizado desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960, y está estrechamente asociado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos pintura de acción y expresionismo abstracto indistintamente). A menudo se hace una comparación entre la pintura de acción estadounidense y el taquismo francés.

El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y marcó un cambio importante en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York. . Según Rosenberg, el lienzo era «un escenario en el que actuar». Mientras que expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning habían sido abiertos durante mucho tiempo en su visión de una pintura como un escenario dentro del cual llegar a un acuerdo con el acto de creación, críticos anteriores que simpatizaban con su causa, como Clement Greenberg, centrado en sus obras «» objetividad «. Para Greenberg, era la fisicalidad de las pinturas» superficies coaguladas y cubiertas de aceite lo que era la clave para entenderlas como documentos de la lucha existencial de los artistas «.

La crítica de Rosenberg cambió el énfasis del objeto a la lucha misma, siendo la pintura acabada sólo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que estaba en el acto o proceso de creación de la pintura. Esta actividad espontánea fue la «acción» del pintor, a través del movimiento de brazos y muñecas, gestos pictóricos, pinceladas, dolor arrojado t, salpicado, manchado, revuelto y goteado. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo, mientras bailaba rítmicamente, o incluso se paraba en el lienzo, a veces dejando que la pintura cayera según la mente subconsciente, dejando así que la parte inconsciente de la psique se afirmara y se expresara. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar porque es una supuesta manifestación inconsciente del acto de creación pura.

En la práctica, el término expresionismo abstracto se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York que tenían estilos bastante diferentes, e incluso aplicados a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas. Las enérgicas pinturas de acción de Pollock, con su sensación de «ajetreo», son diferentes tanto técnica como estéticamente a la serie Mujeres violentas y grotescas de De Kooning. Woman V es una de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar.El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning poco después y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II, Mujer III y Mujer IV. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton, de Kooning exploró más el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado de trabajar en Mujer I a fines de junio, o posiblemente en noviembre de 1952, y probablemente las otras tres fotografías de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. La serie Woman son pinturas decididamente figurativas.

Otro artista importante es Franz Kline. Al igual que con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue etiquetado como un «pintor de acción debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada en absoluto, en figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso del lienzo; como se demostró» por su cuadro Número 2 (1954).

La escritura automática fue un vehículo importante para pintores de acción como Kline (en sus pinturas en blanco y negro), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly, quienes utilizaron gestos, superficies , y la línea para crear madejas y símbolos lineales caligráficos que se asemejan al lenguaje, y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo. Robert Motherwell en su serie Elegía a la República española pintó poderosas pinturas en blanco y negro utilizando gestos, superficies y símbolos que evocan poderosas emociones

Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell y James Brooks, utilizaron imágenes a través de paisajes abstractos o como expresiones expresionistas. isiones de la figura para articular sus evocaciones muy personales y poderosas. Las pinturas de James Brooks eran particularmente poéticas y muy proféticas en relación con la abstracción lírica que se hizo prominente a finales de los 60 y los 70.

Color fieldEdit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente relucientes en la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque por lo que Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto . Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color. En la década de 1940, las imágenes estrechamente construidas de Richard Pousette-Dart a menudo dependían de temas de mitología y misticismo; al igual que las pinturas de Gottlieb y Pollock en esa década también.

La pintura de Color Field inicialmente se refería a un Un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente el trabajo de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró. Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada pero diferente a la Action Painting. Los pintores de Color Field buscaron para deshacerse de su arte de la retórica superflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, y especialmente Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir heroicus sublimis está en la colección del MoMA, utilizaron referencias muy reducidas a la naturaleza, y pintaron con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles, en el caso de Roth ko y Gottlieb a veces usan símbolo y signo como reemplazo de imágenes. Algunos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica.

A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales de expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, Los pintores de Color Field inicialmente parecían ser fríos y austeros, borrando la marca individual en favor de áreas grandes y planas de color, que estos artistas consideraban la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real del lienzo, que luego en la década de 1960, Frank Stella, en particular, logró de maneras inusuales con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura Color Field ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.

Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York. y California, especialmente en la Escuela de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, entre ellas el uso de lienzos grandes, un enfoque «all-over», en el que se trata todo el lienzo con igual importancia (en contraposición a que el centro sea más interesante que los bordes).El lienzo como arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores del campo del color. Los artistas más jóvenes comenzaron a exhibir sus pinturas abstractas relacionadas con el expresionismo durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas y Robert Goodnough, entre otros. .

Aunque Pollock está estrechamente asociado con Action Painting debido a su estilo, técnica y su toque pictórico y su aplicación física de la pintura , los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campo de color. Otra visión crítica avanzada por Greenberg conecta los lienzos de Pollock con los nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Críticos de arte como Michael Fried, Greenberg y otros han observado que el sentimiento general en las obras más famosas de Pollock, sus pinturas de goteo, se lee como vastos campos de elementos lineales construidos. Señalan que estas obras a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar y campos completos de color y dibujo, y están relacionados con los Monet del tamaño de un mural que están construidos de manera similar con marcas cepilladas y arrugadas de valor cercano que también se leen como campos de color y dibujo. Pollock «s use de composición completa prestan una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campo de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su período clásico de pintura por goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura de la casa en lienzo crudo. Durante 1951 produjo una serie de pinturas semifigurativas de tinción negra, y en 1952 realizó pinturas de tinción u cantar color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis en la ciudad de Nueva York, Pollock mostró el número 12 de 1952, una pintura de manchas grande y magistral que se asemeja a un paisaje teñido de colores brillantes (con una capa de pintura oscura goteada); el cuadro fue adquirido de la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal.

Si bien Arshile Gorky es considerado uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de tinción. Gorky creó amplios campos de colores vivos, abiertos e ininterrumpidos que usó en muchas de sus pinturas como base. En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941-1948, usó constantemente campos de color teñidos intensos, a menudo dejando que la pintura corra y gotee, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro resumen expresionista cuyas obras en la década de 1940 recuerdan las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks. Brooks usó regularmente el tinte como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con que verter, gotear y teñir en el lienzo en su mayoría crudo que usó. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo de Sam Francis de expresionismo abstracto brillante a gran escala se asoció estrechamente con Color pintura de campo. Sus pinturas abarcaron ambos campos dentro de la rúbrica expresionista abstracta, pintura de acción y pintura de campo de color.

Después de haber visto las pinturas de 1951 de Pollock de pintura al óleo negra diluida teñida en lienzo crudo, Frankenthaler comenzó a producir pinturas de manchas en variadas óleo sobre lienzo crudo en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y mar. Es una de las creadoras del movimiento Campo de color que surgió a fines de la década de 1950. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann.

Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate, 1959-1960. Fue reconocido no solo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como luego en los Estados Unidos. Hofmann, quien llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del Modernismo. Como joven artista en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Hofmann trabajó con Robert Delaunay y conoció de primera mano la obra innovadora de Picasso y Matisse. El trabajo de Matisse tuvo una enorme influencia en él, y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campo de color, y sus teorías fueron influyentes para los artistas y los críticos. particularmente a Clement Greenberg, así como a otros durante las décadas de 1930 y 1940.En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland fueron profundamente influenciados por las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC., Comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a finales de 1950.

En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte Henry Geldzahler dijo:

Clement Greenberg incluyó el trabajo de Morris Louis y Kenneth Noland en una exposición que hizo en la Kootz Gallery a principios de la década de 1950. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen para ver un cuadro. que acababa de hacer llamada Montañas y mar, una pintura muy, muy hermosa, que en cierto sentido era de Pollock y de Gorky. También fue una de las primeras imágenes de tinción, una de las primeras imágenes de gran campo en las que se utilizó la técnica de tinción, quizás la primera. Louis y Noland vieron la imagen desenrollada en el piso de su estudio y regresaron a Washington, DC., Y trabajaron juntos durante un tiempo, trabajando en las implicaciones de este tipo de pintura.

En la década de 1960 después del expresionismo abstractoEditar

En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, surgieron varias direcciones nuevas, como la pintura Hard-edge ejemplificada por John McLaughlin. Mientras tanto, como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radical. Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción post-pictórica; curando una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.