WBURwbur (Deutsch)

Am Morgen des 18. März 1990 betraten zwei als Polizisten gekleidete Diebe das Isabella Stewart Gardner Museum in Boston und gingen mit 13 Kunstwerken im Wert von einer halben Milliarde Dollar hinaus. 28 Jahre später bleibt es der größte ungelöste Kunstraub.

Im September starten WBUR und der Boston Globe einen Podcast mit dem Titel Last Seen, der sich mit den Geheimnissen des Überfalls befasst könnte den Trailer anhören und abonnieren, um benachrichtigt zu werden, sobald es hier neue Folgen gibt.)

Vorher haben wir den Kritiker Lloyd Schwartz gebeten, einen Blick auf die Kunst zu werfen, die unsere Stadt verloren hat:

„Das Konzert“

Johannes Vermeer

1663-1666

Dieses kleine Gemälde, etwas mehr als zwei Fuß im Quadrat, wurde Rücken an Rücken mit Govaert Flincks „Landschaft“ ausgestellt mit Obelisk “auf einer kleinen Tischplatte im prächtigen niederländischen Raum des Gardner Museums. Das Vermeer gilt allgemein als der seltenste und wertvollste der verlorenen Schätze – zumindest teilweise, weil so wenige seiner Gemälde bekannt sind. (Der aktuelle Konsens ist 37 , aber einige Gelehrte haben immer noch Zweifel an der Echtheit von drei von ihnen.)

„Das Konzert“ ist charakteristisch für den Künstler und auch ein wenig untypisch. Mindestens neun weitere Vermeers enthalten Musikinstrumente, meist in den Händen von Frauen. Nur drei weitere überlebende Vermeers enthalten drei Figuren (eine ist „Christus im Haus von Martha und Maria“, die anderen beiden befinden sich in einer Bar und in einem Bordell).

Schweigen ist eine so zentrale Eigenschaft von Vermeers Werk, dass selbst wenn er ein Trio von Musikern (einen Sänger, begleitet von Laute und Cembalo) darstellt, die Atmosphäre des Gemäldes von extremer Stille geprägt ist. Die Atmosphäre der Ruhe in dieser Szene in einem urbanen Echo der friedlichen Pastoral Szene auf der Innenseite des Cembalodeckels (wahrscheinlich von Jan Wildens gemalt) und irgendwo zwischen der absoluten Stille der Waldlandschaft und der Rauheit einer Transaktion in einem Bordell in den beiden Gemälden, die an der Wand hinter diesem wohlhabenden und vermutlich respektablen Dreier hängen. (Das Bordellgemälde, Dirck van Baburens „The Procuress“, das ebenfalls drei Figuren hat, gehört zum Museum of Fine Arts in Boston. Zu Vermeers Zeiten scheint es seiner reichen Schwiegermutter gehört zu haben.)

Dieses Gefühl der Ruhe verstärken, auch unter Musikmacher ist die komplexe Geometrie des Gemäldes. Die rechten und spitzen Winkel bei der Platzierung der Figuren und der Möbel, auch die rechteckigen Gemälde an der Wand, zusammen mit den raffinierten, gedeckten Farben der Kleidung (gelb, grau, braun) und des Schmucks (Perlenohrringe und eine Perlenkette – auch klassisches Vermeer) strahlen eine gedämpfte Stabilität aus. Gleichzeitig verleihen die weicheren Kurven von Köpfen, Körpern und Kleidern sowie der aerodynamische Schwung des Cembalodeckels den statischen Figuren Spannung und Energie. Die quadratischen Marmorbodenfliesen, die radikal zu rautenförmigen Rauten verkürzt sind, grüßen nicht nur, sondern scheinen den Blick des Betrachters aktiv in die Szene zu ziehen. So wie die rechteckigen Rahmen an der Wand im Kontrast zu den organischeren Rhythmen der Gemälde stehen, die sie umgeben. Und am meisten Vermeer-artig von allen beleuchtet ein unheimliches opaleszierendes Licht die Figuren und umgibt sie mit einer mysteriösen Stille.

„Eine Dame und ein Gentleman in Schwarz“

Rembrandt van Rijn

1633

Alle Rembrandts in Mrs. Gardners Sammlung wurden in den frühen 1630er Jahren hergestellt, als Rembrandt erst 26 Jahre alt war 27 Jahre alt (obwohl sein sensibles Selbstporträt – das nicht gestohlen wurde – aus vier Jahren stammt). Er hatte bereits eine schillernde technische Fähigkeit erlangt. Spätere Bilder mögen tiefer und suchender sein, aber diese früheren meisterhaften Werke waren was machte ihn berühmt.

Rembrandt malte viele Paare, einige in sehr großen Formaten. Aber die überwiegende Mehrheit dieser Porträts sind tatsächlich „Anhänger“ – zwei separate Leinwände, die jeweils ein Mitglied der normalerweise verheiratetes Paar. „Eine Dame und ein Herr in Schwarz“ ist wahrscheinlich Rembrandts erstes Doppelporträt mit beiden Figuren auf derselben Leinwand. Es ist beeindruckend groß – über 4 Fuß hoch und etwa 3½ Fuß breit. Die Farben sind streng, aber die Kleidung ist reich an Erstaunlich detaillierte Spitzen (eine Rembrandt-Spezialität in dieser Phase seiner Karriere), insbesondere der elegante Rüschenkragen und die Spitzenmanschetten der Frau. Wie winzig sein Pinsel gewesen sein muss.

Am auffälligsten an dem Gemälde ist jedoch die Position der beiden Figuren. Rechts sitzt die Frau auf einem eleganten Stuhl und schaut hinaus, aber nicht auf uns – bescheiden, aber selbstbewusst. Ihre linke, behandschuhte Hand hält den Handschuh ihrer nackten rechten Hand, die auf der Armlehne ihres Stuhls ruht. In der Mitte steht der Mann, überragt sie, prahlerisch, konfrontativ – seine behandschuhte linke Hand hält seinen rechten Handschuh; seine rechte Hand versteckt, vermutlich auf seiner Hüfte, unter seinem schwarzen Umhang. Zu seiner Linken steht ein weiterer Stuhl, leer und einfacher als der, auf dem die Dame sitzt. Die sitzende Frau, der stehende Mann und der leere Stuhl bilden ein Dreieck – die Form von Solidität und Stabilität. Das Zimmer, in dem sie sich befinden, ist ziemlich sparsam, etwas – vielleicht eine Karte – hängt an einer Wand hinter dem Mann. Ebenfalls hinter ihm befinden sich zwei Stufen, die zu einer Tür führen, die seine Figur blockiert. Da wir die Tür nicht wirklich sehen können, scheint sie eher ein Ausgang als ein Eingang zu sein. Obwohl es eine zugrunde liegende Spannung gibt, wird sich die Situation nicht ändern. Die Frau ist stark, aber nicht passiv. Der Mann hat sicherlich die Kontrolle – oder glaubt, dass er es ist.

„Christus im Sturm auf dem See Genezareth“

Rembrandt van Rijn

1633

Vier Kunstwerke rechts von der gestohlenen „Lady And Gentleman In Black“ im holländischen Raum hängen den leeren Rahmen des berühmtesten von die fehlenden Gemälde „Christus im Sturm auf dem See Genezareth“, eine Illustration einer noch berühmteren Passage im Neuen Testament (Matthäus, 8):

23 Und als er in ein Schiff eingetreten war, folgten ihm seine Jünger. 24 Und siehe, es entstand ein großer Sturm im Meer, insofern, als das Schiff mit den Wellen bedeckt war; aber er schlief. 25 Und seine Jünger kamen zu ihm und weckten ihn und sprachen: Herr, rette uns! Wir sterben. 26 Und er sprach zu ihnen: Warum? Habt ihr Angst, ihr kleinen Glaubens? Dann stand er auf und tadelte die Winde und das Meer; und es herrschte große Ruhe.

Rembrandts Gemälde von 1633, im selben Jahr wie das Porträt des Paares, ist das fast diametrale Gegenteil dieses Gemäldes. Anstelle einer ruhigen Stabilität ist dies eines der dramatischsten und dynamischsten Bilder von Rembrandt. Die Leinwand ist etwas mehr als 5 Fuß hoch und mehr als 4 Fuß breit – der Effekt ist überwältigend. Wir sind auf dem Höhepunkt eines heftigen Sturms. Dunkle Wolken glühen über uns, hohe Wellen peitschen das Boot, der Wind hat das Großsegel bereits in zwei Hälften zerrissen. Wir können die Wellen von den Felsen, gegen die das kleine Schiff zu gründen scheint, fast nicht erkennen.

Jesus und seine Jünger sitzen im Boot. Einige von ihnen sind in Panik. Einige von ihnen arbeiten daran, das Boot zusammenzuhalten. Einer beugt sich über die Seite des Bootes, um sich zu übergeben. Einer von ihnen starrt uns direkt an und hält sich mit einer Hand an seiner Mütze und mit der anderen an einem Seil fest. Ich bin mir nicht sicher, um welchen Schüler es sich handelt, aber es ist Rembrandts Gesicht – dasselbe Gesicht wie in dem ebenfalls gestohlenen „Selbstporträt“, einer Radierung in Briefmarkengröße aus derselben Zeit. Mit sorgfältiger Beobachtung können wir erkennen, in Inmitten all dieses Tumults erwachte Jesus selbst aus seinem Nickerchen und war nicht im geringsten besorgt. „Oh, ihr kleinen Glaubens.“

Im Gegensatz zum Porträt des Paares, in dem jedes Detail vorhanden ist Die Pinselstriche hier wurden von winzigen, fast unsichtbaren Pinselstrichen erzeugt und sind wilde, breite, windgepeitschte Spritzer auf der Leinwand. Wir können tatsächlich das kräftige Bürsten sehen – fast berühren. Es braucht Arbeit, um die kleinen menschlichen Gesichter zu erkennen. Das Boot wurde bis zu einem Winkel von fast 45 Grad zum Wasser geschwenkt. Während wir zuschauen, geraten wir selbst aus dem Gleichgewicht. (Oder besser gesagt.)

„Porträt des Künstlers als junger Mann“

Rembrandt van Rijn

1633

Diese winzige Radierung, nur 1 Zoll und ¾ breit und fast 2 Zoll hoch, ist eines dieser Rembrandt-Wunder. Wir kennen sie von seinem anderen Selbst. Porträts und Porträts von ihm von seinen Schülern und anderen Künstlern, so muss er ausgesehen haben. Noch keine 30, er ist bereits ein erfolgreicher, sogar berühmter Künstler, aber er tut nichts, um sich selbst zu schmeicheln. Er ist ein wenig pummelig, a wenig zottelig, sein Haar ist zerzaust und ungepflegt, und er sieht sehr ernst aus. In einem Kaufvertrag wird diese Radierung als „Rembrandt mit drei Schnurrbärten“ bezeichnet, da er einen Schnurrbart auf der Lippe hat, einige Haare am Kinn. und sogar der Rand seiner Mütze scheint einen Schnurrbart zu haben.

„Landschaft mit Obelisk“

Govaert Flinck

1638

Seit vielen Jahren Diese eindringliche kleine Landschaft wurde von Rembrandt vermutet. Öl auf Holz gemalt, 21 Zoll hoch und 28 Zoll breit, und für die gesamte Zeit im Gardner Museum wurde es mit Vermeers „The Concert“ hintereinander platziert ein kleiner Tisch neben einem Fenster im holländischen Raum. Die größte Kuriosität in diesem Gemälde ist der Obelisk, der diesem Gemälde seinen Titel gibt. An diesem dunklen und stürmischen Tag wird es von Sonnenlicht durchzogen, fast vergoldet, aber in der Perspektive viel kleiner als der riesige humanoide knorrige Baum im Vordergrund, dessen windgepeitschte Blätter wie wildes Haar sind. Ein großer Teil des Stammes ist zu Boden gefallen – vom Blitz getroffen? Ein Miniaturmann zu Pferd spricht mit einem anderen winzigen Mann, der auf der Straße steht (oder ist es eine Straße?). Auf der anderen Seite der Brücke (befindet sich jemand darauf?) Befindet sich auf der anderen Seite eines Flusses eine Wassermühle. Gegen den fernen Horizont ragt eine Art Butte über die Felder und Wälder davor. Die Farben sind meistens Braun (die Landschaft) und Grau (der Himmel). Bernard Berenson, der berühmte Kunsthistoriker und Berater von Frau Gardner, nannte es „ein Kunstwerk von exquisitem, süßem Pathos und tiefem Gefühl“.

Fantasievoll und realistisch bleibt das Thema ein Rätsel. Der Obelisk scheint etwas zu repräsentieren, etwas repräsentieren zu wollen. Es muss ein Symbol sein, oder was macht es dort inmitten dieser meist kargen Landschaft, im Zentrum dieses mysteriösen Gemäldes? Aber wir haben keine andere Wahl, als seine Bedeutung zu verlassen nach unserer Vorstellung.

„Chez Tortoni“

Édouard Manet

Um 1875

Ein adretter junger Mann mit Schnurrbart und Zylinder sitzt in einem Café neben einem sonnenbeschienenen Fenster. Er schreibt etwas. Mindestens eines seiner Augen ist auf uns, die Zuschauer, gerichtet. Ein Weinglas steht auf dem Tisch. Es enthält wahrscheinlich keinen „Keks Tortoni“, die mit diesem Café verbundene Eismousse-Spezialität. Der Wein ist transparent. Die Pinselstriche sind breit und taktil. Es ist erstaunlich, wie viel Klarheit dieser Impressionist (oder Pre-Post-Impressionist) hat. Der Künstler kommt aus diesen Farbschwaden. Und vielleicht ist es die Farbe selbst, auf die Manet uns am liebsten richten möchte.

Diese kleine Leinwand (etwas mehr als 10 x 13 Zoll) hing früher Manet, der erst 51 Jahre alt war, als er starb, war in den Vierzigern, als er „Chez Tortoni“ malte – in seiner vollen Reife. Er war berühmt – oder berüchtigt – für größere und sexuell gewagtere Werke wie „Luncheon on the Grass“ und „Olympia“, aber viele seiner späteren, kleineren Werke – ein Bund Spargel, ein Spargelstab, eine Zitrone – sind Meisterwerke. Seine Bilder der Café-Gesellschaft – gemalt mit solcher Spontanität, fast wie Schnappschüsse – bilden Sie eine Art Sozialgeschichte der Demimondaine Paris in der späten 19. Jahrhundert. „Chez Tortoni“ ist ein perfektes Beispiel.

5 Arbeiten auf Papier

Edgar Degas

1857-1888

Fünf Arbeiten auf Papier von Edgar Degas wurden aus Schränken in der Short Gallery gestohlen, dem Durchgang, der in den großen Wandteppichraum im zweiten Stock des Gardner führt. Sie wurden mit anderen Drucken und Zeichnungen in Schränken aufbewahrt, die von Mrs. Gardner selbst entworfen wurden. Obwohl er als Maler begann Von biblischen und historischen Szenen wurde Degas wie Manet (der zwei Jahre älter war als er) berühmt für seine Darstellungen des gewöhnlichen Lebens – vor allem Bilder von Tänzern, Jockeys und Rennpferden. Der Verlust von drei Zeichnungen von Szenen mit Pferden ist eine signifikante.

Das früheste Bild mit Pferden, „Cortège Sur Une Route Aux Environs de Florence“ („Prozession auf einer Straße“) Near Florence „) ist eine Zeichnung aus dem Jahr 1857, 6 x 8 Zoll, mit Bleistift und einer Sepia-Waschung, die ihr ein antikes Aussehen verleiht. Das Bild ist eine kleine Prozession, die Degas in einem historischeren Modus zeigt. Es gibt eine Art Kutsche, die von zwei Pferden gezogen wird (die Details sind in der Reproduktion besonders schwer zu lesen). Eine der kleinen, aber verhaftendsten Figuren ist eine Frau, die einen großen Regenschirm hoch über drei Frauen hält, die zu tanzen scheinen. Und in der Ferne gibt es eine antike Ansicht von Florenz.

“ Three Mounted Jockeys „(1885-1888) ist eine größere, weniger fertige Tuschezeichnung (ca. 12 x) -9½ Zoll), mit etwas Ölfarbe. Einer der Jockeys, der am deutlichsten sichtbar ist, befindet sich in einer markanten Position auf dem Pferd und lehnt sich mit einem Fuß in den Steigbügeln und dem anderen Bein um den Hals des Pferdes zurück. Die anderen beiden Jockeys auf dieser Skizzenseite sind schwerer zu erkennen, da sie auf dem Kopf stehen.

Vielleicht ist das wichtigste der gestohlenen Degas ein kleines Aquarell (Datum) unbekannt), „La Sortie Du Pesage“ („Leaving The Paddock“), in dem zwei Pferde und ihre Jockeys in einer Reihe stehen und von Umstehenden auf die Strecke geführt werden – eine ziemliche Menschenmenge für ein Bild von nur 4 x 6 Zoll . Faszinierende Positionsänderungen sind aus der noch sichtbaren Bleistiftzeichnung ersichtlich. Die leuchtend braun-orangefarbene Jacke und Mütze des Jockeys, die dem Betrachter am nächsten liegt, in einer Zeichnung, die bis auf das Weiß der Briten der Jockeys hauptsächlich braun ist, steht im Mittelpunkt unserer Aufmerksamkeit.

Die letzten beiden fehlenden Werke von Degas sind ein Paar 12 x 8 Zoll große Kohlezeichnungen aus dem Jahr 1884, beide Studien für ein Programm „für eine künstlerische Soiree“, eines etwas fertiger als das andere. Ein Quadrat in der unteren rechten Ecke bleibt leer, vermutlich der Platz für Informationen über die Soiree. Zu den Figuren, die den leeren Raum umgeben, gehören ein tanzendes Paar, das mit den Zehen zeigt (die Frau in einem Tutu und Zehenschuhen), eine Frau, die gebundene Seiten in einer Hand hält (ironischerweise ist sie in der skizzenhafteren Version deutlicher eine Sängerin, die eine Partitur hält). der Oberkörper eines Mannes mit Hut und Perücke aus dem 18. Jahrhundert, Segelschiffe in einem Hafen (so skizzenhaft in der weniger fertigen Version, dass man nicht sagen kann, was die gezeichneten Linien darstellen), zwei Schornsteine, die Rauch ausstoßen, eine Harfe, die teilweise einen Bass verbirgt Geige dahinter, wobei der Geigenbogen illusionistisch über den oberen Teil des leeren Quadrats gezogen wird (und nicht dahinter). Diese Seiten sind sowohl charmant als auch rätselhaft. Welche Art von lustiger Soiree würden solche unterschiedlichen Bilder vorschlagen?

Ein Bronzeadler-Finale

Französisch

1813–1814

Das Oxford Dictionary definiert ein Endstück als Ornament am oberen, Ende oder in der Ecke eines Objekts. Der 10 Zoll große Bronzeadler, der dem Gardner gestohlen wurde, bildete die dekorative Spitze eines Fahnenmastes, an dem eine Seidenfahne von Napoleons erstem Regiment der kaiserlichen Garde befestigt war. Der Adler ist stolz, seine Flügel sind ausgebreitet und fast grell. Obwohl sie es versuchten, konnten die Diebe nicht die gesamte Flagge entfernen, die in einem Fall an der Wand der Kurzgalerie angeschraubt war, und so entschieden sie sich schließlich für das Finale. Das gesamte Objekt hing in Mrs. Gardners Haus in der Beacon Street, bevor sie das Museum baute. Das Finale ist weg, aber die Flagge ist noch da.

Ein altes chinesisches Gu

1200–1100 v. Chr.

Laut der Website des Gardner Museums war dieser 10 Zoll große Bronzebecher aus der alten Shang-Dynastie eines der ältesten Objekte in die gesamte Sammlung und bei weitem das älteste der gestohlenen Objekte. Mrs. Gardner kaufte es 1922 für 17.500 US-Dollar und stellte es im holländischen Raum auf einen kleinen Tisch vor Zurburáns „Doctor of Law“, dem Gemälde rechts neben der gestohlenen Rembrandt-Seelandschaft. Die strenge trompetenförmige Tasse des Das Becherglas wird von einem Stiel und einer Basis getragen, die mit einer komplizierteren Verflechtung überzogen sind. Es war sicherlich eines der elegantesten Stücke im gesamten Museum.