Manierismus: Der Stil, der der Kunst der Renaissance eine aufwändige Wendung verleiht

Während der Renaissance fanden italienische Künstler Inspiration in den idealen Formen und harmonischen Kompositionen der klassischen Antike. Während diese Neuinterpretation antiker Modelle in den Werken von Künstlern der Hochrenaissance wie Michelangelo und Leonardo da Vinci bekannt ist, manifestierte sie sich auch als Manierismus, ein Stil, der gegen Ende der Bewegung entstand.

Manieristische Künstler haben die in der Renaissance etablierten Prinzipien auf ein neues Niveau gebracht und in einer Ästhetik gipfelt, die dem Klassizismus eine stilisierte Wendung verleiht. Hier werfen wir einen Blick auf diesen weniger bekannten Stil, erkunden seine Geschichte und präsentieren die Merkmale, die ihn definieren.

Was ist Manierismus?

Manierismus ist ein Stil, der 1530 entstand und dauerte bis zum Ende des Jahrhunderts. Es ist nach Maniera benannt, einem italienischen Begriff für „Stil“ oder „Art und Weise“, und bezieht sich auf eine stilisierte, übertriebene Herangehensweise an Malerei und Skulptur.

Manierismus ist auch als Spätrenaissance bekannt gilt als Brücke zwischen der Hochrenaissance und dem Barock, die die kunstvolle Ästhetik der Untergruppe übernahm und sie als Extravaganz adaptierte.

Geschichte

Im späten 15. Jahrhundert wurden Künstler in Florenz begann zugunsten des Klassizismus auf die ätherische Ikonographie des Mittelalters zu verzichten. Dieser ästhetische Ansatz dauerte bis ins 17. Jahrhundert und gipfelte in drei Untergruppen: der Frührenaissance, der Hochrenaissance und der Spätrenaissance.

Während der Frührenaissance begannen Künstler zu suchen Antike zur Inspiration. Dieses neu entdeckte Interesse würde dann die Hochrenaissance prägen, ein Genre, das durch naturalistische Figuren und einen mathematisch präzisen Gebrauch der Perspektive gekennzeichnet ist. Die Hochrenaissance dauerte von 1490 bis in die 1530er Jahre, als die Spätrenaissance oder der Manierismus aufkam.

Während manieristische Künstler an dem von Künstlern der Hochrenaissance dargestellten Perfektionismus interessiert waren, versuchten sie nicht, ihn zu wiederholen. Stattdessen haben sie die Prinzipien der Renaissance übertrieben, was zu einer Arbeit führte, die den Selbstausdruck gegenüber dem Streben nach Idealismus bevorzugt. „Anstatt die harmonischen Ideale von Raphael und Michelangelo zu übernehmen“, erklärt die Tate, „gingen wir einen Schritt weiter, um hoch künstliche Kompositionen zu schaffen, die ihre Techniken und Fähigkeiten bei der Manipulation kompositorischer Elemente unter Beweis stellten, um ein Gefühl anspruchsvoller Eleganz zu erzeugen.“ p>

Eigenschaften

Übertriebene Zahlen

Ein Hauptweg, mit dem manieristische Künstler die Techniken der Hochrenaissance „einen Schritt weiter“ führten, ist die Übertreibung. Pionierarbeit von Parmigianino, einem italienischen Künstler, Manieristen lehnte realistische Proportionen ab und renderte stattdessen Figuren mit unglaublich langgestreckten Gliedmaßen und seltsam positionierten Körpern. Diese gestreckten und verdrehten Formen wurden wahrscheinlich verwendet, um Bewegung zu suggerieren und das Drama zu verstärken.

Laut Giorgio Vasari, ein bekannter italienischer Maler, Architekt ct, Historiker und Schriftsteller, Parmigianino übernahm versehentlich diese ungewöhnliche Ästhetik, während er seine eigene Figur malte. „Um die Feinheiten der Kunst zu untersuchen“, sagt Vasari über Parmigianino in seinem berühmten kunsthistorischen Buch „Das Leben der Künstler“, „machte er sich eines Tages daran, sein eigenes Porträt zu machen und sich selbst in einem konvexen Friseurspiegel zu betrachten.“ Als er dabei die bizarren Effekte wahrnahm, die durch die Rundheit des Spiegels hervorgerufen wurden, der die Balken einer Decke in seltsame Kurven dreht und die Türen und andere Gebäudeteile auf außergewöhnliche Weise zurücktreten lässt, kam ihm die Idee amüsieren Sie sich, indem Sie alles fälschen. „

Aufwändige Dekoration

Aufwändige Verzierungen sind eine weitere Möglichkeit, wie Manieristen die Sensibilität der Renaissance an ihre Grenzen stießen. Während Figuren der Hochrenaissance normalerweise keine Muster in ihre Arbeit einbezogen haben, taten dies Künstler der Frührenaissance wie Sandro Botticelli. Inspiriert von Millefleur-Wandteppichen (von den französischen Mille-Fleurs oder „tausend Blumen“) des Mittelalters integrierte Botticelli Blumenmuster in seine großformatigen mythologischen Gemälde wie Primavera.

Manieristische Künstler haben ihr Interesse an kunstvollen Ornamenten wieder aufgegriffen und sowohl Leinwände als auch Skulpturen in überwältigender Weise abgedeckt Fülle an dekorativen Elementen. Ein Künstler, der dieses Konzept auf erstaunliche neue Ebenen brachte, ist Giuseppe Arcimboldo, ein Maler, der eigenartige Porträts von Menschen aus Vegetation, Tieren und gefundenen Gegenständen anfertigte.

Künstliche Farbe

Schließlich gaben die Manieristen die naturalistischen Farben der Maler der Hochrenaissance auf und verwendeten stattdessen künstliche – und oft grelle – Töne. Diese unrealistischen Farbtöne werden besonders deutlich in der Arbeit von Jacopo da Pontormo, einem italienischen Künstler, dessen gesättigte Palette die satten Farben der Renaissance zu neuen Höhen führte.

Diese Herangehensweise an Farbe ist ebenfalls bekannt El Greco, ein spanischer Maler, der den manieristischen Stil annahm, als er nach Rom zog. Wie andere Manieristen blickte El Greco auf frühere Künstler, ohne zu versuchen, ihre Werke zu reproduzieren. „Sie müssen die Meister studieren“, sagte er, „aber den ursprünglichen Stil, der in Ihrer Seele schlägt, bewahren und diejenigen zum Schwert schlagen, die versuchen würden, ihn zu stehlen.“

Vermächtnis

Obwohl es sich um eine Untergruppe der Renaissance handelt – die wohl wirkungsvollste Kunstbewegung der Kunstgeschichte -, wird der Manierismus nicht in der gleichen Wertschätzung wie der Das frühere Werk des Goldenen Zeitalters. Trotzdem verzaubert seine unverwechselbare Ästhetik diejenigen, die sich dessen bewusst sind, und macht es zu einem der faszinierendsten verborgenen Juwelen der Kunstgeschichte.

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