Abstrakter Expressionismus

Zweiter Weltkrieg und NachkriegszeitEdit

In der Zeit vor und während des Zweiten Weltkriegs waren Künstler, Schriftsteller und Dichter der Moderne sowie wichtige Sammler und Händler flohen aus Europa und dem Ansturm der Nazis in einen sicheren Hafen in den Vereinigten Staaten. Viele von denen, die nicht geflohen sind, kamen ums Leben. Unter den Künstlern und Sammlern, die während des Krieges nach New York kamen (einige mit Hilfe von Varian Fry), waren Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Salbei, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger und Piet Mondrian. Einige Künstler, insbesondere Picasso, Matisse und Pierre Bonnard, blieben in Frankreich und überlebten

In der Nachkriegszeit waren die Hauptstädte Europas im Umbruch, mit der Dringlichkeit, wirtschaftlich und physisch wieder aufzubauen und sich politisch neu zu gruppieren. In Paris, dem ehemaligen Zentrum der europäischen Kultur und Hauptstadt der Kunstwelt, herrschte das Klima für Kunst eine Katastrophe, und New York ersetzte Paris als neues Zentrum der Kunstwelt. Nach dem Krieg in Europa setzten sich Surrealismus, Kubismus, Dada und die Werke von Matisse fort. Auch in Europa Art Brut und Lyrical Abstraction oder Tachisme ( das europäische Äquivalent zum abstrakten Expressionismus) k halten der neuesten Generation. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages und Jean Messagier gelten unter anderem als wichtige Persönlichkeiten der europäischen Nachkriegsmalerei. In den Vereinigten Staaten begann eine neue Generation amerikanischer Künstler aufzutauchen und die Weltbühne zu dominieren, und sie wurden abstrakte Expressionisten genannt.

Gorki, Hofmann und GrahamEdit

Die 1940er Jahre in New York City läuteten den Triumph des amerikanischen abstrakten Expressionismus ein, einer modernistischen Bewegung, die Lehren aus Matisse, Picasso, Surrealismus, Miró, Kubismus, Fauvismus und frühe Moderne durch große Lehrer in Amerika wie Hans Hofmann aus Deutschland und John D. Graham aus der Ukraine. Grahams Einfluss auf die amerikanische Kunst in den frühen 1940er Jahren war besonders deutlich in den Arbeiten von Gorki, de Kooning, Pollock und Richard Pousette-Dart zu sehen. Gorkys Beiträge zur amerikanischen und Weltkunst sind schwer zu überschätzen. Seine Arbeit als lyrische Abstraktion war eine „neue Sprache. Er“ ebnete den Weg für zwei Generationen amerikanischer Künstler „. Die malerische Spontaneität reifer Werke wie“ Die Leber ist der Kamm des Hahns „,“ Die Verlobung II „und“ Ein Jahr die Wolfsmilch “ Der sofort vorgefertigte abstrakte Expressionismus und die Leiter der New York School haben Gorkys beträchtlichen Einfluss anerkannt. Das frühe Werk von Hyman Bloom war ebenfalls einflussreich. Amerikanische Künstler profitierten auch von der Anwesenheit von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und André Die bretonische Gruppe, die Galerie von Pierre Matisse und die Galerie von Peggy Guggenheim Die Kunst dieses Jahrhunderts sowie andere Faktoren. Insbesondere Hans Hofmann als Lehrer, Mentor und Künstler war wichtig und einflussreich für die Entwicklung und den Erfolg des Abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten. Zu Hofmanns Schützlingen gehörte Clement Greenberg, der zu einer enorm einflussreichen Stimme für die amerikanische Malerei wurde, und Lee Krasner, der ihre Lehre vorstellte, unter seinen Schülern r, Hofmann, an ihren Ehemann Jackson Pollock.

Pollock und abstrakte EinflüsseEdit

In den späten 1940er Jahren revolutionierte Jackson Pollocks radikaler Ansatz zur Malerei das Potenzial aller zeitgenössischen Kunst, die ist ihm gefolgt. Bis zu einem gewissen Grad erkannte Pollock, dass der Weg zur Herstellung eines Kunstwerks genauso wichtig war wie das Kunstwerk selbst. Wie Picassos innovative Neuerfindungen von Malerei und Skulptur um die Jahrhundertwende über den Kubismus und die konstruierte Skulptur mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Navajo-Sandmalereien, Surrealismus, Jungsche Analyse und mexikanischer Wandkunst definierte Pollock neu, was es heißt, Kunst zu produzieren. Seine Abkehr von Staffelei und Konventionalität war ein befreiendes Signal für die Künstler seiner Zeit und für alles, was danach kam.Die Künstler erkannten, dass Jackson Pollocks Prozess – das Platzieren von ungedehnter roher Leinwand auf dem Boden, wo sie von allen vier Seiten mit Künstler- und Industriematerialien angegriffen werden konnte; lineare Farbstränge tropften und warfen; Zeichnen, Färben, Bürsten; Bilder und Nicht-Bilder – führten das Kunstmachen im Wesentlichen über jede vorherige Grenze hinaus. Der abstrakte Expressionismus erweiterte und entwickelte im Allgemeinen die Definitionen und Möglichkeiten, die Künstler für die Schaffung neuer Kunstwerke zur Verfügung hatten.

Die anderen abstrakten Expressionisten folgten Pollocks Durchbruch mit eigenen neuen Durchbrüchen. In gewisser Weise öffneten die Innovationen von Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos und anderen die Schleusen für die Vielfalt und Umfang aller Kunst, die ihnen folgte. Die radikalen anti-formalistischen Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre, darunter Fluxus, Neo-Dada, Konzeptkunst und die feministische Kunstbewegung, lassen sich auf die Innovationen des abstrakten Expressionismus zurückführen. Das Nachlesen in abstrakte Kunst durch Kunsthistoriker wie Linda Nochlin, Griselda Pollock und Catherine de Zegher zeigt jedoch kritisch, dass Pionierinnen, die bedeutende Innovationen in der modernen Kunst hervorgebracht haben, von den offiziellen Berichten ihrer Geschichte ignoriert wurden, aber schließlich begann im Zuge der abstrakten expressionistischen Bewegung der 1940er und 1950er Jahre eine längst überfällige Anerkennung zu erlangen. Der abstrakte Expressionismus entwickelte sich in den 1950er Jahren zu einer bedeutenden Kunstbewegung in New York City. Danach begannen mehrere führende Kunstgalerien, die abstrakten Expressionisten in Ausstellungen und als Stammgäste in ihre Dienstpläne aufzunehmen. Einige dieser prominenten „Uptown“ -Galerien waren: die Charles Egan Gallery, die Sidney Janis Gallery, die Betty Parsons Gallery, die Kootz Gallery, die Tibor de Nagy Gallery, die Stable Gallery, die Leo Castelli Gallery und andere; und mehrere Galerien in der Innenstadt, die zu dieser Zeit als Tenth Street-Galerien bekannt waren, zeigten viele aufstrebende jüngere Künstler, die im Stil des abstrakten Expressionismus arbeiteten.

Action PaintingEdit

Action Painting war ein seit den 1940er Jahren weit verbreiteter Stil bis in die frühen 1960er Jahre und ist eng mit dem abstrakten Expressionismus verbunden (einige Kritiker haben die Begriffe Action Painting und abstrakter Expressionismus synonym verwendet). Oft wird ein Vergleich zwischen dem amerikanischen Action-Gemälde und dem französischen Tachismus gezogen.

Der Begriff wurde 1952 vom amerikanischen Kritiker Harold Rosenberg geprägt und signalisierte einen großen Wandel in der ästhetischen Perspektive der Maler und Kritiker der New York School . Laut Rosenberg war die Leinwand „eine Arena zum Handeln“. Während abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning ihre Ansicht über ein Gemälde als eine Arena, in der sie sich mit dem Schöpfungsakt auseinandersetzen können, lange ausgesprochen hatten, waren frühere Kritiker, die mit ihrer Sache einverstanden waren, wie Clement Greenberg, konzentrierte sich auf ihre Werke „Objektivität“. Für Greenberg war es die Körperlichkeit der Gemälde „geronnene und ölverschmierte Oberflächen“, die den Schlüssel zum Verständnis als existenzieller Kampf der Künstler darstellte.

Rosenbergs Kritik verschob sich Die Betonung vom Objekt auf den Kampf selbst, wobei das fertige Gemälde nur die physische Manifestation, eine Art Rückstand des tatsächlichen Kunstwerks ist, das sich im Akt oder Prozess der Entstehung des Gemäldes befand. Diese spontane Aktivität war die „Handlung“ des Malers durch Arm- und Handgelenksbewegungen, malerische Gesten, Pinselstriche, geworfenen Schmerz t, bespritzt, fleckig, durcheinander und tropfte. Der Maler ließ manchmal die Farbe auf die Leinwand tropfen, während er rhythmisch tanzte oder sogar auf der Leinwand stand, und ließ die Farbe manchmal dem Unterbewusstsein entsprechend fallen, wodurch sich der unbewusste Teil der Psyche behaupten und ausdrücken konnte. All dies ist jedoch schwer zu erklären oder zu interpretieren, da es sich um eine vermeintlich unbewusste Manifestation des Aktes der reinen Schöpfung handelt.

In der Praxis wird der Begriff abstrakter Expressionismus auf eine beliebige Anzahl von Künstlern angewendet, die (meistens) arbeiten. in New York, die ganz andere Stile hatten und sich sogar auf Arbeiten bezogen, die weder besonders abstrakt noch expressionistisch sind. Pollocks energiegeladene Action-Gemälde mit ihrem „geschäftigen“ Gefühl unterscheiden sich sowohl technisch als auch ästhetisch von De Koonings gewalttätiger und grotesker Frauenserie. Frau V gehört zu einer Serie von sechs Gemälden von de Kooning zwischen 1950 und 1953, die eine dreiviertel lange weibliche Figur darstellen. Er begann im Juni 1950 mit dem ersten dieser Gemälde, Frau I, und veränderte und malte das Bild wiederholt bis Januar oder Februar 1952, als das Gemälde unvollendet aufgegeben wurde.Der Kunsthistoriker Meyer Schapiro sah das Gemälde bald darauf in de Koonings Atelier und ermutigte den Künstler, weiterzumachen. De Koonings Antwort war, drei weitere Gemälde zum gleichen Thema zu beginnen; Frau II, Frau III und Frau IV. Im Sommer 1952, der in East Hampton verbracht wurde, erkundete de Kooning das Thema anhand von Zeichnungen und Pastellen. Möglicherweise hat er die Arbeit an Frau I Ende Juni oder möglicherweise erst im November 1952 beendet, und wahrscheinlich wurden die anderen drei Frauenbilder ungefähr zur gleichen Zeit fertiggestellt. Die Woman-Serie ist ausgesprochen figurative Malerei.

Ein weiterer wichtiger Künstler ist Franz Kline. Wie bei Jackson Pollock und anderen abstrakten Expressionisten wurde Kline wegen seines scheinbar spontanen und intensiven Stils als „Action-Maler“ bezeichnet, der sich weniger oder gar nicht auf Figuren oder Bilder konzentrierte, sondern auf die tatsächlichen Pinselstriche und die Verwendung von Leinwand; durch sein Gemälde Nummer 2 (1954).

Automatisches Schreiben war ein wichtiges Mittel für Action-Maler wie Kline (in seinen Schwarz-Weiß-Gemälden), Pollock, Mark Tobey und Cy Twombly, die Gesten und Oberflächen verwendeten und Linie, um kalligraphische, lineare Symbole und Stränge zu schaffen, die der Sprache ähneln und als kraftvolle Manifestationen des kollektiven Unbewussten in Resonanz treten. Robert Motherwell malte in seiner Serie Elegy to the Spanish Republic kraftvolle Schwarz-Weiß-Gemälde mit Gesten, Oberflächen und Symbolen, die starke Emotionen hervorrufen Anklagen.

In der Zwischenzeit verwendeten andere Action-Maler, insbesondere de Kooning, Gorki, Norman Bluhm, Joan Mitchell und James Brooks, Bilder entweder über abstrakte Landschaften oder als expressionistische v Vorstellungen der Figur, um ihre höchst persönlichen und kraftvollen Beschwörungen zu artikulieren. James Brooks „Gemälde waren besonders poetisch und sehr vorausschauend in Bezug auf die lyrische Abstraktion, die in den späten 1960er und 1970er Jahren eine herausragende Rolle spielte.

FarbfeldEdit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und die ruhig schimmernden Farbblöcke in Mark Rothkos Werk (was normalerweise nicht als expressionistisch bezeichnet wird und was Rothko als abstrakt bestritt) werden als abstrakte Expressionisten klassifiziert, obwohl Clement Greenberg die Farbfeldrichtung des abstrakten Expressionismus nannte . Sowohl Hans Hofmann als auch Robert Motherwell können bequem als Praktiker der Action- und Farbfeldmalerei bezeichnet werden. In den 1940er Jahren hingen Richard Pousette-Darts eng konstruierte Bilder oft von Themen der Mythologie und Mystik ab, ebenso wie die Gemälde von Gottlieb und Pollock in diesem Jahrzehnt.

Die Farbfeldmalerei bezog sich ursprünglich auf a besondere Art des abstrakten Expressionismus, insbesondere die Arbeit von Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt und mehrere Gemäldeserien von Joan Miró. Greenberg empfand die Farbfeldmalerei als verwandt mit der Aktionsmalerei, aber anders als sie. Die Farbfeldmaler suchten Künstler wie Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey und insbesondere Ad Reinhardt und Barnett Newman, deren Meisterwerk Vir heroicus sublimis in der Sammlung des MoMA enthalten ist, um ihre Kunst von überflüssiger Rhetorik zu befreien. Sie verwendeten stark reduzierte Bezüge zur Natur und malten mit einem stark artikulierten und psychologischen Umgang mit Farben. Im Allgemeinen eliminierten diese Künstler erkennbare Bilder, im Fall von Roth ko und Gottlieb verwenden manchmal Symbol und Zeichen als Ersatz für Bilder. Einige Künstler zitierten Verweise auf vergangene oder gegenwärtige Kunst, aber im Allgemeinen stellt die Farbfeldmalerei die Abstraktion als Selbstzweck dar. Um diese Richtung der modernen Kunst zu verfolgen, wollten Künstler jedes Gemälde als ein einheitliches, zusammenhängendes, monolithisches Bild präsentieren.

Im Unterschied zu der emotionalen Energie und den gestischen Oberflächenmerkmalen abstrakter Expressionisten wie Pollock und de Kooning, Die Farbfeldmaler wirkten zunächst kühl und streng und löschten die individuelle Marke zugunsten großer, flacher Farbflächen aus, die diese Künstler als die wesentliche Natur der visuellen Abstraktion betrachteten, zusammen mit der tatsächlichen Form der Leinwand, die später Insbesondere in den 1960er Jahren erreichte Frank Stella auf ungewöhnliche Weise mit Kombinationen aus gekrümmten und geraden Kanten. Die Farbfeldmalerei hat sich jedoch als sowohl sinnlich als auch zutiefst ausdrucksstark erwiesen, wenn auch anders als der gestische abstrakte Expressionismus.

Obwohl sich der abstrakte Expressionismus schnell in den Vereinigten Staaten verbreitete, waren die Hauptzentren dieses Stils New York City und Kalifornien, insbesondere in der New York School und in der San Francisco Bay. Abstrakte expressionistische Gemälde weisen bestimmte Merkmale auf, darunter die Verwendung großer Leinwände, ein „All-over“ -Ansatz, bei dem die gesamte Leinwand gleich wichtig behandelt wird (im Gegensatz dazu, dass das Zentrum von größerem Interesse ist als die Kanten).Die Leinwand als Arena wurde zum Credo der Action-Malerei, während die Integrität der Bildebene zum Credo der Farbfeldmaler wurde. Jüngere Künstler begannen in den 1950er Jahren mit der Ausstellung ihrer Gemälde im Zusammenhang mit abstrakten Expressionisten, darunter Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas und Robert Goodnough .

Obwohl Pollock aufgrund seines Stils, seiner Technik, seiner malerischen Berührung und seines physischen Farbauftrags eng mit Action Painting verbunden ist Kunstkritiker haben Pollock sowohl mit Action-Malerei als auch mit Farbfeld-Malerei verglichen. Eine andere kritische Sichtweise von Greenberg verbindet Pollocks Allover-Leinwände mit den großformatigen Seerosen von Claude Monet, die in den 1920er Jahren entstanden sind. Kunstkritiker wie Michael Fried, Greenberg und andere haben beobachtet, dass das allgemeine Gefühl in Pollocks berühmtesten Werken – seinen Tropfmalereien – als weite Felder aufgebauter linearer Elemente gelesen wird. Sie stellen fest, dass diese Werke oft als große Komplexe von gelesen werden ähnlich geschätzte Farbstränge und allumfassende Farb- und Zeichnungsfelder, die mit den Monets in Wandgröße verwandt sind, die in ähnlicher Weise aus engwertigen gebürsteten und durcheinandergebrachten Markierungen bestehen, die auch als Farb- und Zeichnungsfelder gelesen werden. Pollocks Verwendung Die allumfassende Komposition verleiht der Art und Weise, wie Farbfeldmaler wie Newman, Rothko und Still ihre ungebrochenen und in Stills Fall gebrochenen Oberflächen konstruieren, eine philosophische und physikalische Verbindung. In mehreren Gemälden, die Pollock nach seiner klassischen Tropfmalereizeit von 1947–1950 verwendete er die Technik, flüssige Ölfarbe und Hausfarbe auf rohe Leinwand zu färben. 1951 produzierte er eine Reihe von halbfigurativen Schwarzfleckengemälden, und 1952 produzierte er Fleckbilder u Farbe singen. In seiner Ausstellung im November 1952 in der Sidney Janis Gallery in New York City zeigte Pollock Nummer 12, 1952, ein großes, meisterhaftes Fleckgemälde, das einer bunten, fleckigen Landschaft ähnelt (mit einer Überlagerung von breit tropfender dunkler Farbe). Das Gemälde wurde von Nelson Rockefeller für seine persönliche Sammlung aus der Ausstellung erworben.

Während Arshile Gorky als einer der Gründerväter des abstrakten Expressionismus und als Surrealist gilt, war er auch einer der ersten Maler von die New York School, die die Technik der Färbung verwendete. Gorki schuf weite Felder lebendiger, offener, ungebrochener Farben, die er in vielen seiner Gemälde als Grund verwendete. In Gorkys effektivsten und erfolgreichsten Gemälden zwischen 1941 und 1948 verwendete er konsequent intensiv gefärbte Farbfelder und ließ die Farbe oft unter und um sein bekanntes Lexikon aus organischen und biomorphen Formen und zarten Linien laufen und tropfen. Eine weitere Zusammenfassung Der Expressionist, dessen Werke in den 1940er Jahren an die Fleckenbilder der 1960er und 1970er Jahre erinnern, ist James Brooks. Brooks verwendete in seinen Gemälden ab den späten 1940er Jahren regelmäßig Flecken als Technik. Brooks begann, seine Ölfarbe zu verdünnen, um fließende Farben zu erhalten Diese Arbeiten kombinierten häufig Kalligraphie und abstrakte Formen. In den letzten drei Jahrzehnten seiner Karriere war Sam Francis Stil des großflächigen hellen abstrakten Expressionismus eng mit Farbe verbunden Feldmalerei. Seine Gemälde befanden sich in beiden Lagern innerhalb der Rubrik des abstrakten Expressionismus, des Action-Gemäldes und des Farbfeld-Gemäldes.

Nachdem Frankenthaler Pollocks Gemälde von 1951 mit verdünnter schwarzer Ölfarbe auf roher Leinwand gesehen hatte, begann er, Fleckbilder in verschiedenen Formen herzustellen Ölfarben auf roher Leinwand im Jahr 1952. Ihr berühmtestes Gemälde aus dieser Zeit ist Berge und Meer. Sie ist eine der Urheberinnen der Farbfeldbewegung, die Ende der 1950er Jahre entstand. Frankenthaler studierte auch bei Hans Hofmann.

ofmanns Gemälde sind eine Symphonie der Farben, wie sie in The Gate, 1959–1960, zu sehen sind. Er war nicht nur als Künstler, sondern auch als Kunstlehrer bekannt, sowohl in seiner Heimat Deutschland als auch später in den USA. Hofmann, der Anfang der 1930er Jahre aus Deutschland in die USA kam, brachte das Erbe der Moderne mit. Als junger Künstler in Paris vor dem Ersten Weltkrieg arbeitete Hofmann mit Robert Delaunay zusammen und kannte die innovativen Arbeiten von Picasso und Matisse aus erster Hand. Matisses Arbeit hatte einen enormen Einfluss auf ihn und auf sein Verständnis der Ausdruckssprache der Farbe und der Potentialität der Abstraktion. Hofmann war einer der ersten Theoretiker der Farbfeldmalerei, und seine Theorien hatten Einfluss auf Künstler und Kritiker. insbesondere an Clement Greenberg sowie an andere in den 1930er und 1940er Jahren.1953 wurden Morris Louis und Kenneth Noland nach ihrem Besuch in ihrem Atelier in New York City stark von Helen Frankenthalers Fleckenmalereien beeinflusst. Nach ihrer Rückkehr nach Washington, DC, begannen sie, die Hauptwerke zu produzieren, die Ende der Farbfeldbewegung entstanden 1950er Jahre.

1972 sagte der Kurator des Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler:

Clement Greenberg umfasste die Arbeiten von Morris Louis und Kenneth Noland in einer Show, die er in den frühen 1950er Jahren in der Kootz Gallery gemacht hat. Clem war der erste, der ihr Potenzial erkannte. Er lud sie 1953 nach New York ein, glaube ich, in Helens Atelier, um ein Gemälde zu sehen dass sie gerade Berge und Meer genannt hatte, ein sehr, sehr schönes Gemälde, das gewissermaßen aus Pollock und aus Gorki stammte. Es war auch eines der ersten Fleckenbilder, eines der ersten großen Feldbilder, bei denen die Färbetechnik verwendet wurde, vielleicht das erste. Louis und Noland sahen das Bild auf dem Boden ihres Ateliers ausgerollt und gingen zurück nach Washington, DC. Sie arbeiteten eine Weile zusammen und arbeiteten an den Auswirkungen dieser Art von Malerei.

In den 1960er Jahren nach dem abstrakten ExpressionismusEdit

In der abstrakten Malerei der 1950er und 1960er Jahre tauchten mehrere neue Richtungen auf, wie die von John McLaughlin veranschaulichte Hard-Edge-Malerei. Als Reaktion auf den Subjektivismus des abstrakten Expressionismus tauchten andere Formen der geometrischen Abstraktion in Künstlerateliers und in radikalen Avantgardekreisen auf. Greenberg wurde die Stimme der postmalerischen Abstraktion; durch die Kuratierung einer einflussreichen Ausstellung neuer Malerei, die 1964 wichtige Kunstmuseen in den Vereinigten Staaten bereiste. Farbfeldmalerei, Hard-Edge-Malerei und Lyrical Abstraction entstanden als radikale neue Richtungen.