Mannerisme: Den stil, der sætter en detaljeret drejning på renæssancekunst

Under renæssancen fandt italienske kunstnere inspiration i de ideelle former og harmoniske kompositioner i den klassiske antikvitet. Mens denne genfortolkning af gamle modeller er berømt tydeligt i kunst fra højrenæssancekunstnere som Michelangelo og Leonardo da Vinci, manifesterede den sig også som manierisme, en stil der opstod mod slutningen af bevægelsen.

Manereristiske kunstnere tog de principper, der blev etableret under renæssancen, til nye ekstremer, der kulminerede i en æstetik, der satte et stiliseret twist på klassicismen. Her ser vi på denne mindre kendte stil, udforsker dens historie og præsenterer de egenskaber, der definerer den.

Hvad er manerisme?

Manerisme er en stil, der opstod i 1530 og varede indtil slutningen af århundredet. Det er opkaldt efter maniera, et italiensk udtryk for “stil” eller “måde”, og henviser til en stiliseret, overdrevet tilgang til maleri og skulptur.

Også kendt som den sene renæssance er manerisme betragtes som en bro mellem højrenæssancen og barokperioden, der vedtog delmængdenes udsmykkede æstetik og tilpassede den som ekstravagance.

Historie

I slutningen af det 15. århundrede, kunstnere i Firenze begyndte at give afkald på den æteriske ikonografi fra mørketiden til fordel for klassicisme. Denne æstetiske tilgang varede indtil det 17. århundrede og kulminerede i tre undergrupper: den tidlige renæssance, den høje renæssance og den sene renæssance.

Under den tidlige renæssance begyndte kunstnere at se efter antikken til inspiration. Denne nyfundne interesse ville derefter informere højrenæssancen, en genre præget af naturalistiske figurer og en matematisk præcis brug af perspektiv. Den høje renæssance varede fra 1490 til 1530erne, da sen renæssance eller manerisme opstod.

Mens maneristiske kunstnere var interesserede i den perfektionisme, der blev skildret af kunstnere fra højrenæssancen, forsøgte de ikke at replikere den. I stedet overdrev de renæssancesprincipper, hvilket resulterede i arbejde, der favoriserer selvekspressionisme frem for forfølgelsen af idealisme. “I stedet for at vedtage de harmoniske idealer, der er forbundet med Raphael og Michelangelo,” forklarede Tate, “gik de et skridt videre for at skabe meget kunstige kompositioner, der viste deres teknikker og færdigheder til at manipulere kompositionselementer for at skabe en følelse af sofistikeret elegance.”

Karakteristika

Overdrevne figurer

En primær måde, at maneristiske kunstnere tog højrenæssanceteknikker “et skridt videre” er gennem overdrivelse. Pioneret af Parmigianino, en italiensk kunstner, Mannerists afviste realistiske proportioner og gengav i stedet figurer med umuligt aflange lemmer og mærkeligt placerede kroppe. Disse strakte og snoede former blev sandsynligvis brugt til at antyde bevægelse og øge dramaet.

Ifølge Giorgio Vasari, en fremtrædende italiensk maler, arkitekt ct, historiker og forfatter, Parmigianino ved en fejltagelse vedtaget denne usædvanlige æstetik, mens han malede sin egen lighed. “For at undersøge kunstens finesser,” siger Vasari om Parmigianino i sin berømte kunsthistoriske bog, The Lives of the Artists, “satte han sig en dag til at lave sit eget portræt og så på sig selv i et konveks barberspejl. Og ved at gøre dette ved at opfatte de bizarre effekter, der er frembragt af spejlets rundhed, der vrider bjælkerne i et loft til mærkelige kurver og får døre og andre bygningsdele til at trække sig tilbage på en ekstraordinær måde, kom ideen til ham morer sig ved at forfalske alt. ”

Omhyggelig dekoration

Overdådig udsmykning er en anden måde manérister skubbede renæssancens følsomhed til deres grænser. Mens figurer fra højrenæssance typisk ikke inkorporerede mønstre i deres arbejde, gjorde tidlige renæssancekunstnere som Sandro Botticelli det. Inspireret af millefleur (fra de franske mille-fleurs eller “tusinde blomster”) gobeliner fra middelalderen, inkorporerede Botticelli blomsterdesign i sine store mytologiske malerier som Primavera.

Manneristiske kunstnere vendte igen til denne interesse for udførlig ornamentik og dækkede både lærred og skulpturer i en overvældende overflod af dekorative elementer. En kunstner, der tog dette koncept til forbløffende nye niveauer, er Giuseppe Arcimboldo, en maler, der lavede ejendommelige portrætter af mennesker lavet af vegetation, dyr og fundne genstande.

Kunstig farve

Endelig opgav manierister de naturalistiske farver, der blev brugt af malere i højrenæssancen, og anvendte i stedet kunstige – og ofte garish – toner. Disse urealistiske nuancer er især tydelige i værket af Jacopo da Pontormo, en italiensk kunstner, hvis mættede palet tog de rige farver fra renæssancen til nye højder.

Denne tilgang til farve er også berømt forbundet med El Greco, en spansk maler, der adopterede maneristisk stil, da han flyttede til Rom. Ligesom andre manisterister så El Greco på tidligere kunstnere uden at forsøge at gengive deres arbejde. “Du skal studere mestrene,” sagde han, “men vær opmærksom på den oprindelige stil, der slår i din sjæl og læg dem i sværd for dem, der prøver at stjæle den.”

Arv

Skønt en delmængde af renæssancen – uden tvivl kunsthistoriens mest indflydelsesrige kunstbevægelse – holdes manerisme ikke i samme agtelse som Gyldne tidsalderens ældre arbejde. Ikke desto mindre fortsætter dens særprægede æstetik med at fortrylle dem, der er opmærksomme på det, hvilket gør det til en af kunsthistoriens mest fascinerende skjulte perler.

Udforskning af de største bidrag fra den mindre kendte nordlige renæssance

Hvordan kunstnere har bevaret stillebensmaleri i tusinder af år

Historien om amor i kunst: Hvordan kærlighedens Gud har inspireret kunstnere i århundreder

Hvordan museer udviklede sig over tid fra private samlinger til moderne institutioner