Abstraktní expresionismus

Druhá světová válka a poválečné období Upravit

V období před druhou světovou válkou a během ní se modernističtí umělci, spisovatelé a básníci , stejně jako důležití sběratelé a obchodníci, uprchli z Evropy a před náporem nacistů do bezpečného útočiště ve Spojených státech. Mnoho z těch, kteří neutekli, zahynulo. Mezi umělci a sběrateli, kteří přijeli do New Yorku během války (někteří s pomocí Variana Fryho), byli Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger a Piet Mondrian. Několik umělců, zejména Picasso, Matisse a Pierre Bonnard, zůstalo ve Francii a přežilo.

Poválečné období zanechalo hlavní města Evropy v otřesu, s naléhavou potřebou ekonomicky a fyzicky znovu vybudovat a politicky přeskupit. V Paříži, dříve centru evropské kultury a hlavním městě uměleckého světa, bylo klima pro umění katastrofa a New York nahradil Paříž jako nové středisko uměleckého světa. Poválečná Evropa pokračovala v surrealismu, kubismu, Dadě a dílech Matisse. Také v Evropě Art brut a Lyrical Abstraction nebo Tachisme ( evropský ekvivalent abstraktního expresionismu) k držení nejnovější generace. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages a Jean Messagier jsou mimo jiné považováni za významné osobnosti poválečného evropského malířství. Ve Spojených státech se začala objevovat nová generace amerických umělců, kteří ovládli světovou scénu, a říkalo se jim Abstraktní expresionisté.

Gorky, Hofmann a GrahamEdit

40. léta 20. století v New Yorku ohlašovala triumf amerického abstraktního expresionismu, modernistického hnutí, které kombinovalo poučení z Matisse, Picassa, surrealismu, Miró, kubismu, fauvismu a raného modernismu prostřednictvím velkých amerických učitelů, jako je Hans Hofmann z Německa a John D. Graham z Ukrajiny. Grahamův vliv na americké umění na počátku 40. let byl zvláště viditelný mimo jiné v dílech Gorkého, de Kooninga, Pollocka a Richarda Pousette-Darta. Gorkého příspěvky k americkému a světovému umění je těžké přeceňovat. Jeho tvorba jako lyrická abstrakce byla „novým jazykem.„ Osvětlil cestu dvěma generacím amerických umělců. “Malířská spontánnost vyspělých děl, jako jsou The Liver is the Cock“ s Comb, The Betrothal II a One Year the Milkweed Okamžitě předznamenal abstraktní expresionismus a vedoucí Newyorské školy uznali značný vliv Gorkého. Rané dílo Hymana Blooma bylo také vlivné. Američtí umělci také těžili z přítomnosti Piet Mondriana, Fernanda Légera, Maxe Ernsta a André Bretonská skupina, galerie Pierra Matisse a galerie Peggy Guggenheimové Umění tohoto století a další faktory. Hans Hofmann, zejména jako učitel, mentor a umělec, měl pro vývoj a úspěch abstraktu důležitý vliv. expresionismus ve Spojených státech. Mezi Hofmannovými chráněnci byl Clement Greenberg, který se stal nesmírně vlivným hlasem amerického malířství, a mezi jeho studenty byl Lee Krasner, který představil její učitele r, Hofmann, svému manželovi Jacksonovi Pollockovi.

Pollock and Abstract influencesEdit

Koncem 40. let radikální přístup Jacksona Pollocka k malbě způsobil revoluci v potenciálu veškerého současného umění, které následoval ho. Pollock si do jisté míry uvědomil, že cesta k vytvoření uměleckého díla byla stejně důležitá jako samotné umělecké dílo. Stejně jako Picassovy inovativní objevy malířství a sochařství na přelomu století prostřednictvím kubismu a konstruované plastiky s vlivy, které jsou nesourodé jako navajské pískové malby, surrealismus, Jungianova analýza a mexické nástěnné umění, Pollock předefinoval, co to je produkovat umění. Jeho odklon od malby stojanu a konvenčnosti byl osvobozujícím signálem pro umělce jeho doby a pro všechny, co přišly později.Umělci si uvědomili, že proces Jacksona Pollocka – umístění neroztaženého surového plátna na podlahu, kde na něj bylo možné zaútočit ze všech čtyř stran pomocí materiálů umělce a průmyslových materiálů; kapaly a házely lineární přadénka barvy; kresba, barvení, kartáčování; obrazy a non-metafora – v zásadě posunula tvorbu umění za jakékoli předchozí hranice. Abstraktní expresionismus obecně rozšířil a rozvinul definice a možnosti, které umělci měli k dispozici pro tvorbu nových uměleckých děl.

Ostatní abstraktní expresionisté následovali Průlom Pollocka s novými vlastními průlomy. V jistém smyslu inovace Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos a další otevřeli stavidla rozmanitosti a rozsah všeho umění, které je následovalo. Radikální antiformalistická hnutí 60. a 70. let včetně Fluxusu, Neo-Dady, konceptuálního umění a feministického uměleckého hnutí lze vysledovat k inovacím abstraktního expresionismu. Opětovné čtení abstraktního umění provedené historiky umění, jako jsou Linda Nochlin, Griselda Pollock a Catherine de Zegher, však kriticky ukazuje, že průkopnické umělkyně, které přinesly významné inovace v moderním umění, byly oficiálními účty jeho historie ignorovány, ale nakonec začal dosáhnout zpožděného uznání v návaznosti na abstraktní expresionistické hnutí 40. a 50. let. V 50. letech se v New Yorku v New Yorku objevil abstraktní expresionismus jako hlavní umělecké hnutí a poté několik předních uměleckých galerií začalo abstraktního expresionisty zahrnovat na výstavách a jako štamgasti ve svých seznamech. Některé z těchto významných „uptown“ galerií zahrnovaly: Charles Egan Gallery, Sidney Janis Gallery, Betty Parsons Gallery, Kootz Gallery, Tibor de Nagy Gallery, Stable Gallery, Leo Castelli Gallery a další; a několik galerií v centru známých v té době jako galerie desáté ulice vystavovalo mnoho začínajících mladších umělců pracujících v abstraktním expresionistickém duchu.

Akční malba Upravit

Akční malba byla stylem rozšířeným od 40. let 20. století až do počátku šedesátých let a úzce souvisí s abstraktním expresionismem (někteří kritici používají pojmy akční malba a abstraktní expresionismus zaměnitelně). Často se porovnává americká akční malba s francouzským tachismem.

Termín vytvořil americký kritik Harold Rosenberg v roce 1952 a signalizoval zásadní posun v estetické perspektivě malířů a kritiků newyorské školy. . Podle Rosenberga bylo plátno „arénou, ve které se má jednat“. Zatímco abstraktní expresionisté jako Jackson Pollock, Franz Kline a Willem de Kooning byli již dlouho otevřeni v pohledu na malbu jako na arénu, v níž se smířit s aktem stvoření, dřívější kritici sympatizující s jejich příčinou, jako Clement Greenberg, zaměřili se na jejich díla „“ objektivitu. „Pro Greenberga byla klíčem k jejich pochopení jako dokumentům existenčního boje umělců fyzicky„ sražené a naolejované povrchy obrazů.

Rosenbergova kritika se změnila důraz od objektu k samotnému boji, přičemž hotový obraz byl pouze fyzickým projevem, jakýmsi zbytkem, skutečného uměleckého díla, které bylo v aktu nebo procesu tvorby obrazu. Tato spontánní aktivita byla „akce“ malíře pohybem paží a zápěstí, malířská gesta, tahy štětcem, hozená bolest t, postříkaný, potřísněný, poškrábaný a kapající. Malíř někdy nechal kapat barvu na plátno, rytmicky tancovat, nebo dokonce stát na plátně, někdy nechat barvu spadnout podle podvědomé mysli, čímž nechal bezvědomou část psychiky prosadit a vyjádřit se. To vše je však obtížné vysvětlit nebo interpretovat, protože se jedná o domnělý nevědomý projev aktu čistého stvoření.

V praxi se pojem abstraktní expresionismus aplikuje na jakýkoli počet umělců pracujících (většinou) v New Yorku, kteří měli zcela odlišné styly a dokonce se aplikovali na práci, která není nijak zvlášť abstraktní ani expresionistická. Energické akční malby Pollocka se svým „rušným“ dojmem se liší technicky i esteticky od násilných a groteskních sérií Women De Kooning. Žena V je jedním ze série šesti obrazů, které vytvořil De Kooning v letech 1950 až 1953 a které zobrazují ženskou postavu o délce tří čtvrtin. První z těchto obrazů, Žena I, zahájil v červnu 1950, opakovaně měnil a maloval obraz až do ledna nebo února 1952, kdy byl obraz opuštěn nedokončený.Historik umění Meyer Schapiro viděl obraz v de Kooningově ateliéru brzy poté a vyzval umělce, aby vytrval. De Kooning odpověděl tím, že zahájil další tři obrazy na stejné téma; Žena II, Žena III a Žena IV. V létě roku 1952, stráveném v East Hamptonu, de Kooning dále prozkoumával téma pomocí kreseb a pastelů. Je možné, že práci na filmu Žena I dokončil do konce června, případně až v listopadu 1952, a další tři snímky žen byly pravděpodobně uzavřeny téměř ve stejnou dobu. Série Woman jsou rozhodně figurální obrazy.

Dalším významným umělcem je Franz Kline. Stejně jako u Jacksona Pollocka a dalších abstraktních expresionistů byl Kline označen za „akčního malíře kvůli jeho zdánlivě spontánnímu a intenzivnímu stylu, zaměřenému méně nebo vůbec na figury nebo obrazy, ale na skutečné tahy štětcem a použití plátna; jeho obrazem číslo 2 (1954).

Automatické psaní bylo důležitým prostředkem pro akční malíře, jako je Kline (v jeho černobílých obrazech), Pollock, Mark Tobey a Cy Twombly, kteří používali gesto, povrch , a linie k vytvoření kaligrafických, lineárních symbolů a přadének, které připomínají jazyk, a rezonují jako silné projevy z Kolektivního nevědomí. Robert Motherwell ve své sérii Elegy to the Spanish Republic namaloval silné černobílé obrazy pomocí gesta, povrchu a symbolu evokujícího silné emocionální poplatky.

Mezitím ostatní akční malíři, zejména de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell a James Brooks, používali snímky buď prostřednictvím abstraktní krajiny, nebo jako expresionistické v představy postavy formulovat jejich vysoce osobní a silné evokace. „Obrazy Jamese Brookse byly obzvláště poetické a vysoce obezřetné ve vztahu k Lyrické abstrakci, která se proslavila koncem šedesátých a sedmdesátých let.

Barevné pole Upravit

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb a klidné třpytivé bloky barev v díle Marka Rothka (což není to, co by se obvykle nazývalo expresionistické a které Rothko popřel jako abstraktní), jsou klasifikovány jako abstraktní expresionisté, i když z toho, co Clement Greenberg nazval směr barevného pole abstraktního expresionismu . Jak Hans Hofmann, tak Robert Motherwell lze pohodlně popsat jako praktiky akční malby a malby barevného pole. Ve 40. letech 20. století úzce konstruované snímky Richarda Pousette-Darta často závisely na tématech mytologie a mystiky; stejně jako obrazy Gottlieba a Pollocka v tomto desetiletí.

Malba Color Field původně odkazovala na zvláštní typ abstraktního expresionismu, zejména dílo Rothka, Stilla, Newmana, Motherwella, Gottlieba, Ad Reinhardta a několik sérií obrazů Joana Miróa.Greenberg vnímal malbu Color Field jako příbuznou, ale odlišnou od akční malby. Malíři Color Field hledali zbavit své umění zbytečné rétoriky. Umělci jako Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey a zejména Ad Reinhardt a Barnett Newman, jejichž mistrovské dílo Vir heroicus sublimis je ve sbírce MoMA, používali značně omezené odkazy na přírodu a malovali vysoce artikulovaným a psychologickým využitím barev. Obecně tito umělci eliminovali rozpoznatelné obrazy, v případě Roth ko a Gottlieb někdy používají symbol a znak jako náhradu snímků. Někteří umělci citovali odkazy na minulé nebo současné umění, ale obecně malba barevného pole představuje abstrakci jako cíl sám o sobě. Při sledování tohoto směru moderního umění chtěli umělci představit každý obraz jako jeden jednotný, soudržný a monolitický obraz.

Na rozdíl od emoční energie a gestických povrchových znaků abstraktních expresionistů, jako jsou Pollock a de Kooning, malíři Color Field se zpočátku zdáli být chladní a strohí, čímž potlačovali individuální značku ve prospěch velkých plochých barevných ploch, které tito umělci považovali za základní povahu vizuální abstrakce, spolu se skutečným tvarem plátna, které později v šedesátých letech 20. století zejména Frank Stella dosáhl neobvyklým způsobem kombinací zakřivených a rovných hran. Ukázalo se však, že malba Color Field je jak smyslná, tak hluboce expresivní, i když odlišně od gestického abstraktního expresionismu.

Ačkoli se abstraktní expresionismus rychle rozšířil po celých Spojených státech, hlavním centrem tohoto stylu byl New York City a Kalifornie, zejména na New York School, a oblast San Francisco Bay. Abstraktní expresionistické malby sdílejí určité vlastnosti, včetně použití velkých pláten, přístupu typu „all-over“, kdy je celé plátno zacházeno se stejnou důležitostí (na rozdíl od středu, který je více zajímavý než okraje).Plátno jako aréna se stalo krédem akční malby, zatímco integrita obrazové roviny se stala krédem malířů barevného pole. Mladší umělci začali v 50. letech 20. století vystavovat své obrazy spojené s abstraktním expresionismem, mimo jiné Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas a Robert Goodnough. .

Ačkoli je Pollock díky svému stylu, technice, malířskému dotyku a fyzickému použití barvy úzce spojen s Action Painting. , kritici umění přirovnali Pollocka jak k akční malbě, tak k malbě barevných polí. Další kritický pohled, který poskytl Greenberg, spojuje Pollockovy celoplošné plachty s velkými lekníny Clauda Moneta provedenými ve 20. letech 20. století. Umělečtí kritici jako Michael Fried, Greenberg a další poznamenali, že celkový pocit v nejznámějších Pollockových dílech – jeho kapkovitých obrazech – se čte jako obrovská pole zastavěných lineárních prvků. Poznamenávají, že tato díla se často čtou jako obrovské komplexy podobně hodnotné malířské nátěry a všechna barevná a kreslicí pole a souvisejí s nástěnnými Monety, které jsou podobně konstruovány z pečlivě označených kartáčovaných a poškrábaných značek, které se čtou také jako barevná a kreslicí pole. Pollockovo použití celoplošné kompozice propůjčují filozofické a fyzické spojení se způsobem, jakým malíři barevného pole jako Newman, Rothko a Still vytvářejí své neporušené a v Stillově případě rozbité povrchy. Na několika obrazech, které Pollock maloval po svém klasickém období kapkové malby V letech 1947–1950 použil techniku barvení tekutých olejových barev a bytových barev na surové plátno. V průběhu roku 1951 vyrobil sérii semi-figurálních obrazů černé skvrny a v roce 1952 vyrobil obrazy skvrn zpívat barvu. Na své výstavě v listopadu 1952 v Galerii Sidneyho Janise v New Yorku ukázal Pollock číslo 12 1952 velkou mistrovskou malbu skvrn, která připomíná pestrobarevnou mořenou krajinu (s překrytím široce kapané tmavé barvy); obraz získal z výstavy Nelson Rockefeller do své osobní sbírky.

Zatímco Arshile Gorky je považován za jednoho ze zakladatelů abstraktního expresionismu a surrealistu, byl také jedním z prvních malířů Newyorská škola, která použila techniku barvení. Gorky vytvořil široká pole živé, otevřené a nepřerušované barvy, která používal v mnoha svých obrazech jako základ. Na nejefektivnějších a nejuznávanějších malbách Gorkého v letech 1941–1948 důsledně používal intenzivní obarvená barevná pole, která často nechávala barvu běžet a kapat, pod a kolem své známé lexiky organických a biomorfních tvarů a jemných linií. Další abstrakt expresionista, jehož díla ve čtyřicátých letech připomínají skvrnové malby 60. a 70. let, je James Brooks. Brooks pravidelně používal barvivo jako techniku svých obrazů z konce 40. let. Brooks začal ředit olejovou barvu, aby měl tekuté barvy s které nalil a odkapal a obarvil na většinou surové plátno, které použil. Tato díla často kombinovala kaligrafii a abstraktní tvary. Během posledních tří desetiletí své kariéry byl styl Sama Francise ve velkém měřítku jasného abstraktního expresionismu úzce spojen s Colourem polní malba. Jeho obrazy obkročily oba tábory v abstraktním expresionistickém rubriku Akční malba a Malba barevného pole.

Poté, co viděl Pollockovy obrazy zředěné černé olejové barvy z roku 1951 zabarvené na surové plátno, začal Frankenthaler vyrábět barevné obrazy v různých olejové barvy na surovém plátně v roce 1952. Její nejslavnější malba z tohoto období je Hory a moře. Je jedním z původců hnutí Barevné pole, které vzniklo koncem padesátých let. Frankenthaler studoval také u Hanse Hofmanna.

Hofmannovy obrazy jsou symfonií barev, jak je vidět v The Gate, 1959–1960. Byl proslulý nejen jako umělec, ale také jako učitel umění, a to jak v rodném Německu, tak později v USA. Hofmann, který do Spojených států přišel z Německa počátkem 30. let, s sebou přinesl odkaz modernismu. Jako mladý umělec v Paříži před první světovou válkou pracoval Hofmann s Robertem Delaunayem a na vlastní kůži znal inovativní dílo Picassa i Matisse. Matisseova práce měla na něj obrovský vliv a na jeho chápání expresivního jazyka barvy a potenciálu abstrakce. Hofmann byl jedním z prvních teoretiků malby barevného pole a jeho teorie byly vlivné pro umělce i kritiky, zejména Clementovi Greenbergovi a ostatním během 30. a 40. let.V roce 1953 byli Morris Louis a Kenneth Noland po návštěvě jejího ateliéru v New Yorku hluboce ovlivněni skvrnami Heleny Frankenthalerové. Po návratu do Washingtonu, DC, začali na konci pozdního roku produkovat hlavní díla, která vytvořila pohyb barevného pole 1950.

V roce 1972 pak kurátor Metropolitního muzea umění Henry Geldzahler řekl:

Clement Greenberg zahrnul práci Morrise Louise i Kenneth Noland na výstavě, kterou dělal v galerii Kootz na počátku 50. let. Clem byl první, kdo viděl jejich potenciál. Pozval je do New Yorku v roce 1953, myslím, že to bylo, do Heleninho ateliéru, aby viděl obraz že právě udělala s názvem Hory a moře, velmi, velmi krásný obraz, který byl v jistém smyslu mimo Pollocka a mimo Gorkého. Byl to také jeden z prvních obrázků skvrn, jeden z prvních velkých polních obrázků, ve kterých byla použita technika skvrn, možná první. Louis a Noland viděli obraz rozvinutý na podlaze jejího ateliéru a vrátili se do Washingtonu, DC. Chvíli spolu pracovali a pracovali na důsledcích tohoto druhu malby.

V šedesátých letech po abstraktním expresionismu Upravit

V abstraktním malířství se v 50. a 60. letech objevilo několik nových směrů, jako je malba na hraně, kterou ilustroval John McLaughlin. Mezitím se v reakci na subjektivismus abstraktního expresionismu začaly v uměleckých studiích a v radikálních avantgardních kruzích objevovat další formy geometrické abstrakce. Greenberg se stal hlasem post malířské abstrakce; kurátorem vlivné výstavy nového malířství, která v roce 1964 cestovala po významných muzeích umění po celých Spojených státech. Barevná polní malba, malba na hraně a lyrická abstrakce se ukázaly jako radikálně nové směry.