Cerámica griega antigua

Los pintores a menudo trabajaban en talleres colectivos, generalmente bajo la supervisión de un «maestro» alfarero (lo que sugiere que la forma era en realidad más importante que la decoración para los griegos). Aunque los artistas estaban libres de restricciones o controles políticos centralizados, sin duda fueron impulsados por la demanda del mercado de estilos, temas y modas particulares. Muchos alfareros y artistas fueron prolíficos en su producción y en algunos casos más de 200 vasijas pueden atribuirse a un solo artista. La mayoría de los alfareros no habrían cobrado más que cualquier otro trabajador manual y una buena vasija probablemente costaba sólo un día de salario. Ciertamente, sin embargo, algunos artistas habrían tenido una gran demanda y sus productos se vendieron no solo a nivel local sino a lo largo y ancho del Mediterráneo. Los propios alfareros a veces se trasladaron a otras ciudades, particularmente colonias, a menudo llevando consigo su estilo regional. También hubo cierta rivalidad entre los artistas, como lo indica un comentario firmado en un jarrón, «mejor de lo que Euphronias podría haber hecho».

Formas

Aunque la cerámica griega nos proporciona una amplia variedad de formas, desde tazas hasta platos y ánforas masivas, muchas de las formas se mantuvieron relativamente constantes durante siglos. Esto se debe principalmente a que los alfareros griegos producían artículos para uso práctico, como vino, agua, aceite y perfumes, y una vez tuvieron la forma práctica óptima había evolucionado, fue copiado y mantenido. Sin embargo, a pesar de esta restricción en la forma, los ceramistas y pintores griegos pudieron expresar su versatilidad en la decoración del jarrón.

Las formas más comunes de alfarería eran ánforas para almacenar vino, cráteres grandes para mezclar vino con agua, jarras ( oinochoai) para servir vino, kylixes o copas con tallo con asas horizontales para beber (especialmente práctico si se levanta una taza de el suelo cuando se reclina en una tumbona durante la cena), hidra con tres asas para contener agua, skyphoi o tazones hondos y tarros lekythoi para contener aceites y perfumes. Precisamente porque estos objetos eran para uso práctico, los mangos (cuando están presentes) son generalmente objetos resistentes, sin embargo, el alfarero, al usar formas cuidadosamente consideradas, a menudo lograba mezclar estas adiciones en la armonía general del recipiente y fue ayudado en este esfuerzo con sutiles adiciones decorativas del pintor.

Estilos decorativos: cerámica proto-geométrica

La cerámica griega, particularmente en términos de decoración, evolucionó a lo largo de los siglos y se puede clasificar en cuatro grandes grupos:

• Cerámica protogétrica
• Cerámica geométrica
• Cerámica de figuras negras
• Cerámica de figuras rojas

Estos grupos o estilos, sin embargo, no pasaron abruptamente de uno a otro sino que en algunos casos fueron contemporáneos durante décadas. Además, algunas ciudades-estado y regiones tardaron en asimilar nuevos estilos o simplemente prefirieron la decoración de estilo «antiguo» mucho después de que habían dejado de producirse en otros lugares. Además, algunas ciudades y regiones fueron consistentemente un poco excéntricas en su decoración (notablemente Laconia-Esparta, Chipre, Creta y Beocia) y prefirieron seguir su propio camino artístico en lugar de imitar los estilos de los centros más dominantes como Atenas y Beocia. Corinto.

El primer estilo distintivo de cerámica griega apareció por primera vez alrededor del año 1000 a. C. o quizás incluso antes. Con reminiscencias técnicas de las primeras civilizaciones griegas de la Creta minoica y del continente micénico, la decoración de cerámica griega antigua empleaba formas simples, poco utilizadas. La cerámica proto-geométrica, sin embargo, difiere de la forma minoica y micénica. El centro de gravedad del jarrón se mueve hacia abajo (creando un recipiente más estable) con los pies y el cuello más articulados.

Los diseños Proto-Geométricos más populares fueron círculos pintados con precisión (pintados con múltiples pinceles fijados a una brújula), semicírculos y líneas horizontales en negro y con grandes áreas del jarrón pintadas únicamente en negro. Un nuevo motivo en las bases de las vasijas fueron los puntos triangulares verticales que perduraron durante siglos y se convertirían en una característica básica del diseño posterior de cerámica de figuras negras.

Cerámica geométrica

Alrededor del 900 a. C. apareció el estilo geométrico completo y favoreció el espacio rectangular en el cuerpo principal del jarrón entre los mangos.En este espacio aparecieron atrevidos diseños lineales (quizás influenciados por la cestería contemporánea y los estilos de tejido) con decoración de líneas verticales a ambos lados. Fue en este período que apareció por primera vez el diseño de Maeander (quizás inspirado en la práctica de envolver hojas alrededor de los bordes de los cuencos de metal), destinado a asociarse para siempre con Grecia y aún hoy en día sigue siendo fuerte en todo, desde platos hasta toallas de playa. La parte inferior de las vasijas geométricas a menudo se pintaba de negro y se separaba del resto de la vasija mediante líneas horizontales. Apareció una interesante forma de estilo geométrico que era la caja circular con tapa plana, sobre la cual, de uno a cuatro caballos actuaban como asa.

Desde el siglo VIII a. C., la decoración de cerámica geométrica comenzó a incluir figuras humanas estilizadas, pájaros y animales con casi toda la superficie del jarrón cubierta de líneas y formas audaces pintadas en marrón y negro. Hacia el final del período en el siglo VII a. C., el llamado estilo orientalizante se hizo popular en Corinto. Con sus conexiones comerciales orientales, la ciudad se apropió de las plantas estilizadas (por ejemplo, loto, palmera y el árbol de la vida), frisos de animales (por ejemplo, leones) y líneas curvas de cerámica egipcia y asiria para producir su propia versión griega única. El resto del este de Grecia siguió su ejemplo, a menudo prefiriendo el rojo sobre un fondo blanco. Atenas también siguió la nueva tendencia y se generalizó con, por ejemplo, las Cícladas también produciendo cerámica en este nuevo estilo más libre, a menudo en jarrones muy grandes y con una decoración más espaciosa.

A finales del 7mo. En el siglo a. C., la cerámica proto-corintia alcanzó nuevas alturas en cuanto a técnica y calidad, produciendo la cerámica más fina que se haya visto hasta ahora, en cocción, forma y decoración. Las estilizadas figuras negras se grabaron cada vez con mayor precisión y se les dio cada vez más detalle, gracia y vigor. Nació el célebre estilo de cerámica de figuras negras.

Figura negra Cerámica

Aunque primero se produjo en Corinto, luego con excelentes ejemplos hechos en Laconia y el sur de Italia (por colonos eubeos), serían los alfareros y pintores de Ática los que se destacarían por encima de todos los demás en la figura negra. estilo, y continuarían dominando el mercado griego durante los próximos 150 años. No todas las figuras fueron pintadas de negro, ya que se adoptaron ciertas convenciones de color, como el blanco para la carne femenina y el rojo púrpura para la ropa y los accesorios. Un mayor interés por los detalles finos como los músculos y el cabello, que se agregaron a las figuras con un instrumento afilado, es característico del estilo. Sin embargo, son las posturas de las figuras las que también marcan la cerámica de figuras negras como el cenit de la pintura de vasijas griegas. Las figuras más finas reciben gracia y equilibrio y, a menudo, se ilustran en los momentos previos al movimiento real o al descanso después del esfuerzo.

El famoso jarrón de Exekias, con Ajax y Aquiles jugando un juego de mesa durante la guerra de Troya, es un excelente ejemplo de la dignidad y la energía que podría lograr la pintura de figuras negras. Además, los jarrones de figuras negras a menudo contaban, por primera vez, una narrativa. Quizás el ejemplo más célebre es el Francois Vase, una gran crátera voluta hecha por Ergotimos y pintada por Kleitas (570-565 a. C.) que mide 66 cm de alto (26 pulgadas) y está cubierta con 270 figuras humanas y animales que representan una asombrosa variedad de escenas y personajes de la mitología griega. Otras vasijas típicas del estilo de figura negra son ánforas, lekythoi, kylixes, copas lisas, pyxides (pequeñas cajas con tapa) y cuencos.

Cerámica de figuras rojas

La figura negra La técnica fue reemplazada por la técnica de figuras rojas (figuras rojas creadas pintando su contorno con un fondo negro) alrededor del 530 a. C., que perduraría durante los próximos 130 años más o menos. Los dos estilos fueron paralelos durante algún tiempo e incluso hay ejemplos «bilingües» de jarrones con ambos estilos, pero la figura roja, con su ventaja del pincel sobre el más grave, podría intentar retratar de manera más realista la figura humana y finalmente se convirtió en el estilo favorito de la decoración de cerámica griega. Quizás influenciado por técnicas de pintura mural contemporánea, detalle anatómico, diversas expresiones faciales, mayor detalle en la ropa (especialmente de pliegues, siguiendo la nueva moda del vestido de quitón más ligero que también fascinó a los escultores contemporáneos), mayores intentos de retratar la perspectiva, la superposición de figuras , y la representación de la vida cotidiana, como la educación y las escenas deportivas, son características de este estilo.

Las formas de las vasijas de figuras rojas son generalmente las de las figuras negras estilo. Una excepción es el kylix que se vuelve menos profundo y con un pie más corto, casi convirtiéndose en un tercer mango. Además, la narración pintada debe leerse girando la taza en la mano. Otras modificaciones menores son la hidra, que se vuelve un poco más completa en la figura y el cuello-ánfora más delgado. Los lekythoi de este período solían tener un fondo blanco, al igual que (más raramente) tazas y cajas.

Nuevos medios

En el siglo IV a. C., quizás al intentar copiar las innovaciones en perspectiva Del fresco contemporáneo, el estilo de figuras rojas revelaría sus limitaciones y los jarrones degenerarían en escenas sobrecargadas con extrañas perspectivas flotantes. Significativamente, la pintura en cerámica ya no estaría vinculada intrínsecamente a la forma que decoraba y, por lo tanto, dejaría de existir como una forma de arte por derecho propio. En consecuencia, la atención y la excelencia artísticas se desviarían de los confinamientos de la cerámica hacia otros medios más abiertos como la pintura mural.

Conclusión

En conclusión, entonces, podemos decir que no Solo la cerámica griega nos ha dado algunas de las formas y diseños más distintivos, influyentes y hermosos de la antigüedad, pero también nos ha dado una ventana a las vidas, prácticas y creencias de un pueblo que se fue hace mucho tiempo y del que muy a menudo no tenemos registro escrito contemporáneo. Estos objetos cotidianos, a diferencia de los demás sobrevivientes arqueológicos, la literatura, la escultura y la arquitectura, nos permiten sentirnos un poco más cerca de la gente común del mundo antiguo, aquellos que no podían permitirse el lujo de bellas artes o joyas preciosas pero que podían permitirse poseer una fina artesanía. objeto como un jarrón griego.